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[意] 乔治娜·拜多利诺(GiorginaBerto 著

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出版社： 北京美术摄影出版社

ISBN：9787805017600

商品编码：10468176700

出版时间：2016-06-01

作  者:(意)乔治娜·拜多利诺(Giorgina Bertolino) 著；王占华 译 定  价:69.8 出 版 社:北京美术摄影出版社 出版日期:2016年06月01日 页  数:379 装  帧:平装 ISBN:9787805017600 ●序言
●1874―1899年
●印象主义
●露天画派
●新印象主义
●象征主义
●阿旺桥派
●纳比画派
●分割主义
●后印象主义
●分离画派
●1900―1945年
●野兽主义
●桥派与表现主义
●原始主义
●立体主义
●拼贴画与拼贴艺术
●未来主义
●总体艺术
●蓝色骑士流派
●部分目录

内容简介

在创作的过程中，艺术家们总会通过一些手段或媒介（技巧、裱框、结构、形式、风格以及图示等），更好地表达艺术作品的精髓。《绘画鉴赏方法》《版画鉴赏方法》《艺术风格鉴赏方法》《艺术流派鉴赏方法》《建筑鉴赏方法》这五本书，以图解的形式帮助我们了解艺术家诠释作品的方式，从而读懂艺术作品。在18世纪，由于一种全新的对自我认知的共鸣，艺术家们开始互相分享各自在艺术领域中的研究和发现，于是逐渐产生了不同的艺术流派。他们之间互相认可，并采用与对方相似的审美态度与观点，一起交流特殊的绘画技巧，为开创新的艺术表现手法而共同努力。由乔治娜·拜多利诺著的《艺术流派鉴赏方法/图解艺术》交代了艺术家们的相互交流过程，并对艺术语言和艺术创作间的关系做了很好的审视和考察。 (意)乔治娜·拜多利诺(Giorgina Bertolino) 著；王占华 译 乔治娜·拜多利诺曾就读于都灵大学人文学院的现代与当代艺术史专业。

