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出版社： 北京若愚文化发展有限公司

ISBN：0731A00243

商品编码：29940190126

基本信息

商品名称： 中国历代国宝珍赏-绘画25	出版社： 北京若愚文化发展有限公司	出版时间：2014-09-18
作者：本社	译者：	开本：
定价： 4500.00	页数：0	印次： 1
ISBN号：0731A00243	商品类型：图书	版次： 1

《千载丹青：中国绘画艺术的辉煌脉络》 一、 卷首语：墨韵千年，画意无疆 中国绘画，宛如一条绵延不绝的艺术长河，自远古的岩画萌芽，历经春秋战国的帛画璀璨，唐宋的写实巅峰，元明的文人雅趣，再到清代的集大成与近代的新探索，每一步都凝聚着中华民族的审美智慧、哲学思考与时代精神。它不仅是视觉的盛宴，更是历史的镜鉴，文化的载体，心灵的寄托。《千载丹青：中国绘画艺术的辉煌脉络》系列，旨在带领读者跨越时空的阻隔，深入探索中国绘画的璀璨星河，感受那些被岁月沉淀的丹青国宝所蕴含的无尽魅力。我们不求穷尽所有，但力求精选那些具有里程碑意义的艺术珍品，以最详实的考证、最深入的解读，呈现其背后深邃的历史文化背景、精湛的艺术技法以及画家的人生轨迹与时代印记。 二、 溯源而上：从远古的笔触到王朝的气象 本卷的开篇，我们将目光投向中国绘画的源头。从陕西半坡遗址、甘肃大地湾的彩陶纹饰中，我们能窥见先民们对自然朴素的描绘与神秘的图腾崇拜。那些简洁的线条，充满了生命力的律动，已是中国绘画最早的雏形。 进入青铜时代，虽然绘画作品的实物留存稀少，但通过甲骨文、金文以及出土的青铜器上的纹饰，我们可以想象到彼时充满象征意义与庄严气势的图像。而进入春秋战国时期，随着社会经济的进步和思想文化的繁荣，绘画艺术迎来了第一次重要的发展。湖北随州曾侯乙墓出土的漆器纹饰、湖南长沙马王堆汉墓的帛画，如《T形帛画》等，以其精细的线条、丰富的色彩和瑰丽的想象力，描绘了神话传说、天上人间，展现了早期绘画的浪漫主义色彩和对宇宙的探索。 秦汉时期，统一的帝国带来了文化的整合与发展。画像石、画像砖上粗犷而生动的线条，记录了当时的社会生活、历史故事、神话传说，如汉代的《西王母像》、《伏羲女娲像》等，它们质朴而有力，充满了民间艺术的活力。同时，文献记载表明，肖像画和壁画也已相当成熟，如曹不兴、卫协等画家的出现，标志着绘画技法的进一步精进。 魏晋南北朝是中国历史上一个动荡而又孕育着深刻文化变革的时期。佛教的传入对绘画产生了巨大的影响，壁画艺术得到了空前的发展。敦煌莫高窟的壁画，从早期的零散壁画到后来各个时期的壁画群，以其宏大的场域、丰富的人物形象、精美的色彩和独特的艺术风格，成为研究中国早期佛教艺术和绘画的重要宝库。