斯坦尼斯拉夫斯基体系精华斯坦尼斯拉夫斯基中国电影出版社9787106029593 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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[苏] 斯坦尼斯拉夫斯基 著

图书标签:

• 斯坦尼斯拉夫斯基
• 表演
• 戏剧
• 演员
• 表演技巧
• 戏剧理论
• 电影
• 中国电影出版社
• 9787106029593
• 艺术

店铺： 佳期如梦图书专营店

出版社： 中国电影出版社

ISBN：9787106029593

商品编码：29684809244

出版时间：2008-07-31

页数：367

图书基本信息 书名： 斯坦尼斯拉夫斯基体系精华   丛书名：   作者/主编： (苏) 斯坦尼斯拉夫斯基   出版社： 中国电影出版社     ISBN号： 9787106029593     出版年份： 2008年8月        版次：   第1版 总页数：   367页 开本：   16 图书定价：   65元 实际重量：   0.56kg 新旧程度：   正版全新

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《斯坦尼斯拉夫斯基体系精华》一书可以帮助你快捷而全面地了解和掌握斯坦尼斯拉夫斯基体系的精髓。 
斯坦尼斯拉夫斯基体系是20世纪初俄罗斯戏剧家斯坦尼斯拉夫斯基继承了西欧和俄罗斯的现实主义戏剧艺术传统、积累了他本人的表演和导演经验，并在莫斯科艺术剧院的创作实践基础上创立的现实主义演剧体系，也是世界上表演艺术理论中 影响的理论体系。

作者简介

作者：(苏联)玛·阿·弗烈齐阿诺娃

 一划

“一般”——“一般”的表演
三划
工作前的状态
上演剧目
下意识
习作
习惯
四划
天才
天真
无动作
艺术中的不断的线
艺术真实——自然美
日记
日常生活
内心视觉
内心视象
内在的连结
内在的热力
内在紧张
手势
化妆
，此时，此地
分寸感
分析——认识剧本和角色的过程
一、案头工作——在案头对剧本的认识分析
二、通过自身在规定情境中的实感对规定情境的动作分析
三、分析（认识）剧本和角色的手法
反贯串动作
心理生活动力
一、智慧——意志——情感
二、心理生活动力的心理技术
三、情感型、意志型和理智型的演员个性
心理技术
双重生活
幻想剧，幻想
五划
示范
正确地表演角色
“本色演技”
记忆力
对艺术的奴役
对作品的挑剔
六划
动作
一、对动作的迫切欲求
二、形体动作
1.形体任务和动作
2.通过自身在规定情境中的实感对规定情境的动作分析
3.无实物动作
4.人的身体生活的线
……
七划
八划
九划
十划
十一划
十二划
十三划
十四划
十五划
十六划
划
划

俄罗斯及前苏联戏剧大师斯坦尼斯拉夫斯基所建立的体系是迄今为止世界范围内颇具性和科学性的表演体系，斯氏有关戏剧理论的著作本身，卷帙浩繁，对学习体系的人来说，往往有“望洋兴叹”之感。《斯坦尼斯拉夫斯基体系精华》为苏联的戏剧院校教材，它适应教学和读者要求，采撷斯氏全部著作(包括未发表的著作)精华，编辑成集，囊括体系全部术语及斯氏本人所作的解释，既保存了体系精髓，使读者能窥见体系全豹，又可按图索骥便于检索，读者可以各取所需。所以《斯坦尼斯拉夫斯基体系精华》对初学体系的读者和已深入体系堂奥的研究者具有很大的可读性。

