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店铺： 唐山紫辰图书专营店

出版社： 人民邮电出版社

ISBN：9787115431042

商品编码：10641710519

包装：平装

开本：16

出版时间：2016-09-01

字数：363

内容介绍
本书内容详尽，包括机械零件的构造和特征、绘制零件的要点及阴影表现手法、零件组合的技巧、机甲的身体构造及绘制技法等内容，后面也以较大的篇幅专门讲解了机械宠物、机械怪兽、各种类型的机甲人物及操作类机甲的具体绘制过程。 本书讲解清晰，图例丰富，适合初、中级动漫爱好者作为自学用书，也适合相关动漫专业作为培训教材或教学参考用书。

作者介绍
MCOO动漫是由国内zhiming绘画作者及美术教育工作者组建的艺术工作室。总部设立于北京，他们积累多年的美术培训经历，先后出版了简笔画、素描、动漫技法等畅销书籍，深受读者及培训机构喜爱。

关联推荐
临摹●易学●实用，从ZUI简单的知识点讲起，配以丰富生动的图示，帮助初学者逐步掌握漫画绘制技巧，一跃成为漫画高手！
目录
第1章基础知识
1.1 机甲与机械的基本知识014
1.1.1 机甲的概念014
1.1.2 机甲的分类015
1.1.3 机械的概念016
1.1.4 机甲与机械的区分017
1.2 零件的基本原理和特征018
1.2.1 部分原理与构造018
1.2.2 专业运用词汇与设计019
1.3 零件的绘制要点020
1.3.1 零件的分布与应用020
1.3.2 基本零件的绘制021
1.3.3 零件阴影的表现022
1.3.4 零件组合的方法与技巧023
1.4 经典机甲形象参考024
第2章机甲的构造与组成
2.1 机甲头部的绘制027
2.1.1 与人物头部的区别027
2.1.2 机甲头部的绘制步骤028
2.2 机甲手臂的绘制032
2.2.1 与人物手臂的区别032
2.2.2 机甲手臂的绘制步骤033
2.3 机甲腿部的绘制041
2.3.1 与人物腿部的区别041
2.3.2 机甲腿部的绘制步骤042
2.4 机甲其他部分的绘制050
2.4.1 机甲尾巴的绘制050
2.4.2 尾巴与人物的结合与表现053
第3章机械宠物的绘制
3.1 观赏性宠物 055
3.1.1 蜻蜓的画法055
3.1.2 蝴蝶的画法057
3.2 战宠的绘制059
3.3 骑宠的绘制064
3.4 家养宠物的绘制069
第4章机械怪兽的绘制
4.1 机械怪兽与宠物的区别074
4.2 机械怪兽的绘制与表现075
4.3 细节的注意要点079
第5章人形机甲的绘制
5.1 医疗篇081
5.1.1 半机械化少女081
5.1.2 实验少女084
5.1.3 医疗手术场景088
5.2 装饰、改造篇092
5.2.1 战斗男子092
5.2.2 机械改造少女097
5.2.3 机械可爱少女103
5.2.4 机械组装少女105
5.3 着装、武器篇107
5.3.1 站立少女107
5.3.2 铠甲少女110
5.3.3 翅膀少女114
5.3.4 头盔少女120
5.3.5 佩刀少女124
5.3.6 眼镜少女130
5.3.7 全机甲着装134
5.3.8 盾牌少女136
5.3.9 双人展示140
5.3.10 小巧少女146
5.3.11 长发陀枪少女150
5.3.12 短发拿枪少女156
5.3.13 手持弓箭的少女159
5.3.14 大型枪械162
5.3.15 短发少女170
5.3.16 持刀少年177
5.3.17 持斧男子184
第6章操作类机甲的绘制
6.1 操作机甲（1）194
6.2 操作机甲（2）196
6.3 飞行机甲（1）199
6.4 飞行机甲（2）202
6.5 破损的汽车208