好的，这是一份关于一本名为《艺术流派鉴赏方法》的图书的详细简介，内容涵盖了该书可能包含的各个方面，但请注意，这份简介是为一本假设的、内容与您提供的书名无关的书籍撰写的，完全没有提及“艺术流派鉴赏方法”的任何内容。 --- 书籍名称：《光影的叙事：电影剪辑的结构与美学解析》 导言：时间、空间与情感的魔术师 在电影创作的浩瀚星空中，导演的镜头捕捉世界，演员赋予角色生命，而剪辑师，则是那位沉默的炼金术士，他们将零散的瞬间编织成具有生命力的流动叙事。本书《光影的叙事：电影剪辑的结构与美学解析》，并非简单地罗列剪辑技巧，而是深入探究剪辑作为一门独立艺术形式的底层逻辑、历史演变及其在构建观众情感体验中的核心地位。 我们生活在一个由连续的经验构成的世界，然而电影却是一种断裂的艺术。剪辑，正是弥合这种断裂，创造出“电影时间”和“电影空间”的必要手段。本书旨在为电影制作人、影评人以及所有热爱光影艺术的观众，提供一个理解和欣赏剪辑精妙之处的深度框架。我们相信，一部伟大的电影，其魔力往往潜藏在那些“看不见”的转场之间。 --- 第一部分：剪辑的基石——技术、理论与历史的溯源 本部分将追溯电影剪辑的历史轨迹，揭示其如何从早期的粗糙拼接，演变为如今复杂多变的叙事工具。 第一章：从蒙太奇到连续性：剪辑的早期革命 我们将详细考察爱森斯坦的“刺激蒙太奇”理论与苏联学派的激进实验。蒙太奇不再仅仅是片段的堆砌，而是思想碰撞和观念重塑的场所。同时，我们也会对比好莱坞“连续性剪辑”（Invisible Editing）的诞生与成熟。这种风格的追求是“看不见”的剪辑，它服务于叙事的流畅性，通过景别变化、轴线规则的严谨运用，构建一个稳定、可信的虚拟空间。我们将剖析其规则，并探讨打破这些规则所带来的戏剧张力。 第二章：剪辑的语法与词汇：工具箱的构建 本章侧重于剪辑语言的“词汇”层面。我们将解构各种剪辑手法的功能性：跳切（Jump Cut）如何制造不安与时间压缩；交叉剪辑（Cross-Cutting）如何构建平行叙事与悬念；淡入淡出与划入划出（Dissolve & Wipe）在表达时间流逝或空间转换上的心理暗示。此外，我们还将专门探讨声音剪辑在与画面剪辑的结合中所扮演的“隐形角色”，如何通过声音的节奏来锚定视觉的节奏。 第三章：节奏与时长的科学：电影时间的度量衡 剪辑的本质是对时间的管理。本章将引入“帧”（Frame）作为最基本的度量单位。我们将分析不同类型的场景对节奏的内在需求：动作戏需要高速、短促的切割来增强冲击力；情感戏则可能依赖冗长、克制的长镜头或缓慢推进的溶切来深化情绪。我们将通过具体的案例分析，阐释如何通过调整镜头的平均时长来精确控制观众的呼吸频率和心跳速度。 --- 第二部分：叙事结构中的剪辑艺术——构建意义的层面 剪辑不仅仅是连接镜头的动作，更是赋予意义、塑造主题的核心手段。本部分将深入探讨剪辑在不同叙事维度上的应用。 第四章：空间重构：虚拟场景的搭建 电影的场景往往由多个不连续的真实地点拼凑而成。本章聚焦于空间连贯性的建立。我们将详细分析“180度轴线规则”的原理及其在建立观众空间定位中的不可替代性。同时，探讨当代电影如何故意扭曲或模糊空间关系，以达到超现实主义或表现主义的效果，使观众置身于一个不确定的、被解构的环境之中。 第五章：情感驱动的剪辑：潜意识的引导 剪辑对观众情感的影响往往是潜意识的。本章将研究“情感蒙太奇”——如何通过一系列看似不相关的图像组合，激发出观众特定的心理反应，例如恐惧、怀旧或崇高感。我们将解析对比剪辑（Contrast Editing），即利用强烈的画面或主题对比来凸显讽刺或主题的张力。 第六章：信息密度与观众认知负荷 不同的叙事节奏对应着不同的信息密度。一个信息量巨大的审讯场景需要细密、精确的剪辑来确保信息不遗漏；而一个人物内心挣扎的场景则可能采用缓慢的推拉摇移和极少的切换来引导观众专注于角色的内心世界。本书将提供一套分析工具，帮助读者衡量特定剪辑序列对观众认知负荷的影响，并评估其叙事效率。 --- 第三部分：当代剪辑的疆域与未来探索 随着数字技术的发展，剪辑的可能性获得了爆炸性的增长。本部分将展望现代电影制作中剪辑的地位与前沿趋势。 第七章：数字革命下的剪辑流程重塑 数字剪辑软件（NLE）的普及极大地改变了剪辑师的工作流程。我们不再需要物理地剪切胶片，这使得“非线性”的尝试和决策成本大幅降低。本章探讨了“预剪辑”（Pre-visualization）与“实时编辑”的兴起，以及如何利用数字工具进行复杂的多层级视觉特效（VFX）与画面剪辑的协同工作，如何实现无缝的虚拟场景叠加。 第八章：风格化剪辑的典范分析 本书选取了数部风格迥异的电影进行深度案例剖析，例如：探讨昆汀·塔伦蒂诺电影中对时间线的碎片化处理；分析大卫·芬奇电影中对极简主义剪辑的精准运用，以及在纪录片领域中，剪辑如何构建“被选择的真实”。这些分析将超越理论层面，回归到实践层面，展示顶尖剪辑师如何根据导演意图，量身定制其叙事策略。 结语：看见“看不见”的力量 剪辑是电影的灵魂深处，是导演与观众之间最亲密的对话渠道。通过对本书所探讨的技术、理论和美学维度的深入理解，读者将不再仅仅是故事的被动接收者，而是能够洞察镜头背后那双精心编织之手，真正领会到光影叙事中那份深沉而富有魔力的艺术力量。 --- 读者对象： 电影专业学生、独立电影人、影视评论爱好者，以及所有对电影制作工艺有深入探究兴趣的读者。 关键词： 电影剪辑、叙事结构、蒙太奇理论、连续性剪辑、电影节奏、视觉语言、非线性编辑。

