中外音乐简史及名作赏析上海音乐出版社9787552303247 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

中国教育学会，音乐教育专业委员会，田明俊 著

图书标签:

• 音乐史
• 音乐赏析
• 西方音乐
• 中国音乐
• 音乐作品
• 上海音乐出版社
• 音乐普及
• 音乐教育
• 艺术类
• 音乐

店铺： 佳期如梦图书专营店

出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787552303247

商品编码：29684842240

出版时间：2013-10-31

页数：226

图书基本信息
书名：	中外音乐简史及名作赏析
丛书名：	普通高等教育“十一五”规划教材全国高等院校教师教育音乐教材
出版社：	上海音乐出版社 上海文艺音像出版社
ISBN号：	9787552303247
出版年份：	2013年11月

版次：	第1版
总页数：	226页
开本：	1/16
图书定价：	58.00 元
实际重量：	680g
新旧程度：	正版全新

 《中外音乐简史及名作赏析(附光盘全国高等院校教师教育音乐教材)》由田明俊主编，本书为全国高等院校教师教育音乐教材编写委员会编写。本教材为高等院校公共必修课教材，是依据国家教委2003年颁发的《三年制小学教育课程方案》 原则所撰写的。此次修订添加了音像，并对图书做了部分修订。

编写说明 

上编中国部分 
单元中国古代音乐文化与名作赏析 
一、中国古代音乐文化概述 
（一）远古、夏商时期音乐 
（二）西周、春秋、战国时期音乐 
（三）秦汉至南北朝时期音乐 
（四）隋唐时期音乐 
（五）宋元时期音乐 
（六）明清时期音乐 
二、名作赏析 
（一）歌曲类 
1.《胡笳十八拍》（古代歌曲） 
2.《阳关三叠》（古代歌曲） 
3.《扬州慢》（古代歌曲） 
（二）器乐类 

普通高等教育'十一五' 规划教材·全国高等院校教师教育音乐教材:中外音乐简史及名作赏析》由田明俊主编，《普通高等教育'十一五' 规划教材·全国高等院校教师教育音乐教材:中外音乐简史及名作赏析》为全国高等院校教师教育音乐教材编写委员会编写。为高等院校公共必修课教材，根据基础教育的实际需要与各地音乐教育发展不平衡的实际情况，教材内容在突出基础性、实用性和灵活性的基础上，提供可供选择、延伸和发展的空间，注重教师职业技能训练和职业能力的培养，加强知识与技能的有机结合，加强实践性，使学生通过有效的音乐实践发展其创造力。

