乐理与视唱练耳第2册陈雅先上海音乐出版社正版教材课本乐理9787807515197 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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陈雅先 著

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• 乐理
• 视唱练耳
• 音乐教材
• 陈雅先
• 上海音乐出版社
• 高等教育
• 音乐理论
• 音乐教学
• 9787807515197
• 教材

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出版社： 人民音乐出版社

ISBN：9787807515197

商品编码：29684811684

页数：255

图书基本信息
书名：	乐理与视唱练耳第2册
丛书名：	全国普通高等学校音乐学(教师教育)本科教材
出版社：	上海音乐出版社
ISBN号：	9787807515197
出版年份：	2010年10月1日

版次：	第1版
总页数：	255页
开本：	1/16
图书定价：	47元
实际重量：	798g
新旧程度：	正版全新

编辑《乐理与视唱练耳(第2册)》：全国普通高等学校音乐学(教师教育)本科教材

 目录前言引言上篇·变音体系第*章 第*节 【感知与表现】一、节奏：单拍子·四分音符为单位拍的常规节奏二、旋律：辅助变化音【理论与听觉分析】一、音乐基础理论：变化音的类型及其表现功能二、听觉分析与听写【练习】Q0001第二节 【感知与表现】一、节奏：单拍子·四分音符为单位拍的非常规节奏二、旋律：经过变化音【理论与听觉分析】一、音乐基础理论：半音阶及其表现功能二、听觉分析与听写【练习】第三节 【感知与表现】一、节奏：单拍子·八分音符为单位拍的常规节奏二、旋律：含变化音的大调式旋律【理论与听觉分析】一、音乐基础理论：和声功能二、听觉分析与听写【练习】第四节 【感知与表现】一、节奏：单拍子·八分音符为单位拍的非常规节奏二、旋律：含变化音的小调式旋律【理论与听觉分析】一、音乐基础理论：正三和弦的和声语汇二、听觉分析与听写【小测验】阶段性教学目标评价第二章 第*节 【感知与表现】一、节奏：复拍子·四分音符为单位拍的常规节奏二、旋律：大、小调属七和弦的音调【理论与听觉分析】一、音乐基础理论：和弦的密集与开放排列二、听觉分析与听写【练习】第二节 【感知与表现】一、节奏：复拍子·四分音符为单位拍的非常规节奏二、旋律：离调【理论与听觉分析】一、音乐基础理论：离调二、听觉分析与听写【练习】……下篇·较复杂的节奏与旋律

《乐理与视唱练耳(第2册)》以视唱练耳基本技能的学习为基点，立足于对乐音音响的感受，将音乐基础理论知识渗透其中，使其音响化，以音响再现其各个类别的内容，通过弹、唱、读、听、写，对基本概念、内容、类别、特性进行诠释和表达（现），引导学生用便捷的方法获取全面的音乐基础知识和信息，提高音乐基本素质和综合能力，为进一步学习音乐理论、声乐、器乐、指挥、作曲等打下坚实的基础。尽管本课程不可能包括现代乐理与视唱练耳的全部内容，但在音乐基础理论指导下视觉与听觉、理论与实践的结合，将使音乐基本原理和音乐基本要素呈示得更为清晰。

