西方声乐艺术史管谨义人民音乐出版社正版教材考研大书9787103030196 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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管谨义 著

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出版社： 人民音乐出版社

ISBN：9787103030196

商品编码：29684842653

页数：359

图书基本信息
书名：	西方声乐艺术史
丛书名：	声乐艺术教育丛书
出版社：	人民音乐出版社
ISBN号：	9787103030196
出版年份：	2005年8月

版次：	第1版
总页数：	359页
开本：	1/32
图书定价：	元
实际重量：	340 g
新旧程度：	正版全新

管谨义，1965年毕业于天津音乐学院声乐系。现为天津音乐学院声乐系教授、硕士研究生导师。亦为中国音乐家协会会员、中国教育学会声乐学术委员会委员。

　　所教声乐学生多次在全国和省级歌唱比赛中获奖，多人在欧洲歌剧院中献艺。专著有《中国古代歌曲概论》、《欧洲音乐家评传》、《读谱歌唱艺术》，以及声乐教材《中国古代歌曲·戏曲曲艺唱腔选》等。1999年8月获香港科学院荣誉评选委员会授予的“20世纪成功人士”荣誉称号和“千年之交荣誉勋章”。

 

 前言

章 声乐的早期历史(即“单音音乐时期”（自古代至13世纪)
一、歌唱的起源和人类早期的发声功能
二、古希腊和古罗马时期的声乐艺术
三、中世纪早期的宗教歌唱
1.世界上所歌唱学校
一、概况
1.严肃歌剧时代
2.歌唱的“黄金时代”
2.《格里高利圣咏》——早的声乐教本
3.圣咏演唱的发展和的圣咏歌唱家
4.圣咏歌唱的历史意义
四、中世纪的世俗演唱
1.流浪艺人
2.吟游歌手
3.恋诗歌手
4.名歌手
五、歌唱审美观和声乐教学见解
1.中世纪时期的歌唱审美观
2.中世纪时期的声乐教学见解
第二章 复调音乐时期的声乐艺术(13—16世纪)
一、复调音乐概况
二、童声和假声歌手
三、女声的出现和本时期的歌唱家
四、声部的划分和男低音的出现
五、装饰性与叙述性歌唱
六、本时期的声乐理论
1.焦塞弗·扎里诺的《和声原理》
2.扎科尼的《实用音乐》
第三章 歌剧和美声歌唱的诞生
一、意大利文艺复兴概况
二、意大利歌剧的诞生
三、美声歌唱的诞生
1.美声歌唱的诞生
2.美声歌唱的含义
3.美声歌唱在历史上的争议
四、卡奇尼
五、美声歌唱早期的声乐教学
六、本时期的歌唱家
第四章 17、18世纪的歌唱艺术
第五章 19世纪的声乐艺术
第六章 20世纪声乐概况和印象
主要参考书目
后记

《声乐教学文库》是《声乐艺术教育丛书》的系列之一。“文库”的出版是全面提高音乐水平，适应声乐教学、创作、表演、鉴赏的需要。长期以来，我们的声乐理论建设远远不能适应声乐艺术发展的要求，缺乏较高层次的理论建设成果。广泛的声乐文化领域：创作、表演、传播、出版、鉴赏、教学、研究等得不到实践的深入总结与概括，理论的落后状态，既阻滞了实践的发展与导向，又失去了理论本身应有的学术职责与价值。“文库”的出版，作为声乐各学科的系列理论，无疑将改变这种局面，以便为新世纪的声乐文化的全面发展，发挥它的理论力量。

　　其次，“文库”的出版，也是弘扬民族文化，探索建立中国民族声乐理论体系的需要。

 

