中国近现代音乐史第3次修订版汪毓和人民音乐出版社艺术考研9787103034477 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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汪毓和 著

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• 音乐史
• 中国近现代音乐
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• 汪毓和
• 人民音乐出版社
• 9787103034477
• 高等教育
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• 音乐理论

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出版社： 人民音乐出版社

ISBN：9787103034477

商品编码：29684828080

页数：372

 

图书基本信息
书名：	中国近现代音乐史（第三次修订版）
丛书名：	人民音乐出版社
作者/主编：	汪毓和
出版社：	人民音乐出版社
ISBN号：	9787103034477
出版年份：	2009年6月

版次：	第4版
总页数：	372页
开本：	1/16
图书定价：	69.00元
实际重量：	612 g
新旧程度：	正版全新

《中国近现代音乐史(修订版)》由人民音乐出版社出版。

引言第*章 鸦片战争后中国传统音乐的新发展第*节 新民歌、城市小调和民歌改编曲的发展第二节 说唱音乐的新发展第三节 戏曲音乐的新发展第四节 民族器乐的新发展 第二章 西洋音乐文化的传入及中国新音乐的萌芽第*节 中国基督教早期的音乐活动和新军乐、新军歌的发展第二节 学堂乐歌的产生、发展及主要代表人物 第三章 中国近代新音乐文化的初期建设第*节 工农歌咏活动和工农歌曲第二节 新型音乐社团的建立及城市音乐活动第三节 学校音乐教育的建设和发展第四节 新型的歌曲创作及萧友梅、赵元任、黎锦晖、刘天华 第四章 “救亡抗日”时期的中国新音乐第*节 20世纪30年代城市音乐生活概貌第二节 根据地的音乐第三节 音乐教育事业的建设和发展第四节 黄自等音乐家及其创作第五节 “左翼”音乐运动及聂耳、吕骥等人的音乐创作 第五章 抗日民族统一战线影晌下的中国新音乐第*节 新形势下的抗日音乐运动及其创作第二节 贺绿汀及其音乐创作第三节 冼星海及其音乐创作 第六章 20世纪40年代“沦陷区”和“国统区”的中国音乐第*节 “沦陷区”的音乐第二节 “国统区”的音乐生活和音乐建设第三节 “国统区”的音乐创作第四节 江文也、马思聪、谭小麟等人的音乐创作第五节 长期居留中国的外籍音乐家及其音乐活动 第七章 20世纪40年代“边区”和“解放区”的音乐第*节 “边区”和“解放区”的音乐生活概述第二节 “边区”和“解放区”的音乐创作第三节 新秧歌运动、秧歌剧及新歌剧的发展 第八章 民主时期的音乐思想和理论研究第*节 各阶段的音乐思想批评概述第二节 民主时期音乐理论研究和王光祈、青主、杨荫浏等结语附录乐例目录索引音响目录

《中国近现代音乐史（第3次修订版）》在前版的基础上做了修订，对原来的“引言”及第*、第二章基本保持原来的思路和观点，只做了些细节的修正；对第三章至第七章的内容做了必要的调整，尤其对一些代表性作曲家的评述做了必要的、新的阐述，也提出了一些跟其他同志不同的看法以供进一步讨论；新加了主要论述音乐思想及理论研究对原来“二次修订版”的谱例做了全面的调整，即：保留了一些原有的、去掉了一些很常见的、增加了一些原来只提供参考曲目而没有抄谱的等等；增加了“第二次修订版”所缺的“图例”和“乐例”；增加了有关我国近代传统音乐的“乐例”，特别是以往一些艺人演唱的实际音响，尽管几乎都是取自老唱片转录的、音响质量不理想，但终究是当时的历史音响，比现在找年轻人唱的要更能体现当时的历史。该书自出版后一直被列为各音乐院校的教材或必读参考书。 

 

