中国音乐史臧一冰武汉大学出版社艺术考研正版教材9787307035249 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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臧一冰 著

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• 中国音乐史
• 臧一冰
• 武汉大学出版社
• 艺术考研
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• 音乐史
• 高等教育
• 艺术类
• 考研
• 9787307035249

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出版社： 武汉大学出版社

ISBN：9787307035249

商品编码：29684811842

页数：279

图书基本信息
书名：	中国音乐史
丛书名：	音乐素质教育丛书
作者/主编：	臧一冰
出版社：	武汉大学出版社
ISBN号：	9787307035249
出版年份：	2011年

版次：	第1版
总页数：	279页
开本：	1/16
图书定价：	13.00元
实际重量：	340g
新旧程度：	正版全新

由臧一冰编写的《中国音乐史(第3版)》以“乐和、天地、人和”的哲学理念贯穿首尾，梳理了中国音乐的发展历史。共分七章，介绍了各个历史时期主要的音乐流派和音乐作品，并将音乐的发展纳入了中国传统文化发展的整体格局中，是一本脉络清晰，叙述流畅，史料充实的好教材。本书内容生动而丰富，是认识、理解音乐的桥梁和重要的人文背景。 

 第*章 音乐的起源及远古的音乐遗产一、音乐的起源二、远古的音乐遗产（一）中国概说（二）神话与传说中的音乐（三）音乐文物的实证 第二章 先秦的音乐一、概述一、夏、商的音乐（一）《大夏》乐舞（二）夏代的侈乐（三）商代的巫乐和淫乐（四）夏商乐器遗存三、西周的音乐（一）礼乐的光辉（二）中国音乐教育的滥觞四、春秋战国的音乐（一）礼崩乐坏（二）郑卫之音（三）《诗经》：千古的诗与歌（四）楚辞与楚乐（五）民间音乐家与宫廷音乐家（六）早的说唱《成相篇》（七）先秦的乐器（八）乐律学（九）先秦诸子的音乐思想（十）中国古代音乐理论的奠基作——《乐记》 第三章 秦、汉、三国、两晋、南北朝音乐一、概述二、秦、汉的音乐（一）乐府（二）鼓吹（三）相和歌与相和大曲（四）古琴音乐（五）道教音乐（六）百戏（七）乐器（八）乐律（九）记谱法（十）音乐思想（十一）音乐文献三、三国、两晋、南北朝音乐（一）交流与融合（二）佛教音乐（三）音韵学与音乐（四）文人音乐（五）清商乐（六）歌舞戏（七）乐器与乐律 第四章 隋、唐、五代的音乐一、概述……第五章 辽、宋、金、元的音乐第六章 明、清的音乐第七章 中华民国时期的音乐主要参考文献后记 

  《中国音乐史（第3版）》采取图文并茂、按时间顺序的方式，介绍了中国古代音乐史和中国近代音乐史。其主要特色表现在以下几个方面：一、思想性。《中国音乐史（第3版）》将音乐历史置于一种大文化的历史关照语境之中来叙述，有对人类命运的反思，有对艺术的社会功能的反省……特别是每章后的思考题，均能给读者有益的启迪，帮助他们从相关音乐史料中了解和思考更加广阔的精神领域。二、实用性。《中国音乐史（第3版）》内容详略得当，文字深入浅出，表述言简意赅，且为进一步学习者提供了的相关文献。三、准确性。《中国音乐史（第3版）》严格尊重历史文献，并在使用中不断完善，现已出到第三版，受到了业内的一致肯定。《中国音乐史（第3版）》适合作为：一、大中专院校音乐的理论课教材；二、大中专院校非音乐进行音乐素质教育的公选课教材；三、社会大众了解中国音乐文化历史的读物。 