音乐的殿堂：精通和声与曲式结构 一本深入探索西方音乐核心的理论巨著 本书籍致力于为严肃的音乐学习者、作曲家、音乐教育者以及所有渴望深入理解西方音乐复杂结构与美学的专业人士，提供一套全面、严谨且富有启发性的理论指导。我们摒弃了基础乐理的重复论述，直接聚焦于构建复杂音乐作品的基石——和声学与曲式分析的精深领域。 本书的编写旨在搭建一座坚实的桥梁，连接起初级的音符认知与高级的音乐创作实践。内容规划紧密围绕功能和声的深入发展、复调织体的精妙构建，以及大型音乐作品的结构蓝图展开，力求通过系统的理论阐述与丰富的实例剖析，使读者彻底掌握西方音乐逻辑的内在规律。 第一部分：功能和声的深度探究（Advanced Functional Harmony） 本部分是全书的核心，它超越了对三和弦及基本七和弦的简单识别，深入挖掘了浪漫主义晚期乃至二十世纪初和声语言的复杂性与表现力。 第一章：导向与色彩——延伸和弦的革命 本章详尽解析了九和弦、十一和弦、十三和弦的构成原理、功能转换及其在特定音乐语境下的色彩作用。重点探讨了挂留和弦（Sus Chords）的非功能性倾向，以及如何运用这些延伸音来制造张力与和声的渐变效果。我们分析了德彪西和拉威尔作品中，和弦如何脱离传统功能束缚，成为纯粹的音色构成要素。 第二章：调性边缘的探索——半音和声的逻辑 我们将深入剖析半音化和弦（Chromatic Harmony）的系统化运用。这包括对变音和弦（Altered Chords）的细致分类——例如，如何系统地利用属九和弦上的升降五音（b5/♯5）和升降九音（♭9/♯9）来强化导向性，以及如何通过借用和弦（Borrowed Chords）在保持调性中心稳定的前提下引入色彩对比。特别关注了瓦格纳和勃拉姆斯作品中，半音进行如何模糊调性边界，营造出富有戏剧性的情感氛围。 第三章：离调与转调的艺术 本章着重于复杂的调性转换技巧。我们不仅讲解了常见的经过终止式转调（Chromatic Mediant Relationship），更系统梳理了同音程转调（Enharmonic Modulation）的多种实现路径，包括如何利用弗里吉亚或变化主和弦作为过渡桥梁，实现快速、大胆的色彩转移。此外，对于等音程转调（如全音阶、五度圈的非线性跳跃）在后浪漫主义音乐中的应用，进行了详尽的案例分析。 第四章：不协和音的解决与独立 本章探讨了传统功能和声对不协和音的处理规则，并着重研究了不协和音如何被解放为独立的音乐元素。内容涵盖连续的非和弦音（Passing Tones, Neighbor Tones）的复调处理，以及如何运用增六和弦（Augmented Sixth Chords，意大利式、德国式、法国式）进行强烈的导向性推进。本节还将初步介绍十二音体系的早期萌芽，展示和声语言如何走向更加平权的结构。 第二部分：复调织体与对位法的精研（Counterpoint and Polyphonic Textures） 本部分是理解巴赫音乐乃至整个对位音乐传统的基石。内容侧重于结构思维和声部间的独立运动逻辑。 第五章：严格对位法的结构原理 本章以巴赫的《对位法艺术》为蓝本，详细解析了两声部、三声部的严格对位——包括各种音级关系（协和、不协和）在不同拍位上的处理。重点阐述了如何保持声部线条的流畅性（Fortspinnung），同时遵守严格的平行五八度禁律及其例外情况。 第六章：赋格的构建与展开 赋格作为复调音乐的巅峰形式，其结构逻辑在此处得到透彻的解析。内容涵盖： 主题（Subject）与应答（Answer）的精确区分与处理（移位应答、移调应答）。 间奏（Episodes）的创作原理——如何利用主题材料的片段进行模进和转调。 呈示部的扩展与中段的展开，以及再现部的复杂技巧，如双重赋格、三重赋格的声部交织策略。 分析了巴赫《平均律钢琴曲集》中的经典范例，展示了“无伴奏”状态下，如何通过声部运动来构建完整的和声背景。 第七章：织体分析与配器思维 本章将理论应用于对织体的感知。分析了主调织体（Homophony）、复调织体（Polyphony）和单音音乐（Monophony）之间的相互转化。探讨了在管弦乐和室内乐作品中，作曲家如何通过增减声部数量、改变声部密度（如密置与宽置）来控制音乐的力度和层次感，从而实现复杂的情感表达。 第三部分：音乐作品的宏观结构（Form and Analysis） 本部分将和声与复调知识应用于对大型音乐作品的分析，旨在揭示作品的内在组织逻辑和布局策略。 第八章：奏鸣曲式：结构与戏剧性 奏鸣曲式被视为古典主义音乐的骨架。本章对其进行精细的解构： 呈示部（Exposition）：主题的引入、对比性材料的呈现，以及关键的副主题区转调的逻辑。 发展部（Development）：如何利用和声的模糊性、半音进行以及主题材料的碎片化处理来制造紧张感。 再现部（Recapitulation）：结构上的回归与和声上的“解决”——副主题区如何保持在主调上得到重述，从而完成调性上的统一。 我们还将比较奏鸣曲快板、慢板乐章和回旋曲式（Rondo Form）在结构上的异同点，特别是回旋曲中“A”段的稳定性与“B”段的对比性处理。 第九章：变奏曲与组曲的结构哲学 本章探讨了变奏曲的内在统一性：从纯粹的和声变奏（如帕萨卡里亚、恰空）到自由的旋律与节奏变奏。同时，解析了组曲（Suite）中不同舞曲（如萨拉班德、吉格、加沃特）在节奏、速度和调性上的固定特征，以及它们如何共同服务于一个整体的审美情趣。 第十章：交响曲与协奏曲的宏观布局 最后，本章将前述所有理论知识融会贯通，对古典主义和浪漫主义的宏大体裁进行分析。重点在于理解多乐章结构的平衡：如第一乐章的奏鸣曲式、第二乐章的抒情性、第三乐章的舞曲性（小步舞曲/谐谑曲），以及终曲的总结性力量。协奏曲中华彩乐段（Cadenza）的定位、结构与即兴性的界限也被详细讨论。 总结 本书提供的是一套深入的理论工具箱，其目标是培养读者从“听众”向“分析者”和“创造者”的转变。通过对和声色彩的精确把握和对宏大结构的清晰认知，学习者将能更深刻地理解和演奏音乐作品，并为自身创作奠定坚实的理论基础。