世界音乐文化之旅：从古代文明到现代思潮的恢弘乐章 本书旨在为读者构建一幅跨越数千年、横跨欧亚大陆的宏大音乐文化图景。我们不侧重于特定区域或流派的深度挖掘，而是致力于展现不同历史时期、不同地理环境中，音乐作为人类精神载体所扮演的关键角色及其演变脉络。 本书将音乐视为一种动态的社会建构，探讨其如何与哲学、宗教、政治和技术进步相互作用，塑造人类的感知与表达方式。全书结构围绕音乐历史的关键转折点展开，而非单一艺术形式的编年史。 第一部分：根源与奠基——远古的回响与文明的序曲（约300字） 本部分聚焦于音乐的史前起源及其在早期人类社会中的功能性作用。我们将探讨声音、节奏与集体仪式之间的原始联系，例如狩猎、劳作和祭祀活动中对音乐的需求。 随后，我们将考察四大文明摇篮——美索不达米亚、古埃及、印度河流域和古代中国——的音乐实践。重点分析楔形文字记载中关于乐器（如里拉琴、竖琴）的描述，以及祭司阶层对音乐规范的初步确立。我们会对比古希腊“乐学”（Musike）概念的形成，阐释毕达哥拉斯学派如何将音乐与宇宙秩序、数学理性相结合，为后世西方音乐理论奠定基础。这部分着重于音乐如何从纯粹的感性体验上升为一种可被结构化、可被哲思的对象。 第二部分：中世纪的圣咏与世俗之声的萌芽（约350字） 中世纪是西方音乐发展中至关重要的一环。本部分将深入探讨罗马天主教会如何系统化地统一礼拜仪式音乐，详细分析格里高利圣咏的文本、调式特征及其传播机制。我们将考察墨谱（Notation）技术的突破性进展，从纽姆记谱法到五线谱的早期雏形，如何使得复杂的旋律得以准确记录和再现，从而实现音乐的标准化和跨地域传播。 与此同时，我们不会忽略世俗音乐的平行发展。在游吟诗人和中世纪吟游诗人的领域中，骑士精神、爱情叙事和政治讽刺如何被谱写成曲。我们将对比学院派的宗教音乐与民间即兴表演的生命力，分析两者在技法和功能上的张力与融合。此外，拜占庭音乐的独特调式体系及其对东欧音乐发展的影响也将被简要提及，以拓宽读者的地域视野。 第三部分：文艺复兴的“人本”觉醒与复调的繁荣（约350字） 文艺复兴运动将关注点从神转向人，这对音乐的创作产生了革命性的影响。本章细致剖析了从佛兰德学派到罗马画派的复调技术演变，特别关注如帕莱斯特里那等大师如何驾驭复杂的对位法，同时兼顾文本的可理解性与情感的清晰表达。 我们将探讨印刷术对音乐传播的颠覆性影响，以及乐谱（特别是早期声乐套曲）如何进入更广阔的市民阶层。同时，本部分会关注文艺复兴晚期，音乐开始尝试模仿戏剧冲突和情感的深度描绘，为巴洛克歌剧的诞生埋下伏笔。对早期键盘乐器（如维吉纳琴）和鲁特琴的音乐风格也将进行考察，展示器乐在独立地位上取得的显著成就。 第四部分：巴洛克的光影与古典的秩序之美（约400字） 巴洛克时期是音乐语言戏剧化和情感强化的阶段。本章详细阐述了“巴洛克音乐的激情理论”（Doctrine of Affections）如何指导作曲家运用对比、装饰和固定织体（如通奏低音）来表达强烈且单一的情感状态。我们将解析协奏曲、赋格曲、清唱剧和歌剧等主要体裁的成熟过程，并对比意大利、德国和法国在这一时期风格上的显著差异。 随后，我们将过渡到对古典主义时期的审视。古典时期强调平衡、清晰和结构逻辑。本部分重点分析奏鸣曲式的形成及其在交响曲、室内乐和钢琴独奏曲中的主导地位。海顿、莫扎特和贝多芬（早期及中期）如何通过精妙的动机发展和结构对称性，将音乐的理性维度推向高峰。我们将讨论维也纳宫廷赞助体系的衰落与公共音乐会的兴起，这直接改变了音乐的消费模式和作曲家的创作动机。 第五部分：浪漫主义的激情、民族的色彩与现代的解构（约350字） 浪漫主义时期，音乐成为表达个人内心世界、自由意志和超越性追求的主要媒介。本章分析了“崇高美学”如何促使音乐家探索前所未有的和声广度、节奏复杂性和配器规模。从舒伯特的艺术歌曲到瓦格纳的“总体艺术作品”（Gesamtkunstwerk），再到李斯特的交响诗，音乐如何被用来讲述宏大的叙事，并与文学、绘画进行深度融合。 同时，本部分将探讨19世纪民族乐派的兴起，分析捷克、俄罗斯、北欧等地的作曲家如何从民间音乐、神话传说中汲取灵感，构建具有独特地域身份的音乐语言，对抗德奥音乐的强势主导。 最后，本章将简要触及19世纪末至20世纪初的深刻变革：德彪西对印象主义声响的探索，以及勋伯格对传统调性的系统性瓦解。我们将分析这些“现代思潮”对音乐本体论的冲击，为读者理解20世纪音乐的多元发展奠定基础。 全书旨在提供一个广阔的视角，帮助学习者理解音乐历史的内在逻辑、地域间的互动以及技术进步对艺术表达的塑造力。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧和纸张质量给我留下了非常深刻的印象，拿到手里沉甸甸的感觉，就知道这是一部用心制作的学术著作。封面设计简约而不失庄重，青灰色的底色配上典雅的字体，很符合音乐史书籍的气质。内页的纸张选择了略带米白的哑光纸，长时间阅读下来眼睛不容易疲劳，而且印刷的清晰度极高，无论是文字排版还是其中的乐谱示例，都处理得非常精细。要知道，在研究历史和理论时，细节的准确性至关重要，这套教材在这方面做得非常出色。我尤其欣赏出版社在细节上对读者的关怀，比如页边距的留白恰到好处，方便我在阅读时随时做批注和标记重点，这对于考研复习来说简直是福音。而且，书籍的开本选择也很合理，既保证了内容信息量的完整呈现，又方便日常携带和翻阅，不像有些大部头书那样笨重得让人望而却步。这种对物理形态的重视，无疑提升了阅读体验，也反映了出版方对学术研究的尊重。我期待着在接下来的学习中，这本书能成为我最信赖的伙伴。