音乐的千年回响：西方古典音乐的宏伟画卷 内容简介 本书旨在为读者描绘一幅波澜壮阔的西方古典音乐发展史。我们将穿越时空，从古希腊的理性思想到中世纪的宗教回响，再到巴洛克时期的繁复华丽，古典主义的典雅和谐，浪漫主义的激情澎湃，直至二十世纪以来的多元探索。这不是一本枯燥的年代编年史，而是一次深入音乐灵魂的探索之旅，旨在帮助读者理解不同时代背景如何塑造了音乐的语言，以及伟大的作曲家们如何以音符构建了人类情感的至高殿堂。 第一部分：根基与黎明——古代、中世纪与早期复调 (约公元前 500 年 – 1450 年) 西方音乐的源头可以追溯到古希腊的哲学思辨。我们将首先探讨毕达哥拉斯对音程数学关系的发现，以及柏拉图、亚里士多德对音乐伦理与“和谐”概念的论述。希腊的“乐统”（Doctrine of Ethos）思想如何影响了后世对音乐情感效力的认知，是本部分探讨的重点。 进入中世纪，基督教的兴起彻底改变了音乐的形态和功能。格里高利圣咏（Gregorian Chant）作为最纯粹的单音音乐形式，是如何在修道院中被规范化和记录下来的？我们将详细解析其旋律特征、调式结构以及在宗教仪式中的核心地位。随后，我们将见证人类音乐史上的一次革命性突破——复调的诞生。从早期的奥尔加农（Organum）到巴黎圣母院乐派（Notre Dame School）如列奥宁和佩罗坦的精妙创作，声部间的独立与交织如何开启了音乐表达的无限可能？我们也将关注世俗音乐的发展，如游吟诗人的歌曲及其对民间音乐的贡献。 第二部分：光辉与结构——文艺复兴与巴洛克 (约 1450 年 – 1750 年) 文艺复兴时期，“人本主义”的回归使音乐摆脱了完全依附于宗教的地位。约瑟夫·德斯普雷斯（Josquin des Prez）和帕莱斯特里纳（Palestrina）的无伴奏合唱（A Cappella）作品，展示了对“模仿对位”（Imitative Counterpoint）的精湛掌握，以及在复杂织体中保持的清晰度和情感的克制之美。此时，音乐中的文字与旋律的关系变得更加紧密。 然而，真正将音乐推向新的高度的是巴洛克时代。这是一个充满戏剧性、装饰性与情感强度的时期。我们将深入剖析“巴洛克风格”的核心特征：持续低音（Basso Continuo）的结构作用，对比手法的运用，以及“情感理论”（Affektenlehre）对音乐表情的指导。 这一部分的焦点自然是三位巨匠：亨德里·普赛尔（Henry Purcell）、乔治·弗里德里克·亨德尔（George Frideric Handel）与约翰·塞巴斯蒂安·巴赫（Johann Sebastian Bach）。我们将分析歌剧的起源与发展（如蒙特威尔第的早期作品），协奏曲的成熟（维瓦尔第的贡献），以及赋格（Fugue）这一结构形式在巴赫手中的登峰造极。巴赫的《平均律键盘曲集》和《马太受难曲》，不仅是技术上的奇迹，更是对人类精神深度的一次终极表达。 第三部分：秩序与情感的平衡——古典主义 (约 1750 年 – 1820 年) 启蒙运动的理性之光照亮了音乐领域，催生了古典主义风格。相较于巴洛克的复杂与炫技，这一时期的核心追求是清晰的结构、平衡的比例和自然的情感流露。奏鸣曲式（Sonata Form）成为交响曲、奏鸣曲和弦乐四重奏的骨架，其呈示部、展开部和再现部的逻辑推进，体现了那个时代对秩序的崇尚。 维也纳古典乐派的三位代表人物——海顿（Haydn）、莫扎特（Mozart）和贝多芬（Beethoven）——是这段历史的绝对中心。海顿被称为“交响曲之父”，他的作品规范了乐队编制和曲式结构。莫扎特的音乐则以其无与伦比的旋律天赋和完美无瑕的清晰度著称。 贝多芬的出现标志着古典主义向浪漫主义过渡的转折点。