同时，人物画也走向成熟，顾恺之的《洛神赋图》（传）、《女史箴图》（传）以其“传神写照，善于捕捉人物的灵魂”而著称，提出了“以形写神”的绘画理论，对后世影响深远。 三、 盛唐气象：写实风骨与意境初成 唐代是中国绘画的黄金时代，经济繁荣，文化开放，艺术呈现出多元化、世俗化、写实化的趋势。唐朝的绘画，如同其国家一样，大气磅礴，色彩绚丽，技法精湛。 人物画的巅峰： 阎立本的《步辇图》以其精准的人物造型、细腻的心理刻画和严谨的构图，成为描绘历史事件和人物交往的典范。张萱的《簪花仕女图》则以其细腻的笔触、华美的色彩，生动地再现了唐代宫廷妇女的优闲生活，衣饰的飘逸，神情的妩媚，无不令人惊叹。周昉的《簪花仕女图》延续了张萱的风格，并在对人物肌肤和衣纹处理上更加细腻，色彩的运用也更加大胆。吴道子被誉为“画圣”，他的山水人物画气势恢宏，线条遒劲，被誉为“吴带当风”，对后世产生了巨大影响。虽然其原作多已不存，但其风格对后世石刻、壁画影响深远。 山水画的萌芽与发展： “山水画”一词最早出现在唐代。李思训、李昭道的金碧山水，色彩浓丽，金碧辉煌，描绘出富丽堂皇的山河景象，如李思训的《江帆楼阁图》（传）。而山水画的另一位巨匠——王维，则开创了文人水墨山水画的先河。他的山水画注重意境的营造，追求诗情画意，将文学与绘画融为一体，如《江山霁雪图》（传），其水墨淋漓，意境幽远，展现了中国山水画“可行、可望、可游、可居”的理想境界。 佛教艺术的繁盛： 敦煌莫高窟的唐代壁画更是达到了艺术的顶峰。从初唐到盛唐，壁画题材更加丰富，人物形象更加丰满生动，色彩更加鲜艳夺目。飞天、供养人、佛传故事等，都展现了唐代艺术家高超的绘画技艺和宏大的艺术想象力。 四、 宋元雅韵：写实精微与文人风骨 宋代是中国绘画史上又一个辉煌的时代，尤其在山水画和花鸟画方面取得了极高的成就。宋代的绘画，以其严谨的写实精神、精微的笔触和深邃的意境，展现了士大夫阶层的审美趣味和哲学思考。 山水画的集大成： 北宋的山水画巨匠辈出，范宽的《溪山行旅图》以其雄浑壮阔的山势、逼真的石质肌理和精细的笔法，展现了北方山水的壮丽与严峻。郭熙的《早春图》则以其巧妙的构图、细腻的笔触和丰富的色彩，描绘了春回大地的生机勃勃，其“山水中，景景皆有理，笔笔皆有法”的理论对后世影响深远。李唐的《万壑松风图》则笔力雄健，斧劈皴法独具一格。南宋的山水画则更注重写意与情感的表达，马远的《寒江独钓图》、夏圭的《溪山清远图》等，画面构图多采用“边角”之法，简洁而意境深远，被后人称为“马夏”。 花鸟画的精致： 宋代花鸟画高度写实，黄筌的“黄家富贵”以其色彩艳丽、造型工整著称，而徐熙的“徐熙野逸”则以其水墨淋漓、意趣生动而闻名。宋徽宗赵佶本人也是一位杰出的画家，其《芙蓉锦鸡图》造型准确，色彩华美，笔法精细，展现了他作为皇帝在绘画上的非凡才华。 人物画的写实与世俗化： 张择端的《清明上河图》无疑是宋代人物画的巅峰之作，它以极其写实的笔法，生动地描绘了北宋都城汴京的繁华景象和市井生活，画面人物众多，神态各异，细节丰富，堪称中国古代风俗画的百科全书。 