评分☆☆☆☆☆

作为一本严肃的考研参考书，这本书的学术严谨性体现在其引证和资料的全面性上。作者在阐述每一个理论观点或历史事件时，似乎都进行了地毯式的文献检索和交叉验证，使得书中的每一个论断都站得住脚。特别值得称赞的是，书中对一些关键历史文献的引用和注释做得非常详尽，这为想要进一步深究的读者提供了坚实的学术梯子。我注意到它在介绍一些争议性较大的历史观点时，并没有采取一言堂的方式，而是公正地呈现了学界不同的声音，并清晰地标明了主流倾向，这种开放和审慎的态度，极大地拓宽了我的学术视野。这不仅仅是一本“告诉你答案”的书，更是一本“教你如何思考和研究”的工具书。对于目标是攻读高阶学位的学生来说，这种对知识源头的追溯和批判性思维的引导，比单纯的知识点堆砌要宝贵得多。

评分☆☆☆☆☆

这本书的语言风格老辣而富有文采，读起来完全没有传统学术著作那种令人昏昏欲睡的枯燥感。作者的文字功底非常扎实，行文流畅，常常用一些恰到好处的比喻和文学性的描述，将抽象的音乐理论具象化，让复杂的概念变得易于理解和记忆。例如，在描述美声唱法的技术流变时，他没有使用生硬的术语清单，而是描绘出不同时期演唱家们对气息控制和音色塑造的追求差异，使人仿佛能“听”到声音的变化。这种将理论与艺术审美巧妙结合的叙事方式，让学习过程变成了一种享受，而不是负担。我发现自己不仅是在积累知识点，更是在培养一种深层次的鉴赏能力，这种能力是死记硬背无法获得的。可以说，这本书成功地在严肃性与可读性之间找到了一个绝佳的平衡点。

评分☆☆☆☆☆

从整体的教学体系构建来看，这本书的编排思路体现了极高的教育智慧。它显然是为系统的、长期的学习过程设计的，知识点的铺陈遵循了由浅入深、由局部到整体的原则。它没有急于在开头就抛出所有宏大的理论框架，而是从最基础的声乐起源和早期发展开始，稳扎稳打地建立起对西方声乐艺术的整体认知。每一个章节的结尾，似乎都留有余韵，为下一阶段的内容做了完美的铺垫，形成了强大的内在驱动力，促使读者不断地探索下去。我感觉这本书不仅仅是知识的载体，更像是一个精心设计的课程大纲，它引导你一步步建立起一个完整、科学的知识体系，而不是零散的碎片信息。对于需要全面掌握该领域知识结构的考研学子而言，这种系统性和前瞻性的结构设计，是其最大的价值所在，确保了学习的深度和广度都能得到充分保障。

评分☆☆☆☆☆

内容深度上，这本书的论述逻辑严密得像一座精心构建的巴洛克式建筑，层次分明，过渡自然，让人不得不佩服作者深厚的学术功底和宏大的视野。它并非简单地罗列年代和人名，而是将西方声乐艺术的发展脉络，置于其特定的历史、社会和哲学背景之下进行剖析。比如，它对早期宗教音乐向世俗音乐转变过程中的审美变迁，探讨得尤为透彻，不仅仅停留在技术层面的变化，更深入挖掘了背后的文化驱动力。我发现它在处理不同历史时期风格差异时，总能精准地捕捉到那些微妙的、难以言喻的“神韵”——比如从文艺复兴的复调织体到巴洛克时期通奏低音的支撑，再到古典主义时期清晰的旋律线条，每一个转折点都被作者梳理得脉络清晰，避免了教科书常见的僵硬和干瘪。阅读过程中，我仿佛跟随一位学识渊博的向导，穿梭于历史长河，领略了不同时代声乐家们如何用声音表达那个时代最深沉的情感和最前沿的思潮。