他的中期作品（如第三、五、九交响曲）开始打破既有结构的桎梏，将个人意志和英雄主义的哲学思考融入到音乐之中，预示着一个更强调主观情感的时代即将到来。 第四部分：心灵的史诗——浪漫主义的激情与探索 (约 1820 年 – 1900 年) 浪漫主义是对古典主义理性秩序的反叛，它颂扬个性、想象力、自然、神秘主义以及强烈的个体情感体验。音乐的界限被无限拓宽： 抒情性旋律与小型作品的兴盛： 舒伯特（Schubert）的艺术歌曲（Lied）将诗歌与音乐完美融合，肖邦（Chopin）的钢琴独奏曲（如夜曲、叙事曲）开创了高度个人化的音乐语言。 管弦乐队的巨大扩张： 柏辽兹（Berlioz）的《幻想交响曲》引入了“主导动机”（Idée fixe）来描绘叙事线索，瓦格纳（Wagner）的“主导动机”系统和“不导性旋律”（Endless Melody）则彻底改变了歌剧的面貌。 民族主义的兴起： 斯美塔那、德沃夏克、柴可夫斯基等作曲家，开始从本民族的民间音乐和历史传说中汲取灵感，形成了各具特色的国家风格。 晚期浪漫主义的宏大与终结： 马勒（Mahler）和理查·施特劳斯（R. Strauss）的交响诗和交响曲，将乐队的规模推向极致，和声语言也达到了前所未有的复杂程度，为进入二十世纪的现代主义埋下了伏笔。 第五部分：分裂与重构——二十世纪至今 二十世纪的音乐史是一部关于“如何打破传统”的历史。工业化、两次世界大战以及心理学的发展，彻底动摇了西方对“和谐”、“美”和“进步”的传统信念。 我们将详细考察几条主要的革新路径： 1. 印象主义与象征主义： 德彪西（Debussy）和拉威尔（Ravel）如何运用色彩般的音响、全音阶和五声音阶，捕捉瞬间的光影和氛围。 2. 表现主义与十二音体系： 勋伯格（Schoenberg）对调性系统的彻底抛弃，建立的无调性音乐和后来的十二音序列技法（Serialism），旨在表达人类内心深处的焦虑与不安。贝尔格（Berg）和韦伯恩（Webern）如何继承和发展了这一技法。 3. 新古典主义： 斯特拉文斯基（Stravinsky）在“俄土”时期的原始狂暴（如《春之祭》）之后，转向对古典时期结构和清晰度的回归，寻求一种新的平衡。 4. 实验与前卫： 战后，音乐的探索进一步深入，包括电子音乐的诞生、空间音乐（如瓦雷泽）的尝试，以及布列兹（Boulez）和斯托克豪森（Stockhausen）对整体序列化（Total Serialism）的探索。 5. 后现代的多元并存： 极简主义（Minimalism，如赖希、菲利普·格拉斯）对重复与细微变化的迷恋；以及对非西方音乐元素的吸收和对传统风格的重新审视。 本书力求通过对这些重要时期、核心人物及其代表作品的深入剖析，帮助学习者构建起一个清晰、立体、富有历史逻辑的西方古典音乐知识体系，理解音乐如何成为人类文明变迁最诚实的记录者。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我本来对艺术理论类的书籍通常抱持着敬而远之的态度，总觉得里面充满了晦涩的术语和玄而又玄的哲学思辨。然而，这本关于音乐美学与批评的书，彻底颠覆了我的认知。作者的文笔极其流畅，像是在与一位老友探讨艺术的真谛，而不是在进行冰冷的学术论证。他巧妙地将西方音乐哲学流派与中国传统美学思想进行对比和融合，探讨了“意境”、“气韵生动”在西方结构主义音乐分析中的投射与对应。我特别欣赏作者在处理现代音乐的章节时，那种既不盲目崇拜前卫，也不固步自封于传统的平衡态度。他用极具启发性的提问引导读者去思考：究竟是什么让一段音乐具有“打动人心”的力量？这本书的价值不仅仅在于提供了知识，更在于它激活了读者内在的审美感知力，让人在听音乐时，不再只是被动接受，而是开始主动地去“看见”和“触摸”声音背后的结构与情感。读完后，我感觉自己的耳朵都被“重新训练”了一遍。