元代，虽然经历了民族政权的更迭，但绘画艺术在继承宋代传统的基础上，又融入了新的文人气息。元代的绘画更加强调“写意”精神，以笔墨的趣味和个人的情感表达为重。 文人画的兴盛： 赵孟頫是元代绘画的代表人物，他提倡“尚古”，复兴晋唐绘画的古意，其山水画既有精湛的笔法，又充满文人雅趣，如《鹊华秋色图》。黄公望的《富春山居图》更是元代山水画的代表作，以其淡墨清雅的笔致，描绘出江南山水的秀美景色，是中国文人画的典范。吴镇、王蒙、倪瓒等“元四家”，各自发展出独特的绘画风格，成为中国绘画史上重要的文人画家群体。 五、 明清雅致与近代转型 明代绘画在继承元代文人画传统的基础上，又形成了浙派、吴门画派等多元化的艺术流派。 浙派的雄浑： 以戴进为代表的浙派，继承了南宋马夏的山水画风，笔墨苍劲，构图大胆，画面气势雄浑。 吴门画派的文雅： 以沈周、文徵明、唐寅、仇英为代表的吴门画派，则更注重笔墨情趣和文人气质，他们的山水画秀丽雅致，人物画工致细腻，花鸟画则充满生机。沈周的《山居图》，文徵明的《兰亭序图》，唐寅的《山路访隐图》，仇英的《金谷图》等，都展现了吴门画派独特的艺术魅力。 晚明时期： 董其昌提出的“南北宗论”，对后世中国画的发展产生了深远影响。他的山水画以其“以书入画”的特点，追求笔墨的趣味和意境的表达。 清代绘画，一方面继承了明代的绘画传统，另一方面也受到西方绘画技法的影响，呈现出集大成与创新的局面。 宫廷绘画与世俗绘画： 清代宫廷绘画继承了明代宫廷绘画的精细工致，如郎世宁等西方传教士画家带来的透视法、明暗法等技法，与中国传统绘画相结合，产生了独特的“中西合璧”风格。同时，扬州八怪等一批风格独特的画家，以其奔放的笔墨、奇特的造型和强烈的个性，打破了传统的束缚，展现了世俗化、个性化的绘画趋势。 海派的兴起： 近代，随着中国社会的变化，上海成为了新的艺术中心，“海派”绘画应运而生。海派画家们吸收了西方绘画的元素，融合了中国传统绘画技法，创作出既有民族特色又具有时代气息的作品，如任伯年、吴昌硕等，他们是中国绘画近代转型的先驱。 六、 结语：传承与展望 《千载丹青：中国绘画艺术的辉煌脉络》系列，通过对不同时期、不同流派的绘画艺术的梳理与解读，旨在让读者深刻理解中国绘画艺术的演变轨迹，领略其博大精深的文化内涵，感受中华民族独特的审美情趣与哲学智慧。从远古的质朴到盛唐的气魄，从宋元的精微到明清的雅致，再到近代的转型与创新，每一幅传世之作，都是一个时代的缩影，一段历史的凝固，一份民族精神的传承。希望本系列能够成为读者走进中国绘画艺术殿堂的一扇窗，激发大家对中华优秀传统文化的兴趣与热爱，并从中获得精神的滋养与启迪。中国绘画艺术的星空璀璨夺目，我们在此只是拾遗补缺，以求抛砖引玉，期待更多有识之士能够深入探索，共同续写中国绘画艺术的新篇章。