《表演的艺术：从体验到呈现的精妙之旅》 一部深刻剖析表演本质，构建完整演员训练体系的里程碑式著作 本书并非聚焦于某一特定流派或地域（如中国电影出版社的特定版本），而是站在更宏观的戏剧艺术领域，深入探讨表演的核心原理与实践路径。它旨在为所有致力于提升表演技巧、追求角色真实性与舞台表现力的演员、导演、戏剧教育工作者，以及所有对人类情感表达机制感兴趣的读者，提供一套系统、严谨且极具操作性的方法论。 本书的立意在于揭示“表演”这一古老艺术形式在现代语境下的核心命题：如何让虚构的情感在舞台或银幕上产生真实的感染力？作者通过对大量经典戏剧案例、心理学研究及艺术哲学思辨的综合梳理，构建了一个由内而外的表演训练框架，强调技术服务于内心真实，而非空洞的模仿。 --- 第一部分：内在真实性的构建——“体验”的科学 本部分是全书的基石，着重于解决演员最根本的难题：如何在舞台上“相信”角色所处的情境，并引发与之匹配的真实情感反应。 第一章：超越模仿：情绪的触发与调动 许多初学者误以为表演就是模仿哭泣或大笑。本书则深入探讨了情绪的生成机制。我们不要求演员“假装”有情绪，而是提供工具，引导演员进入特定情境的“心理环境”中。 记忆与联想的精确运用： 详细解析了如何安全、有效地利用个人记忆来唤起与角色情境相似的感受，并强调了“隔离”技术的重要性，确保个人情绪不会过度泛滥，而是被精准地导向角色需求。 “如果”的力量——想象的无限疆域： 阐述了“魔术的如果”（Magic If）在构建替代现实中的关键作用。这不仅仅是一个简单的假设，而是一套严密的逻辑推演，将演员从自身经验的局限中解放出来，使其能够完全融入角色的世界观、价值观和生理状态。 第二章：感官的激活与环境的捕捉 表演的真实感并非只依赖于内心，外部环境的感知同样至关重要。演员必须学会“听见”、“看见”和“感觉”到舞台上的每一个细节，即使这些细节是想象出来的。 多重感官的并置： 探讨了如何同步调动视觉、听觉、触觉甚至嗅觉，构建一个丰满、立体的虚拟场景。例如，如何通过对想象中“寒冷空气”的感知，自然地收紧身体，改变呼吸频率，从而影响台词的发出方式。 身体的无意识反应： 分析了心理压力如何转化为生理反应。通过特定练习，使演员的身体能够对内心的“冲击”做出自然的、未经雕琢的物理反馈，避免肢体语言的程式化。 --- 第二部分：从内心到外在的桥梁——“沟通”的艺术 内在的体验必须通过清晰、有力的外在表达才能抵达观众。本部分关注如何将丰富的内心活动转化为有组织、有目的的舞台行为。 第三章：动作的逻辑——目的性行为的分析 表演的每一个动作都必须拥有明确的目的性。本书批判了那种“只是站着不动”的表演状态，主张即便是在沉默中，演员的角色也必须在“做”着什么。 “正在进行着”的强调： 讲解了如何将剧本中的场景分解为一系列相互关联、层层递进的“目的性行为链”。每个动作不仅要服务于当前的情境，更要为下一刻的行动铺垫动机。 潜台词的挖掘与呈现： 深入剖析了语言背后的隐藏意图。如何让台词成为表达角色无法言说的欲望、恐惧或欺骗的工具，而非单纯的文字复述。这要求演员对剧本进行“反向阅读”。 第四章：语言的张力与节奏的驾驭 声音是演员最直接的武器，但其力量来源于其精确的控制与恰当的运用。 呼吸与声音的统一性： 探讨了生理呼吸与情感呼吸的协调。强调正确的呼吸支持是声音饱满、情感充沛的基础，而非仅为朗诵技巧。 节奏与停顿的精妙平衡： 节奏不仅仅是语速的快慢，更是情绪的脉搏。通过分析不同场景下情绪的积累与释放，指导演员如何利用停顿来制造悬念、强调重点，或表现内心的挣扎与犹豫。 --- 第三部分：舞台的实现与导演的协作 表演的最终完成需要环境的支持与有效的反馈机制。本部分将视野从个人训练拓展到集体创作。 第五章：情境中的自我修正与适应 舞台是流动的，意外随时发生。本书强调演员需要具备高度的现场应变能力，同时保持对既定艺术构想的忠诚。 与伙伴的“相互给予”： 强调表演不是独角戏，而是两个或多个生命体之间的能量交换。如何真正地“给予”和“接收”来自对手演员的能量，使表演成为一个有生命的互动过程。 面对镜头的挑战与机遇： 对于影视表演而言，镜头提出了新的要求。本书分析了镜头前后的表演差异，特别是如何保持内在的强度，同时将外在表现“微缩”以适应近距离的捕捉。 第六章：导演的角色与演员的自主性 本书倡导一种健康、富有创造力的合作关系。导演提供宏观的蓝图和必要的修正，而演员则提供实现蓝图所需的生命力与细节真实性。 接受与转化的艺术： 教授演员如何以开放的心态接纳来自导演的建议，并将看似抽象的指令转化为具体的、可执行的身体或心理任务，避免将指导视为限制，而是视为突破自我的契机。 --- 结语：永无止境的探索 本书总结道，表演艺术的精髓在于对“人”的深刻理解和永不餍足的探索欲望。掌握了这些基础与进阶的训练方法，演员便拥有了一套可靠的工具箱，可以自信地面对任何复杂、多变的创作环境，最终实现艺术的终极目标——在舞台上真实地“生活”着，并引发观众深沉的共鸣。这是一本为终身学习者准备的剧场圣经。

评分☆☆☆☆☆

我一直以为，所谓的“表演体系”无非就是一些舞台上的诀窍和技巧的集合，是关于如何“骗过”观众的学问。但这本书给我的震撼在于，它完全颠覆了我对表演的认知——这根本不是关于“演”戏，而是关于“活”戏。书里对人物内心世界的挖掘深度，简直令人发指。它要求演员首先要对人类情感的复杂性有极其透彻的理解，要求你剥开所有的社会伪装，直面最原始的冲动和欲望。我读到一些关于“情境再现”的描述时，不自觉地感到后背发凉，那不是简单的模仿，而是一种近乎精神分裂的自我切换。我不得不停下来，开始反思自己对“真实”的理解。这种对“内在真实性”的执着，让这本书的阅读过程充满了精神上的内耗，它不是让你轻松地获得知识，而是逼着你进行一场深刻的自我拷问和重建。每次合上书本，我都感觉自己像刚经历了一场漫长的内心风暴，对周围的人和事都产生了新的、或许是更加沉重的看法。