评分☆☆☆☆☆

这本乐理入门书简直是为音乐初学者量身定做的宝典！我刚开始接触音乐理论时，那些复杂的术语和枯燥的公式简直让我望而却步，感觉自己像在迷宫里打转。但这本书的编排方式非常巧妙，它不像传统的教材那样堆砌概念，而是用一种非常生动、贴近生活的例子来解释每一个理论点。比如，讲到和声进行时，作者会用我们熟悉的流行歌曲片段来举例，让我一下子就能理解“为什么这段旋律听起来舒服”背后的原理。最让我惊喜的是，书里配有大量的乐谱实例，而且这些例子都不是那些高高在上、遥不可及的古典大部头，而是很多耳熟能详的小品或者练习曲，这样我就能很快上手尝试和感受理论的实际应用。对于那些想自学乐理，但又苦于找不到好引路人的朋友来说，这本书绝对是能让你少走弯路的利器。它就像一位耐心又博学的老师，在你身后轻轻推着你前进，让你在不知不觉中就把那些“高深”的乐理知识吸收殆尽，真的非常推荐！

评分☆☆☆☆☆

这本书简直是考研党的一剂强心针！我是在备考专业课时偶然接触到的，发现它在知识点的覆盖面上做到了极大的“兼容并蓄”。它不像是那种只聚焦于某一特定领域的专著，而是像一本精心编纂的“知识地图”，把各个历史时期、不同乐种的重点、难点都清晰地标注了出来。最棒的是，它在梳理完知识体系后，并没有止步于此，而是针对一些历年来高频出现的论述题点，提供了非常细致的答题框架和要点梳理，这对于时间紧张的考生来说简直是雪中送炭。我不是说这本书可以直接让你拿到满分，但它能极大地提高你知识整合和答题效率的能力。我个人是把书里的目录结构作为我的知识框架，然后对照其他参考资料进行深度挖掘的。那种“一切尽在掌握”的感觉，是很多零散资料无法给予的，对于系统性复习来说，它的指导性作用是毋庸置疑的。

评分☆☆☆☆☆

我是一个非科班出身的音乐爱好者，一直想深入了解中国音乐的“根脉”所在，但市面上那些教材要么太偏向于声乐器乐的技法，要么就是过于偏重古代典籍的解读，让我难以找到一个平衡点。这本书的出现，恰好填补了这个空白。它从音乐的社会功能、仪式背景入手，慢慢过渡到具体的曲式结构和记谱法的演变，逻辑性极强。尤其是在讲解古代宫廷雅乐向民间燕乐过渡的社会背景时，作者没有将此视为简单的“衰落”，而是将其视为一次充满活力的“在地化”和“平民化”的创新过程，这种辩证的视角非常令人耳目一新。它让我明白，音乐史不是一串孤立的事件列表，而是与社会生活、政治变迁紧密交织的有机体。对于想真正理解“中国音乐精神”的非专业人士来说，这本书的叙事角度既保持了学术的严谨，又拥有了极高的可读性，读起来酣畅淋漓，学到了太多书本以外的智慧。

评分☆☆☆☆☆

我最近在研究民族音乐的流变和地域差异，手边正好翻到了这本关于音乐史的著作。这本书的视角非常独特，它没有仅仅停留在宏观的朝代更迭和几位大音乐家的生平介绍上，而是深入挖掘了不同历史时期、不同社会阶层对音乐生产和接受的影响。作者的考据功夫令人叹服，很多地方引用了大量的出土文物记载、民间歌谣记录甚至是地方志中的只言片语来佐证自己的观点，使得整个音乐史的图景变得异常立体和鲜活。尤其是在论述宋代市民音乐兴起那一章节，作者详细描述了“瓦肆勾栏”的运作模式，以及这些场所如何催生了新的音乐体裁和表演形式，让我对那个时代的“活的音乐”有了更直观的认识。对于那些对传统音乐史框架感到厌倦，渴望看到更细致、更具人文关怀的音乐社会学探讨的人来说，这本书无疑提供了一个极佳的学术对话平台。它的深度和广度，绝对不是那种走马观花的普及读物可以比拟的。