好的，以下是一份关于其他音乐主题图书的详细简介，内容涵盖了古典、民族、现代音乐理论与实践等多个方面，但不包含您提供的特定书籍《中外音乐简史及名作赏析（上海音乐出版社 9787552303247）》中的任何内容。 --- 探寻旋律的殿堂：西方管弦乐的黄金时代与德奥浪漫主义的辉煌 第一部分：交响的史诗——从巴洛克晚期到维也纳古典乐派的奠基 本书深入剖析了西方音乐史上一个至关重要的转型期——从巴洛克晚期向古典乐派的过渡，重点聚焦于交响乐这一体裁的成熟与定型。我们首先追溯了协奏曲与赋格曲的精湛技艺如何为后来的宏大结构铺平道路。 一、巴赫与亨德尔的遗产：结构与和声的深度挖掘 尽管巴赫的对位法是理解后期音乐的基石，但本书将重点放在其晚期作品中蕴含的清晰结构如何被下一代作曲家所“解放”和简化，以适应新兴的市民阶层对更直接情感表达的需求。特别分析了《赋格的艺术》对后世曲式分析的启发。 二、前古典时期的实验：从洛可可到“早期交响曲” 本部分详细考察了巴赫之子——卡尔·菲利普·伊曼纽尔·巴赫和约翰·克里斯蒂安·巴赫在柏林和伦敦的音乐活动。他们对“情感的风格”（Empfindsamer Stil）的探索，以及其对奏鸣曲式结构的初步实验，是如何打破巴洛克时期严格的结构束缚，引入更具戏剧性的“快-慢-快”三乐章结构。对曼海姆乐派在管弦乐配器和“强弱渐变”（Crescendo）技法上的革命性贡献进行了细致的文献梳理与实例分析。 三、维也纳古典乐派的巅峰：海顿、莫扎特与贝多芬的革新 此部分是全书的核心之一。我们不仅将海顿视为“交响曲之父”，更着重分析了他在确立奏鸣曲式（呈示部、展开部、再现部）的规范化过程中的关键作用，尤其体现在他的“伦敦交响曲”中。 莫扎特的贡献则被置于“旋律的完美”与“内在的戏剧性”两个维度进行考察。通过对《朱庇特》交响曲末乐章的复杂赋格性终曲的深入解析，揭示了古典主义的平衡感是如何在精妙的对位与清晰的和声进行中得以体现的。 而贝多芬的地位被定格为“浪漫主义的先驱”。本书侧重分析他如何通过打破既有乐章长度限制、拓展和声的张力以及引入明确的文学或哲学主题（如《英雄》、《命运》）来重塑交响曲的社会功能和表现力范畴，彻底将交响乐提升至精神哲学的载体。 --- 第二部分：德奥浪漫主义的群星璀璨——情感的极致与民族精神的投射 本章节聚焦于19世纪上半叶，德意志和奥地利地区作曲家如何将音乐语言推向表达个人情感与民族精神的极限。 一、舒伯特与舒曼：歌曲艺术与室内乐的复兴 我们探讨了舒伯特对德语艺术歌曲（Lied）的革命性贡献。他的创新不仅在于钢琴伴奏对歌词意境的烘托，更在于其旋律的“口语化”与“民间性”。通过对《冬之旅》等套曲的深入赏析，展现了“未完成”的音乐美学。 随后，对舒曼的分析将侧重于他如何通过“音乐会散文”的形式，在室内乐和钢琴独奏作品中，投射出其内心的双重人格（弗罗列斯丹与欧塞比乌斯），以及他对文学隐喻的偏爱如何影响了其作品的结构处理。 二、柏辽兹与李斯特的“标题音乐”探索（侧重法国影响） 虽然两位作曲家主要在法国发展，但他们的思想深刻影响了德奥后来的标题交响诗。本部分着重分析柏辽兹《幻想交响曲》中“主导动机”（Idée fixe）的运用，及其在音乐叙事上的大胆尝试。同时，对李斯特的交响诗如何利用“主题转换”（Thematic Transformation）技巧，将单一主题发展为史诗般叙事，进行了详细的技术拆解。 三、勃拉姆斯：古典形式中的浪漫灵魂 勃拉姆斯的音乐被视为对贝多芬传统的继承与发展。本书的核心观点是，勃拉姆斯通过对对位法的精妙运用和对传统曲式的忠诚，在看似“古典”的外壳下，注入了深刻的、内敛的浪漫主义情感张力。对他四部交响曲中密集对位、复杂节奏和厚重配器的分析，旨在揭示其“反对瓦格纳式”的音乐哲学。 --- 第三部分：晚期浪漫主义的巨像——瓦格纳、马勒与理查·施特劳斯 本部分探讨了19世纪末至20世纪初，音乐家们如何将浪漫主义推向其逻辑上的终点，并引发了音乐语言的深刻危机。 一、瓦格纳与“总体艺术作品”：乐剧的结构与和声的极限 对瓦格纳的研究集中于其对歌剧的颠覆，特别是“主导动机体系”的成熟应用——如何使音乐不再是歌词的附属，而是成为叙事和心理描绘的主体。本书将详细分析《特里斯坦与伊索尔德》中“三和弦”的悬置性，以及其如何将调性体系推向崩溃的边缘，预示了二十世纪和声的解放。 二、马勒：交响曲的“百科全书”与存在主义的困境 马勒的九部交响曲被视为传统交响曲的最后一次宏大宣言。本章着重分析其作品中“异质性”的并置——对民间小调、军乐、荒诞的诙谐曲与宏伟的崇高主题的并置手法，如何反映了末世情怀与人类精神的挣扎。对其配器（庞大的管弦乐队、人声的介入）的分析，揭示了其音乐的“视觉化”倾向。 三、理查·施特劳斯：从交响诗到对传统的反思 最后，我们考察了理查·施特劳斯在单乐章管弦乐作品（如《查拉图斯特拉如是说》、《英雄生涯》）中对李斯特传统的继承，以及他如何运用极其炫技的管弦乐描绘技法来展现个人主义的英雄叙事。同时，也简要回顾了他在歌剧领域的成就，特别是对“施特劳斯式和声”的精细分析。 --- 本书的特色与方法论： 本书的分析方法结合了扎实的音乐史脉络梳理、严谨的曲式结构分析（侧重于奏鸣曲式和三部曲式的演变），以及对具体作品的深入聆听导引。全书旨在帮助读者建立起对德奥音乐体系的立体认知，理解技术革新如何服务于情感表达的深化，并最终认识到这一时期音乐是如何构建了西方音乐的“经典核心”。阅读本书，读者将能够跨越语言障碍，直接进入作曲家们复杂而深邃的内心世界。

