广板为交响乐队而作徐孟东上海音乐学院出版社全新教材9787806924792 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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徐孟东 著

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• 广板
• 交响乐队
• 徐孟东
• 上海音乐学院出版社
• 教材
• 音乐理论
• 音乐教学
• 9787806924792
• 乐谱
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店铺： 佳期如梦图书专营店

出版社： 上海音乐学院出版社

ISBN：9787806924792

商品编码：29859842300

页数：34

图书基本信息
书名：	广板：为交响乐队而作
丛书名：
作者/主编：	徐孟东
出版社：	上海音乐学院出版社
ISBN号：	9787806924792
出版年份：	2010年9月

版次：	第1 版
总页数：	34页
开本：	16
图书定价：	22元
实际重量：	322g
新旧程度：	正版全新

徐孟东 作曲家，作曲与作曲技术理论博士。现任上海音乐学院常务副院长、作曲系教授、博士生导师。中国音乐家协会理事，中国音乐家协会音乐教育委员会副主任，上海音乐家协会副主席，全国复调音乐学会会长。
创作发表有管弦乐、室内乐作品三十多部。这些作品在日本、韩国、德国等国举行的音乐节，以及“上海之春音乐节”、“北京现代音乐节”等各种重要音乐活动中演出；曾获得全国第十四届音乐作品评奖一等奖等国内外各种重要比赛奖项；还曾获全国教学成果二等奖、上海市教学成果一等奖、文化部区永熙音乐教育奖等。享受政府特殊津贴；为上海领军人才。
撰写出版《20世纪帕萨卡里亚研究》等专著和学术论文三十余篇共计近百万字。曾应邀出访十余个国家及中国、香港地区进行文化学术交流。
曾应中国国家文化部之聘多次担任全国音乐作品(包括交响乐、歌剧、音乐剧、民乐及舞蹈音乐等 )比赛评委；以及一些现代音乐节作品比赛评委。

《广板——为交响乐队而作》是作曲家徐孟东担任音乐总监创作的“多媒体京剧音乐剧场《白娘子》”(上海市重大文艺创作项目，已成功演出多场；同时已入SHOU*选上海世博会主会场中心剧场演出剧目)之《序曲》的音乐会演出版。 作品根据京剧音调的核心动机发展创作而成，其音高组织、节奏组织、曲式结构、纵向结构、横向衍展、音色音响和管弦乐配器，均具有浓郁的中国风格和作曲家独特色彩。作品气韵生动，气息宽广，优美抒情；特别是其中京胡、中国大鼓与交响乐队的音色对置、呼应、交织，赋予作品丰富的音响色彩。