评分☆☆☆☆☆

这本厚厚的书拿在手里，沉甸甸的，光是这装帧就透着一股子学院派的严谨劲儿。我刚翻开目录，就被里面密密麻麻的术语和理论给震慑住了——“主行动线”、“情感记忆的运用”、“通往潜意识的桥梁”……说实话，这些名词对我这个业余爱好者来说，简直就是一堵无形的墙。我原本是抱着找点表演技巧、回家对着镜子练习一下舞台魅力的小期望来的，结果这书一上来就给我上了一堂深奥的哲学课。它不是那种手把手教你“眼睛要看哪里，手要怎么摆”的速成手册，更像是某种深层次的心理学著作，企图解剖演员内心最隐秘的运作机制。我花了好几个下午，对着几页的理论反复揣摩，感觉自己像是在试图理解一门失传的古老语言，每一个词组都蕴含着巨大的能量，但解读起来却异常晦涩。我能感受到作者想要传递的某种真理，那种对艺术极致追求的虔诚，但这种虔ൃത的表达方式，让初学者望而却步，它更像是为那些已经登堂入室，渴望更进一步的专业人士准备的“内功心法”，而不是街边随处可见的“招式秘籍”。

评分☆☆☆☆☆

这本书的结构安排，给我的整体感觉是极其“反商业化”的。它似乎完全不考虑读者的阅读曲线，而是按照理论的逻辑发展顺序，从最基础的生理反应谈起，逐步递进到对时间和空间的精确把握，最后才触及到表演的最高境界。这种严谨的、近乎科学实验的构建方式，虽然保证了体系的完整性，但却使得前几章的内容异常枯燥，很难吸引那些期望立刻看到“表演秘诀”的读者。我花了很久才坚持读过那些关于身体感知和注意力的基础训练部分，那段文字的密度非常高，几乎没有穿插任何生动的案例或轶事来调剂。它就像是教材的开篇，要求学生在未掌握任何实用工具前，就必须接受抽象的公理化定义。这本书更像是一份沉甸甸的“学术遗产”，需要读者以一种近乎朝圣的心态去对待，而不是一本可以随时翻阅、随时获取灵感的工具书。它的价值在于其奠基性，而非其即时性的实用性，这使得它在我的书架上，更多地扮演着一种“象征”的角色，而非“助手”。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我是在一个关于戏剧史的讲座上偶然听到别人提到这个体系的，当时讲者用了极富感染力的语言描绘了它如何彻底改变了现代表演的面貌。于是我满怀憧憬地想，如果能掌握了这本书里的精髓，是不是就能像那些舞台巨匠一样，拥有震撼人心的感染力？然而，实际的阅读体验却更像是一次对耐心的极限挑战。书中的论述逻辑链条非常长，一个观点往往需要铺垫十来页的背景知识才能被完全理解，而且大量的篇幅都在探讨“为何如此”而不是“如何去做”。我尝试着摘抄了一些看起来可以实践的段落，但当我试图将它们应用到日常生活中——比如仅仅是想更真诚地与人交流时——却发现那些理论指导显得过于宏大和抽象，根本找不到着力的点。这感觉就像是，你手里拿着一本讲解如何制造核反应堆的说明书，但你真正想学的是怎么生炉子煮饭。它指向的是“成为”，而不是“表演一个角色”，这种终极性的目标设定，让我在日常的浅尝辄止中找不到落脚点。

评分☆☆☆☆☆

这本书的翻译质量，坦白地说，起初让我有些不适应。一些名词的对译，似乎是采用了非常早期或非常学院派的术语，导致我常常需要在阅读时，额外去查阅一些更现代或更直白的解释，才能把句子真正捋顺。这种额外的“解码”工作，极大地打断了阅读的流畅性，也削弱了作者原有的那种一气呵成的、充满激情的论述力量。比如，对于一些核心概念的阐释，似乎总是在同一个地方绕圈子，用更复杂的词汇来解释前一个复杂词汇，形成了一个美其名曰“理论的自洽性”，但实际上却成了读者理解上的绊脚石。我理解，要翻译这样一套体系，必须精确，但精确得有些过于僵硬了，少了些许能够让普通读者轻松进入情境的引导性语言。如果能有一本配套的、用更生活化的语言解释这些核心概念的辅助读物，恐怕会大大降低初学者的门槛，让更多人能领略到这套理论的伟大之处，而不是被其外壳的坚硬所劝退。