《光影织梦：西方古典油画大师技法精粹》 导言：溯源与致敬 本书旨在为绘画爱好者和专业人士提供一份详尽而深入的指南，专注于西方古典油画的精湛技艺与艺术哲学。我们避开当代数字绘画或日式动漫艺术的范畴，转而将焦点投向文艺复兴至十九世纪末的油画黄金时代。这不是一本关于速写或线条构图的入门手册，而是一部侧重于颜料处理、光影塑造以及历史材料科学的深度研究。通过对提香、卡拉瓦乔、伦勃朗以及安格尔等大师作品的解构与复原性分析，读者将得以窥见那些塑造了西方视觉艺术史的独特工艺。 第一章：画布的准备与底层的哲学 古典油画的生命力，始于画布与底层的对话。本章将详细剖析十九世纪及更早时期画室中使用的基底材料的准备工作。 亚麻布的选择与绷制艺术： 探讨不同织密度的亚麻布（Linen）与棉布（Cotton Duck）在吸收油分、保持张力方面的差异。教授如何使用传统工艺，如使用角撑（Keys）和特定的胶水溶液（如动物胶）来达到博物馆级的绷紧度，确保画作数百年后的稳定性。 油底层的科学配方： 深入研究历代大师偏爱的底料配方。从早期的石膏基底（Gesso）到油性底料（Oil Ground）的演变。重点分析铅白（Flake White）与熟油（Stand Oil）的经典配比，以及如何通过添加极少量的大理石粉或硅藻土来调节底层的粗糙度（Tooth），以适应后续的油彩附着力。讲解“吸收性”和“不吸收性”底层对最终色彩饱和度的影响。 色粉底层的运用（Imprimatura）： 详述在白色底层之上铺设一层极薄的、有色的中间调的重要性。分析提香偏爱的暖棕色底层与伦勃朗可能使用的偏灰绿色的底层如何预先设定画面的光线氛围和色调平衡，避免直接在纯白上作画造成的“漂浮感”。 第二章：油彩的研磨与媒介的魔力 本书的第二核心部分，专注于油画颜料的物理特性及其与媒介的融合，这是古典技法区别于现代管装油画的关键所在。 矿物颜料的自制与纯化： 探讨传统画家如何自行研磨颜料。详细介绍历史上重要的无机颜料的来源和处理过程，例如群青（Ultramarine）的石青提纯、朱砂（Vermilion）的制备，以及如何识别和避免使用现代合成颜料取代历史配方带来的色彩特性改变。 媒介剂的调和艺术（Mediums）： 媒介剂是控制油彩流动性、透明度和干燥速度的生命线。本章详细解析不同类型的媒介配方： 达玛树脂与松节油混合物（Damar Varnish）： 分析其在光泽度和硬度上的平衡点。 威尼斯油（Venice Turpentine）的使用禁忌： 探讨这种传统树脂油对色彩持久性和可能导致的“回咬”现象的影响。 古典蜡油媒介（Wax Mediums）： 深入研究如何使用蜂蜡或巴西棕榈蜡与油混合，以达到玛蒂斯或早期印象派画家所追求的半哑光质感和厚涂效果。 调色板的布局与色彩理论的实践： 基于古典大师的色彩倾向（如普桑的“色调第一”原则），讲解如何规划调色板，确保在作画过程中色彩的连贯性与和谐性，而非单纯的色彩叠加。 第三章：多层叠加与光影的雕塑 本章是技法实践的重点，着重于古典油画标志性的“从暗到明”的造型构建过程。 写意（Grisaille）与单色铺垫： 详细阐述在色彩绘制之前，如何使用中性灰或棕色调（如乌贼墨或赭石）完成精确的明暗关系布局。这是卡拉瓦乔式的戏剧性光影（Chiaroscuro）形成的基础，旨在先“雕刻”出形体，再“着色”。 薄层罩染（Glazing）的精妙： 罩染是赋予古典油画深邃感的关键技术。深入讲解如何利用极透明的油彩层（高媒介剂比例）层层叠加，逐步建立色彩的深度和复杂性。分析提香在肉体表现中如何使用多达十余层的红色和棕色罩染来模拟皮肤下的血色和温度。 厚涂（Impasto）的精确控制： 与现代的粗放式厚涂不同，古典厚涂往往集中于高光处以捕捉特定角度的光线反射。分析伦勃朗如何通过精确控制颜料的厚度，在画面关键焦点处创造出近乎浮雕般的质感，而背景则保持平滑。 湿接法（Alla Prima）的局限性： 探讨在古典技法中，湿接法（一次性完成）的使用范围及其与多层技法的区别，主要用于快速肖像或风景写生，而非正式的宗教或历史题材。 第四章：表面处理与艺术品的永恒 完成绘画后，保护工作与原作的长期稳定息息相关。 干燥与“回咬”的应对： 讲解油画干燥的漫长过程，以及如何识别并处理由于底层吸收性不均导致的颜料层“回咬”（Fat Over Lean 原则的实践应用）。 最终光油（Final Varnishing）的配方选择： 详细比较传统达玛光油与马蒂克斯树脂（Mastic Varnish）在保护性、抗泛黄性以及最终光泽度上的表现。强调上光时机的重要性，以避免光油渗入颜料层造成永久性的光泽不均。 清洁与修复的初步认知： 为读者提供对老旧油画清洁（去污蜡和光油）的基本概念框架，理解保护油画不仅是创作的一部分，也是对艺术遗产的责任。 结语： 本书不是速成的秘籍，而是对时间沉淀下来的工艺的致敬。它要求学习者具备耐心、细致的观察力以及对材料物理特性的深刻理解。通过掌握这些古典技法，学习者将能超越简单的描摹，真正进入光影塑造和永恒美的殿堂。