弦音流转：二十世纪初西方音乐的变革与探索 本书聚焦于二十世纪初至二战爆发前，西方音乐领域所经历的一场深刻的、全方位的结构性变革与艺术探索。彼时，欧洲古典音乐传统遭遇了前所未有的危机与挑战，作曲家们以前所未有的勇气和创造力，冲破了既有的调性束缚，开启了音乐表达的新纪元。 第一部分：调性的黄昏与新时代的曙光 一、浪漫主义的终章与瓦格纳的遗产 本卷首先追溯了十九世纪末期浪漫主义晚期音乐的饱和状态，特别是理查德·瓦格纳（Richard Wagner）对和声语言的极限拓展，如何将传统功能和声推向了崩溃的边缘。我们深入剖析了李斯特（Franz Liszt）晚期作品中表现出的主观性与象征主义倾向，以及德彪西（Claude Debussy）如何以“印象主义”的笔触，模糊了调性的边界，将音乐引入色彩与氛围的王国。 二、德彪西与法兰西的色彩革命 重点研究了德彪西对东方音阶、五声音阶以及全音阶的运用，阐释了其音乐如何摆脱德奥传统的叙事性，转而追求瞬间的听觉体验和光影变幻。分析了《牧神午后前奏曲》和《夜曲》中，和声不再是推动旋律前进的驱动力，而是自我完满的实体。同时，探讨了拉威尔（Maurice Ravel）在继承法国传统的同时，如何以更为精致、古典的形式，吸收印象派的手法，创作出兼具精确结构与炫目光彩的作品。 三、从晚期浪漫到无调性：荀伯格的“自白” 本部分的核心是阿诺德·荀伯格（Arnold Schoenberg）的革命性转向。通过对《希望之歌》（Gurre-Lieder）等作品的分析，展示了其如何耗尽了晚期调性的表现力。随后，深入解析了无调性音乐的诞生背景及其哲学基础——表现主义的“内在必然性”。我们审视了《月迷徘徊》（Pierrot Lunaire）等作品中，对人内心深处焦虑、恐惧和非理性情感的极端捕捉，以及“自由无调性”阶段的特征。 第二部分：两次世界大战间的审美冲突与流派纷呈 一、斯特拉文斯基的风格炼金术 伊戈尔·斯特拉文斯基（Igor Stravinsky）被视为二十世纪音乐的“变色龙”。本章详细梳理了其创作生涯的几次重大转折：从《火鸟》的异域情调，到《彼得鲁什卡》和《春之祭》中原始的节奏冲击与多调性实践。重点分析了《春之祭》如何通过尖锐的对位法、不规则的重音和强烈的节奏动机，彻底颠覆了听众对“美”的传统认知，并引发了著名的巴黎首演骚乱。随后，探讨其在二战前后转向新古典主义（Neoclassicism）的动因，以及如何用巴赫式的清晰结构来约束自由化的材料。 二、序列主义的诞生与严密逻辑的建构 本部分详述了“第二维也纳乐派”的内部发展，重点在于荀伯格对十二音体系（Dodecaphony）的正式确立。解析了十二音作曲法的基本规则——音高的序列化组织，以及它如何试图在失去传统调性引力场之后，为音乐结构提供新的、内在的逻辑秩序。同时，对比分析了阿尔班·贝尔格（Alban Berg）和安东·韦伯恩（Anton Webern）对该体系的不同理解：贝尔格的温和过渡与情感张力（如歌剧《沃采克》），以及韦伯恩对序列技术绝对纯化和极简的追求。 三、新古典主义的回归与民族乐派的演进 分析了各国作曲家在面对德奥核心主义的挑战时所采取的不同策略。在新古典主义阵营中，探讨了保罗·欣德米特（Paul Hindemith）的“实用音乐”（Gebrauchsmusik）理念，以及其对新巴洛克对位法的复兴。在民族乐派方面，聚焦于东欧和北欧的作曲家，如巴托克·贝拉（Béla Bartók）在匈牙利民间音乐收集与分析基础上，建立起具有独特音调色彩和节奏逻辑的现代音乐语言，以及西贝柳斯（Jean Sibelius）晚期作品中，对纯净音响与素材提炼的探索。 第三部分：音乐、政治与媒介的交织 一、美国音乐的觉醒与异域影响 本章转向大西洋彼岸，探讨了二十世纪初美国作曲家如何开始构建本土的音乐身份。研究了查尔斯·艾夫斯（Charles Ives）的先驱性工作，他将新英格兰的民间歌曲、教堂音乐与尖端的无调性、多声部同时性理论相结合，预示了未来音乐的复杂性。同时，关注早期爵士乐和蓝调对欧洲现代音乐思维的间接影响，以及科普兰（Aaron Copland）早期作品中对斯克里亚宾和德彪西的吸收。 二、极端观念的边缘探索 探讨了在主流音乐界之外，那些挑战听觉极限的先锋尝试。例如，对“噪音”的接受与运用，对传统乐器发音方式的拓展，以及对时间结构进行解构的实验。这些探索为二战后音乐思潮的激进化埋下了伏笔。 三、从宫廷到剧院：音乐赞助体制的变迁 考察了社会结构变化对音乐创作和传播的影响。随着旧贵族阶层的衰落，音乐赞助转向了国家剧院、音乐节和新兴的商业媒体。这种变化如何影响了作曲家对作品的题材选择、规模控制以及对公众品味的考量，成为理解这一时期作品功能转变的关键视角。 全书旨在提供一个清晰的脉络，展示二十世纪初的音乐家们如何在旧秩序的废墟之上，以极度的智性与情感投入，完成了从浪漫主义的感性泛滥到现代主义的结构重建的艰难跨越。这是一部关于挣脱、实验与重构的声音史诗。