评分☆☆☆☆☆

这本书的叙事逻辑简直是教科书级别的流畅。作者显然对音乐史的脉络有着极其深刻的理解，他没有采用简单的时间线性罗列，而是巧妙地将不同地域、不同时期的音乐思潮交织在一起，形成了一张宏大而又细致的音乐发展网络。读起来完全不像是在啃一本厚重的历史著作，更像是在听一位资深音乐评论家娓娓道来，充满了洞察力和启发性。特别是对某些关键转折点的分析，比如巴洛克到古典主义的过渡，作者的切入点非常新颖，能够一下子抓住问题的核心，让读者茅塞顿开。这种高超的叙事技巧，使得即便是对音乐理论不太熟悉的门外汉，也能轻松跟上作者的思路，领略到音乐历史的波澜壮阔。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计简直太棒了，拿到手里就能感受到出版社的用心。纸张的质感非常舒服，印刷清晰，即便是那些早期的乐谱插图也还原得相当到位。我尤其欣赏它在版式上的处理，疏密有致，阅读起来丝毫没有压迫感，让人可以完全沉浸在音乐的世界里。封面设计古典又不失现代感，色彩搭配沉稳大气，放在书架上绝对是一道亮丽的风景线。不过，要说遗憾，或许是对于一些特别珍稀的乐谱手稿图片的收录还不够丰富，如果能增加一些高清扫描件，对于研究者来说就更有价值了。整体来看，这本书不仅是一本知识的载体，更是一件值得收藏的艺术品，从触感到视觉，都带来了极佳的阅读体验，看得出装帧团队在细节上是下了真功夫的。

评分☆☆☆☆☆

我发现这本书最令人称道的一点，在于它对“名作赏析”部分的深度挖掘。很多音乐史书在讲到具体作品时，往往止步于对结构和和声的简单描述，但这本书则不然。作者似乎是带着一位老朋友的心态去和这些不朽的作品对话，他不仅仅分析了作品诞生的时代背景，更深入探讨了作曲家当时的心境、技术上的创新，甚至是如何影响了后世的音乐审美取向。比如，对某部协奏曲的分析，他能精准地指出某一个和弦进行如何巧妙地烘托了特定的情感张力，这种细致入微的解读，极大地提升了普通听众的鉴赏层次。读完后，再去听那些老唱片，耳朵里的世界仿佛瞬间被点亮了，充满了新的发现和感动。

评分☆☆☆☆☆

如果要用一个词来概括这本书给我的感受，那就是“立体感”。它没有将中外音乐史割裂开来，而是非常巧妙地构建了一个全球化的音乐对话场域。读者可以清晰地看到，某位欧洲作曲家的创新是如何被东方乐理体系所启发，反过来，亚洲的民族音乐元素又是如何潜移默化地影响了西方的创作手法。这种跨文化的视角，极大地拓宽了我的音乐视野，让我意识到音乐的演进从来都不是孤立的，而是全球人类文明交流互鉴的成果。这种宏大叙事下隐藏着的细微联系的梳理，是这本书最闪光的亮点，它促使我重新审视自己过去对世界音乐版图的认知。

评分☆☆☆☆☆

这本书的学术严谨性毋庸置疑，但最难能可贵的是它在保持专业度的同时，并没有沦为故纸堆里的干巴巴的学术论文集。作者的文字功底非常扎实，遣词造句考究而又不失灵动，即便是面对复杂的音乐术语，也能用一种非常接地气、充满画面感的方式进行阐释。这种“雅俗共赏”的平衡把握得恰到好处，使得它既能满足专业人士查阅资料的需求，也能成为普通音乐爱好者案头常备的良师益友。这种能够跨越专业壁垒的写作能力，在同类书籍中是相当罕见的，充分体现了作者深厚的文化底蕴和卓越的文字驾驭能力。