评分☆☆☆☆☆

我一直坚信，无论是研究古籍修复还是学习现代设计，扎实的理论基础和对美学的敏锐洞察力是缺一不可的。这本绘画技法书，无论从哪个角度看，都显示出极高的专业水准。它摒弃了浮夸的辞藻，用最直接、最精准的语言来阐述复杂的概念。我最欣赏的是它对“结构分解”的讲解部分，作者将复杂的造型拆解为最基本的几何形体进行分析，这种思维方式对于任何需要进行空间想象的工作都极其有用。书中的部分章节还涉及到一些关于材料特性的讨论，比如不同纸张对色彩吸收的影响，这些细节的处理，体现了作者对媒介的深刻理解。翻阅这本书的过程，就像是接受了一次系统而严谨的美学训练，它拓宽了我对“创造”这件事的定义，让我意识到精湛的技艺背后，往往是无数次严谨的观察和无数次的推敲打磨。

评分☆☆☆☆☆

哇，我最近入手了一本关于绘画技巧的书籍，虽然我平常主要关注的是文学和历史类读物，但这次偶然的机会让我接触到了一个全新的领域。这本书的装帧设计非常吸引人，封面采用了一种非常细腻的材质，拿在手里很有分量感，让人感觉内容一定很扎实。我尤其喜欢它在色彩运用上的考究，即使是目录页的设计也充满了艺术感，让人迫不及待地想翻开正文去探索里面的知识。书中的排版布局非常清晰，大量的插图和图文并茂的讲解方式，即便对于完全的新手来说，也不会感到晦涩难懂。我个人认为，好的书籍不仅能传授知识，更能激发读者的热情，这本书在这方面做得非常出色，它让我对艺术创作产生了强烈的兴趣，甚至开始思考如何将我在其他领域积累的观察力融入到视觉表达中去。光是阅读前言部分，我就被作者的创作理念深深吸引，那种对细节的执着和对创新的追求，真的非常鼓舞人心。

评分☆☆☆☆☆

最近我的阅读口味变得越来越“杂食”，尤其喜欢那种能让人在阅读过程中产生共鸣，同时又能带来实际提升的书籍。这本画册（姑且这么称呼它吧，因为它更像是一本精美的艺术品集）给我的感觉就是这样。我发现它在不同章节之间的过渡处理得非常自然流畅，仿佛在讲述一个连贯的故事，而不是简单地罗列技巧。我花了不少时间沉浸在那些对“动态捕捉”和“材质表现”的章节中，作者对于不同线条粗细和笔触力度的微妙把握，真是令人叹为观止。这本书的装帧材料和印刷质量也绝对是上乘之作，色彩还原度非常高，使得书中的示范作品的质感得以完美呈现。我甚至觉得，即使不进行实际绘画练习，仅仅是欣赏书中的范例，本身就是一种视觉享受和审美熏陶。它提供的不仅仅是“怎么画”，更是“为什么要这样画”的深层思考。

评分☆☆☆☆☆

从一个纯粹的书籍爱好者的角度来看，这本书的装订和纸张选择简直是业界良心。它采用了大量的哑光纸，这不仅减少了反光，更让那些精细的线条和阴影层次得以完美展现，阅读体验极佳。我特别喜欢其中关于“草稿与定稿”的对比展示，作者非常坦诚地展示了创作过程中从最初的不确定到最终定稿的演变过程，这种透明度让我感觉与作者的距离被拉近了。书本中涵盖的知识广度也令人印象深刻，它似乎并不局限于某一种固定的风格，而是提供了一套普适性的、可灵活运用的设计思维框架。对我而言，这本书最大的价值在于它激发了我对“系统性学习”的兴趣，它教会我如何建立一套完整的知识体系，而不是零散地吸收碎片信息。我敢肯定，这本书的价值远超其定价，它是一份对热爱视觉艺术的读者来说，非常值得珍藏的“工具书”和“灵感库”。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我本来对这种偏向“技术性”的指南类书籍抱有一丝保留态度，总觉得它们可能过于刻板，缺乏灵魂。但这本书彻底颠覆了我的看法。它的叙事方式非常生动，不像一本教科书，更像是一位经验丰富的老师在耐心地引导你进入一个充满可能性的世界。书中对于基础理论的阐述深入浅出，每一个步骤的讲解都配有详细的解析图，这种图文互补的模式极大地降低了学习的门槛。我特别欣赏作者在讲解过程中融入的那些“心法”和“窍门”，这些内容显然是作者多年实践经验的结晶，是单纯的理论书籍无法提供的宝贵财富。例如，在探讨光影和透视的章节里，作者通过几个经典案例的对比分析，让我对空间感有了全新的认识，这对于我未来进行任何形式的构图创作都将是极大的助益。这本书的厚度也恰到好处，内容充实却不臃肿，每一页都值得细细品味。