交响之魂：管弦乐配器与织体探索 内容简介 本书深入剖析了交响乐队的构成、功能以及不同乐器组之间的相互作用，旨在为音乐学习者、作曲家和指挥家提供一套全面而系统的管弦乐配器与织体构建的理论与实践指南。全书以严谨的学术态度和丰富的案例分析，带领读者领略交响音乐的宏伟画卷。 第一章：交响乐队的基石——乐器学基础 本章详尽介绍了交响乐队的四大核心声部：弦乐组、木管组、铜管组和打击乐组的构造、音域特点、音色潜力及演奏技法。 弦乐组的深度解析： 小提琴（I、II）、中提琴、大提琴和低音提琴不仅是乐队的骨架，更是情感表达的主体。本章探讨了弓法（如分弓、连弓、击弦、揉弦的细微差别）如何塑造不同的音乐表情；拨弦（Pizzicato）的种类及其在织体中的功能性应用。对高把位演奏的限制与可能，以及不同弦乐器之间音色融合的技巧进行了细致的讲解。 木管组的色彩调色板： 从长笛、双簧管、单簧管到巴松管，每种乐器都有其独特的“个性”。我们研究了它们在不同八度的音色变化，特别是双簧管的穿透力、单簧管的圆润中音区以及巴松管在低音区的支撑作用。同时，对双簧乐器（如双簧管与英国管的对比）和单簧管族群（小C调、降B调、中音单簧管）的音色互补性进行了深入的比较分析。 铜管组的力量与辉煌： 探讨了圆号、小号、长号和低音大号在交响织体中的动态平衡。重点分析了圆号的弱奏如何与木管完美融合，以及小号和长号在强奏时如何构建乐队的高潮。对弱音器（Mutes）的使用及其对音色产生的决定性影响，是本章的理论亮点。 打击乐组的节奏与戏剧性： 打击乐不再仅仅是节奏的标记。本章分类讨论了有固定音高的打击乐器（如定音鼓、马林巴、木琴）的功能，以及无固定音高乐器（如大鼓、铙钹、军鼓）在营造戏剧冲突和色彩烘托中的作用。 第二章：织体的构建与布局：配器的核心原则 本章聚焦于如何将独立的乐器组合成一个有机的整体——交响织体。 音域的有效利用与重叠管理： 阐述了如何避免乐器间的频率冲突，实现清晰的层次感。通过图示分析，展示了不同声部在特定音域内的最佳“工作范围”。探讨了“空间感”的营造——如何利用高低音区的分布来扩展听觉空间。 对位与和声的配器体现： 深入研究了巴赫复调精神在交响配器中的体现。分析了如何通过不同的乐器组合来突出对位线条的独立性，例如使用尖锐的木管对位低沉的弦乐。同时，解析了厚重和声在乐队中的承载方式，避免“泥泞”的音响效果。 层次感的动态控制： 讲解了如何通过不同声部的音量分配（而非单纯的力度标记）来建立清晰的前景、中景和背景。例如，使用拨弦的低音弦乐作为背景“脉动”，支撑前景的独奏木管。 乐器组间的对话与转换： 研究了交响乐中常见的“交替”和“应答”技巧，即如何平稳地将一个旋律从弦乐组过渡到木管组，或在铜管与打击乐之间进行快速的节奏呼应，以保持音乐的连贯性和张力。 第三章：管弦乐的特殊技法与音色实验 本章超越了基础配器法，探索了十九世纪末至二十世纪现代管弦乐中对音色极限的探索。 弦乐的非常规演奏法： 详细介绍了“颤音”与“自由揉弦”的差异，分析了“巴托克拨弦”（Bartók Pizzicato）的冲击力。还探讨了使用替音（如小提琴高把位模仿短笛的音色）的艺术价值。 木管乐器的扩展表现力： 涉及气声（Air Sounds）、唇颤音（Flutter-tonguing）在不同木管上的实现难度与效果。分析了乐器间的技术性“嫁接”，例如短笛的极端高音与长笛中音区的平滑过渡。 铜管的边缘效果： 深入分析了“超吹”（Overblowing）现象在圆号和小号上的应用，以及如何利用弱音器制造出非传统的、带有噪音成分的音色，以服务于现代作品的戏剧性需求。 打击乐与电子媒介的融合（理论探讨）： 简要介绍了传统打击乐器如何与采样技术和电子音效进行概念上的呼应，为未来配器法的发展提供理论基础。 第四章：结构与情感的载体——配器实例分析 本章选取了不同时期、不同风格的管弦乐作品作为案例，进行“逆向工程”式的剖析。 古典主义配器的清晰度： 以莫扎特或海顿的交响曲为例，分析其配器如何服务于结构上的对称性和清晰的旋律线条。重点考察其如何利用木管组进行固定和声支持。 浪漫主义的音色洪流： 深入分析了德彪西、拉威尔或马勒的管弦乐配器手法。探讨了如何使用大量的中提琴、低音单簧管或低音大号来支撑厚重的和声“云团”，以及如何通过色彩化的乐器组合来描绘具象的画面（如“水”、“雾”）。 二十世纪的“去中心化”配器： 分析了斯特拉文斯基和勋伯格等作曲家如何打破传统声部固定的观念，将旋律碎片分散到不同的乐器组中，实现配器的“点描化”。 本书旨在为读者提供一个坚实的理论框架，使他们不仅能“知道”如何为乐队配器，更能“理解”为什么在特定的音乐语境下，某种配器法是无可替代的选择。它强调了配器艺术的核心在于服务于音乐的思想与情感表达，而非单纯的乐器知识堆砌。

评分☆☆☆☆☆

我不得不说，这本教材在视觉呈现上给我留下了深刻的印象，它兼具了学术的严谨性和艺术的审美性。字体选择、留白处理以及乐谱示例的清晰度都达到了出版行业的顶尖水准。很多音乐教材的谱例都因为排版粗糙而难以阅读，但这本书在这方面几乎是零瑕疵。更重要的是，作者在讨论技术问题时，所选用的那些不同历史时期的乐队编制范例，非常具有参考价值。它不仅仅局限于浪漫主义后期的大型乐队，还穿插了巴洛克和古典时期乐队的配置对比，这对于理解管弦乐法如何随着时代演进而发展的脉络至关重要。翻阅这本书的过程，本身就是一种享受，它让学习变得不那么枯燥，反而充满了一种探索和发现的乐趣，让我愿意花更长的时间沉浸其中，反复研读那些精妙的细节。