评分☆☆☆☆☆

初翻此书，我立刻感受到了一种扑面而来的学术气息，那种严谨的论证风格和扎实的史料支撑感是藏不住的。不同于那种仅停留在事件罗列的流水账叙事，这本书似乎致力于挖掘音乐现象背后的深层逻辑和文化根源。我期待它能提供更具洞察力的分析，比如在特定历史时期，音乐的“民族性”与“世界性”是如何进行艰难的对话与融合的。这种探讨超越了简单的音乐史记录，而是触及了文化身份认同的核心议题。对于想要深入理解中国音乐是如何在吸收外来养分的同时，又不失自我特性的复杂过程的读者而言，这本书无疑是提供了一个深度剖析的平台。它的价值就在于，它不满足于告诉你“发生了什么”，更引导你去思考“为什么会这样发生”。

评分☆☆☆☆☆

这本书的厚度本身就说明了其内容的丰富程度，拿在手里沉甸甸的，让人感到充实。我注意到，它的编排似乎非常注重历史的连贯性，试图构建一条清晰的时间轴，让读者能够顺畅地追踪音乐思潮的演变轨迹，避免了知识点的碎片化。这种宏观视野的构建，对于初次系统接触中国近现代音乐史的学习者至关重要，它提供了一个坚实的骨架，以便日后填充更具体的细节。这种结构性的优势，使得复杂的历史脉络变得更容易被理解和记忆。它仿佛一位经验老到的向导，不仅指明了道路，还标出了沿途重要的里程碑，确保学习者不会在浩瀚的历史长河中迷失方向。

评分☆☆☆☆☆

这本书的字体和版式设计简直是教科书级别的典范，让人长时间阅读也不会感到视觉疲劳。行距和字号的拿捏恰到好处，即使在涉及大量专有名词或外文引文时，排版依然清晰明了，没有丝毫的拥挤感。这对于需要反复查阅和做笔记的备考者来说，简直是福音。我特别欣赏它在关键概念或人物介绍时所采用的留白处理，这种“呼吸感”让复杂的理论在视觉上得到了有效的缓冲。相比于一些为了追求信息密度而牺牲阅读体验的出版物，这本显然更注重读者的实际使用感受。这种对细节的执着，往往是衡量一部严肃学术著作质量的重要指标之一，它体现了出版方对知识传播的尊重，也预示着内容本身的深度和准确性值得信赖。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计确实很考究，封面采用了沉稳的深色调，搭配烫金的字体，透露出一种历史的厚重感。当我第一次拿到它时，那种纸张的质感就给我留下了深刻的印象，翻页时沙沙作响，让人心生敬意。虽然我还没有完全深入研读内容，但仅仅是目录的排布和章节的划分，就展现了作者在梳理中国近现代音乐发展脉络上的匠心。它显然不是那种走马观花的普及读物，而是针对有一定基础的学习者或研究者精心构建的知识体系。我注意到它在某些关键历史节点的处理上似乎格外细致，比如不同流派的兴起与交织，以及它们如何受到时代思潮的深刻影响。这种严谨的结构，让我有理由相信，一旦沉浸其中，定能对中国音乐近百年来的风云变幻有一个宏观而又不失细节的把握。对于需要系统性知识支撑的读者来说，这种精心打磨的出版物无疑是宝贵的财富，它提供的不仅仅是信息，更是一种研究的框架和视角。

评分☆☆☆☆☆

我个人非常看重一部学术著作的可靠性，而这本的出版方和修订历史本身就构筑了一种信誉。多次修订的版本，意味着它经历过时间的检验和学界的反馈，内容必然是经过了反复推敲和修正的，这对于学习和研究来说是极大的保障。这意味着其中引用的史料和得出的结论，在很大程度上是经过了学界公认的严苛标准筛选的。这种经过时间淬炼的知识，远比那些仓促问世的资料要可靠得多。对于备考者而言，这意味着他们可以将精力更多地放在理解和吸收上，而不是耗费在辨别资料真伪的泥沼中。这种历经打磨的权威性，是其最核心的价值所在。