评分☆☆☆☆☆

从历史脉络梳理的角度来看，这本书的编排结构非常具有条理性和宏大视野。它并非简单地按照时间顺序排列，而是匠心独运地将不同历史时期的绘画风格进行横向和纵向的对比分析，形成了一张相互关联的艺术网络图。比如，书中会将北宋全景式山水与稍晚的南宋院体画进行并置讲解，同时穿插阐述晋唐时期在人物画领域奠定的基础，使得读者能够清晰地看到“传承”与“革新”是如何在中国绘画史上交替上演的。这种结构安排，极大地帮助理解了艺术风格并非孤立存在，而是处于一个不断对话和演进的动态过程中。对于想要系统性掌握中国绘画史发展脉络的初学者而言，这种体系化的构建无疑是极大的福音，它让原本可能显得晦涩难懂的断代史，变得清晰、连贯且充满内在的逻辑张力。

评分☆☆☆☆☆

阅读体验上，这本书的设计理念似乎非常注重读者的自我探索过程。它并非那种将所有答案直接灌输给你的工具书，而是更倾向于提供一个高清晰度的视觉平台，鼓励读者自己去“看”画，去感受笔墨的呼吸。文字部分虽然专业，但叙述语气平实而不枯燥，像一位经验丰富的老师在耳边低语，恰到好处地引导读者的目光。例如，在分析某位元代文人画家的作品时，书中仅用寥寥数语点出了其“枯润相济”的用墨特点，然后便留出大面积的留白供读者自行比较不同墨色的微妙变化，这种“留白式”的引导，极大地激发了读者的主动思考。我发现自己会不自觉地停下来，对照着图画反复揣摩文字中的描述，这种互动感是我在许多同类画册中难以寻觅的。它成功地搭建了一个艺术品鉴赏的桥梁，让你在获得知识的同时，也真正参与到了审美的建构过程中去。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计简直是一场视觉盛宴，纸张的质感厚实且带有细腻的纹理，触感非常温润，让人忍不住想要反复摩挲。封面那幅经典的宋代山水画作选得恰到好处，墨韵的层次感和留白的处理，无不透露出一种沉静而高雅的艺术气息。内页的印刷工艺更是值得称赞，色彩还原度极高，即便是那些年代久远的绢本设色画，其笔触的细腻、颜料的微妙变化，都得到了精准的再现。特别是对于那些需要细致观察的工笔画细节，放大后的清晰度让人如同亲临原作面前，那些隐藏在传统技法中的匠心独运，得以一览无余地展现。装订方面也十分考究，平摊性很好，即便是大开本的书页，翻阅起来也毫不费力，既保证了阅读体验，又彰显了作为一部珍赏类图册的收藏价值。我感觉这不仅仅是一本书，更像是一个精心制作的艺术品，每一个细节都体现了出版方对中国传统绘画艺术的敬畏与热爱。对于那些追求高品质视觉享受的艺术爱好者来说，光是这本书本身的外在呈现，就足以让人心满意足，它为接下来的内容欣赏打下了一个极其坚实且愉悦的基础。

评分☆☆☆☆☆

这本书的选材角度非常具有启发性，它没有简单地罗列那些被过度曝光的“镇馆之宝”，而是巧妙地将视角投向了一些在特定历史时期或特定画派中具有里程碑意义的作品。比如，它对唐代壁画风格演变中那些地方性流派的深入剖析，就展现出编辑团队扎实的学术功底和独到的眼光。这种选择性的编排，使得我们得以跳出固有的审美框架，去重新认识那些被主流叙事略微忽略的艺术珍品。每一幅作品的介绍旁，都有详尽的考证和背景分析，从创作动机到材料使用，再到它对后世的影响，论述逻辑清晰，层层递进。我特别欣赏其中几篇关于“意境营造”的专题探讨，作者并没有停留在单纯的技法描述，而是深入剖析了中国画“气韵生动”这一核心哲学的具体体现方式，成功地将抽象的审美概念具象化，让不甚了解传统理论的读者也能窥见一二其中的奥妙。整体而言，这本书更像是一位博学的导览者，带领读者深入中国艺术史的复杂肌理之中，而非仅仅提供一个简单的“图片索引”。

评分☆☆☆☆☆

这本书最让我感到惊喜的是它对“细节重构”的重视程度。很多时候，传统绘画中的精髓往往藏在那些不易察觉的角落里，比如特定的朱砂印章位置、画家在题跋中无意间透露的地理信息，甚至是被忽视的装裱边缘的修复痕迹。这本书专门开辟了若干个“特写聚焦”的板块，用极高倍率的放大图，清晰地展示了传统绢本或纸本上颜料的颗粒感、矿物色的自然风化纹理，以及绢丝的交叉结构。这种近乎于微观研究的呈现方式，让我以前只能在博物馆的玻璃柜前匆匆一瞥的细节，得到了充分的审视机会。它不只是在“展示”画作，更是在“解构”画作的物理实体，让我们得以体会到古代匠人在材料处理上的极致追求。这对于那些希望深入了解中国画材料学和传统修复工艺的读者来说，其价值是不可估量的，它将艺术欣赏提升到了对历史材料的敬畏层面。