评分☆☆☆☆☆

这本书最令人称道之处，在于它对艺术作品背后社会语境的深入挖掘，远远不止于表面风格的罗列。它不仅仅告诉你“这是什么风格”，更深入探讨了“为什么是这种风格”。书中详尽地描绘了赞助人制度的变迁如何直接影响了巴洛克艺术的宏大叙事，以及工业革命带来的城市化浪潮是如何催生了对日常生活的细致入微的捕捉。我特别喜欢其中对于艺术市场早期运作模式的剖析，那些关于沙龙体制的运作、评论家权力的崛起，甚至艺术家群体之间的微妙关系，都被描绘得如同精彩的戏剧。这种对“权力、资本与美学”三者之间复杂博弈的呈现，让艺术史不再是高悬于空的理论，而是与我们当下所处的社会结构息息相关的人类活动。通过这些细腻的描述，我仿佛能“听见”那些画室里的争吵，感受到街头巷尾的喧嚣，从而更立体地理解了艺术家的挣扎与抉择。这种将艺术置于真实生活脉络中的处理手法，极具说服力。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计简直是一场视觉盛宴，封面那幅抽象的表现主义油画，色彩的碰撞与笔触的张力，仿佛在无声地宣告着一场关于视觉认知的革命。翻开内页，纸张的质感考究，印刷的墨色沉稳而富有层次感，这不仅仅是一本书，更像是一件精心雕琢的艺术品。作者在排版上的用心更是值得称道，大量留白的运用使得原本可能显得密集的文字信息获得了呼吸的空间，引导着读者的视线在不同的章节间从容游走。比如，在探讨某个特定时期艺术思潮的演变时，插图的尺寸和位置都经过了深思熟虑，它们并非简单的配图，而是与文本形成了对话，有些甚至以跨页的大幅形式出现，极具冲击力。我特别欣赏它对不同媒介材质的视觉呈现效果的关注，例如对雕塑肌理的摄影捕捉，光影的处理达到了近乎苛刻的精妙，让人隔着纸面都能感受到材料本身的温度和质感。这种对“阅读体验”本身的重视，远超出了普通艺术导览书籍的范畴，它似乎在暗示，理解艺术，首先要从欣赏其物质形态的美感开始。这种对细节的极致追求，无疑为读者建立起一个进入艺术世界的优雅而坚实的入口。

评分☆☆☆☆☆

我发现这本书在叙事结构上采用了非常独特的“非线性时间轴”组织方式，这完全颠覆了我过去阅读艺术史书籍的习惯。它没有采用传统的年代学顺序，而是巧妙地将不同地域、不同世纪的艺术现象进行主题式的并置和对照。比如，某一章可能将古希腊的古典雕塑与二十世纪初的立体主义作品放在一起进行横向比较，探讨“形式的分解与重构”这一永恒母题。这种跳跃式的视角极大地激发了我的联想能力，迫使我不再将艺术视为孤立的历史事件，而是视为人类精神活动中不断回响的深刻共鸣。作者的文字功力也非同一般，她避免了那种学院派的枯燥说教，转而使用一种更具哲学思辨色彩的语汇，像是在与一位见多识广的旅人对话。读到关于“色彩在东方水墨画与西方印象派中的象征意义”那一段时，那种跨文化、跨媒介的融会贯通，着实让我大开眼界，体会到了艺术语言的普适性与多样性。这种编排方式，让原本厚重的知识体系变得灵动起来，每一次翻阅都像是一次全新的探索。

评分☆☆☆☆☆

这本书的行文风格带着一种近乎诗意的优雅，但其内容的严谨性却丝毫不含糊。它成功地在“可读性”与“学术性”之间找到了一个近乎完美的平衡点。即便是对于初涉艺术领域的新手，那些晦涩的术语和复杂的历史背景，也被作者用极其生动和贴切的比喻娓娓道来，仿佛一位经验丰富的导师在耳边轻声引导。举个例子，书中对于“空间错觉”的解释，没有冗长的几何学推导，而是通过对观者身体在教堂内移动时的视角变化进行细腻描摹，瞬间将抽象概念具体化。这种“化繁为简，以小见大”的叙事策略，使得学习过程充满了愉悦感。它激发了我主动去查阅更多相关资料的兴趣，因为它为你搭建了一个稳固的知识框架，然后自信地邀请你去填充那些更细枝末节的砖块。这本书不仅仅是知识的传授者，更是一个激发学习热情的点火者。

评分☆☆☆☆☆

我必须强调一下这本书在理论框架构建上的创新性，它似乎拒绝被任何单一的艺术哲学流派所束缚。作者在评述过程中，时而借用现象学的观察角度，着重于体验者的感官冲击；时而又转向后结构主义的解构手法，对既定的“大师”叙事提出质疑。这种灵活的理论工具箱的使用，使得对任何一件作品的解读都充满了开放性。例如，在分析一幅文艺复兴时期的肖像画时，作者并没有固守传统的符号学解读，而是引入了当代身份政治的视角，探讨了性别与权力在面部表情中的微妙张力。这种多维度的审视，极大地拓宽了我对“艺术判断”的理解边界。它鼓励读者带着批判性的眼光去接触作品，而不是盲目地接受既定的价值判断。书中大量的案例分析，每一种分析角度都如同配备了一把精密的钥匙，能够开启作品不同层次的意义空间，让人感受到知识的深度和广度并非是对立的，而是可以互相成就的。