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这套教材的排版真是让人眼前一亮，不同于我之前接触过的那些老旧、密密麻麻的乐理书。插图和示例的运用恰到好处，既能清晰地展示复杂的概念，又不会让人觉得冗长乏味。尤其是对于那些抽象的理论点，作者似乎总能找到最直观的图示来辅助理解，这对于初学者来说简直是福音。我记得有一次我在学习一个特别绕的对位法时，被其他书搞得一头雾水，但翻到这本教材的相应章节，看到那个清晰的线条图和节奏对比，瞬间就茅塞顿开了。他们似乎非常注重“看得懂”比“写得全”更重要。而且，纸张的质量也值得称赞，墨色清晰，翻页顺滑，即便是经常翻阅做笔记，也不会有太大的磨损感，这对于我们这种需要反复研读的工具书来说，是非常人性化的设计。总而言之，这是一本在视觉体验上做足了功课的教材，让人愿意拿起并沉浸其中，而不是仅仅把它当作一本应付考试的工具。

评分☆☆☆☆☆

这本书在内容编排上体现出一种非常务实的态度，它似乎深知学习乐理的终极目标是更好地进行音乐实践，而不是单纯的知识堆砌。它没有花大量篇幅去探讨那些过于偏门的、在日常演奏或创作中几乎用不到的理论分支，而是将核心的、高频使用的知识点打磨得极为精湛和透彻。我特别欣赏它在视唱练耳部分的处理方式，它没有简单地罗列音程和和弦，而是设计了一系列循序渐进的听觉训练小品，这些小品听起来更像是真正的音乐片段，而不是枯燥的音符组合。这使得我在练习时，感觉自己不是在“练耳朵”，而是在“听音乐”，这种体验上的差异，极大地激发了我继续下去的动力。很多其他教材的听力练习听起来就像机器发出的噪音，而这本则保留了音乐的“人味儿”。

评分☆☆☆☆☆

这本书的语言风格非常严谨，但又带着一种温暖的引导性，这在严肃的专业教材中是难得的平衡。作者在阐述复杂的术语时，措辞精准，用词考究，完全符合学术规范，没有丝毫的含糊不清。然而，在关键的转折点，你又能感觉到一股鼓励和鼓励。比如，在某些挑战性较大的练习前，作者会用寥寥数语来稳定读者的情绪，暗示这需要时间投入，但最终的回报是值得的。这让我感觉自己不是在和一个冰冷的知识库对话，而是在与一位经验丰富的导师交流。这种亦师亦友的笔调，对于那些容易在学习过程中产生自我怀疑的读者来说，提供了宝贵的精神支撑。它尊重了学习者的努力，而不是简单地展示标准答案。

评分☆☆☆☆☆

作为一名已经摸索了几年音乐学习的爱好者，我最看重教材的逻辑连贯性和知识迁移能力，而这套书在这方面做得相当出色。很多教材的章节之间像是一块块孤立的知识点，学了后面忘了前面，需要不断地翻回去查找关联。但在这本书里，每一个新的概念似乎都是前一个概念自然而然的延伸和深化。比如，它在讲解特定调式时，会巧妙地将之前学过的和声进行和节奏型知识点穿插进去，形成一个完整的知识网络。这种编排方式，让我的大脑在接收新信息时，可以立刻找到既有的“锚点”，极大地减轻了记忆负担。它教会的不仅仅是“是什么”，更是“为什么会这样”以及“它如何与我已知的知识关联”，这种深层的理解，才是真正的学习。

评分☆☆☆☆☆

我必须提到这本书在“实用性”上的极致追求。很多教材把理论和实践割裂开来，让你学了一堆和弦功能后，面对真正的五线谱依然手足无措。但这本书似乎从一开始就预设了你是一个需要马上应用这些知识的学习者。它所选择的练习曲目和听力范例，风格极其多样，从巴洛克到浪漫主义，甚至还有一些当代音乐的影子，确保了学习者接触到的音乐语汇是丰富且有活力的。更重要的是，它没有回避那些在实际演奏中经常遇到的“模糊地带”——比如那些“看起来不对但听起来却很美”的和声处理。它会用理论去解释这种“不规则”的美感，而不是简单地将其归类为“例外”。这使得学习的知识框架非常坚固，能够应对真实音乐世界的复杂性。