评分☆☆☆☆☆

从一个音乐教育者的角度来看，这本书在教材的系统性和循序渐进性上做得非常到位。它的结构设计充分考虑了学习曲线，从最基础的乐队结构认知，到复杂的乐队管理和排练技巧，逻辑层层递进，毫无跳跃感。特别值得称赞的是，书中涉及到的排练策略部分，非常贴近现实。作者没有避讳排练中经常遇到的技术瓶颈和人员沟通难题，并提供了一套行之有效的解决方案，这些经验显然是经过多年一线教学和指挥实践沉淀下来的“干货”。例如，关于如何快速解决弦乐组在高速段落的节奏不齐问题，书里提出的那种“小节内部分解训练法”立刻被我应用到了我的学生乐队中，效果立竿见影。这本书的价值远超于理论书籍，它更像是一位经验丰富的前辈，在你身旁默默指导，帮助你避开那些不必要的弯路，使得学习过程既扎实又高效。

评分☆☆☆☆☆

这本书给我的整体感觉是“宏大叙事与微观颗粒的完美结合”。一方面，它构建了一个完整的交响乐队艺术的宏观图景，让初学者对整个乐团的声学特性和角色分工有全局的把握；另一方面，它又深入到最微小的细节处理，比如对长笛颤音的控制、大提琴弓法的细微差别等，都进行了细致的描述。这种由大到小，再由小及大的回溯式学习路径，极大地提升了学习的深度和广度。我尤其欣赏作者在探讨“乐队色彩”时所使用的语言，非常具有画面感，能够一下子抓住读者的想象力，将抽象的听觉概念转化为具体的视觉感受。这本书无疑是为那些致力于走专业指挥道路的学子量身打造的重量级参考书，它的存在，无疑提升了国内相关教材的整体水准，是值得所有音乐工作者珍藏的一部力作。

评分☆☆☆☆☆

我是一名资深的交响乐爱好者，一直对指挥家的思维模式充满了好奇，这本教材在“解读作品意图”这方面做得相当出色。它没有直接给出标准答案，而是提供了一套严谨的分析框架，引导读者去探究作曲家在特定和声进行或配器选择背后的情感驱动力。我尤其喜欢其中关于“时间感”和“流动性”的章节，作者用非常形象的比喻解释了如何将一个静态的乐谱转化为具有生命力的时间艺术。这种处理方式极大地拓宽了我的音乐视野，让我重新审视了那些听过无数遍的曲目。比如，书中对于马勒某些段落中乐器音色交织的处理分析，细腻到几乎可以听到声音的“边缘摩擦”，这种层次的剖析是其他任何一本我读过的教材都未能企及的。它不是一本教你如何“表演”的指南，而是一本教你如何“理解”音乐的钥匙，对于所有想要深入领会古典音乐精髓的人来说，都具有不可替代的价值。

评分☆☆☆☆☆

这本指挥教材真是让我眼前一亮，尤其是对于那些初次接触管弦乐队配器法和乐队编制的学生来说，它简直就是一本宝典。书中对不同声部之间的平衡处理，以及如何通过细微的力度变化来塑造音乐的层次感，讲解得极为深入透彻。我特别欣赏作者在分析经典曲目时所展现出的那种细致入微的洞察力，他不仅仅停留在“如何做”的层面，更探讨了“为什么这样做”的音乐哲学。例如，在讲解如何处理铜管组的爆发力时，他引用了许多历史上的演奏实践作为佐证，让理论不再是空泛的教条，而是有了鲜活的生命力。书中的许多图例和谱例都经过了精心的排版，即便是一些非常复杂的对位段落，也能清晰地展现出织体结构，这对于习惯于视觉化学习的指挥新手来说，无疑是极大的便利。它不像某些教材那样故作高深，而是用一种非常务实的态度，手把手地带着读者走进专业指挥的殿堂，让人感觉每翻开一页，都能感受到专业知识的重量和作者的匠心独运。