中国美术史·大师原典系列 张僧繇·五星二十八宿神形图 中信出版社 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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店铺： 中信出版社官方旗舰店

出版社： 中信出版社

ISBN：9787508665566

商品编码：10719548250

品牌：中信出版（Citic Press）

包装：精装

丛书名： 中国美术史·大师原典

开本：10开

出版时间：2016-08-01

用纸：纯质纸

产品特色

编辑推荐

1、中国元素、中国图像、中国美学的源代码

你能想象吗？我国唐代车轿的雍容华贵可甩十八世纪法国贵族的马车几条街、宋代女装的款式设计可让今日时装周的潮流设计师们相形见绌、文人学士们使用的餐具之精美堪比英国皇家御用品……这些图像与元素，在千余年的中国绘画经典中尽皆流传了下来。

2、高清完整的复制呈现

博物馆藏的原作我们无法随手把玩、窥其全貌；印刷品中的图片往往小而不精，无法展现细节。本丛书采用完整大图高清呈现：手端展开、纤毫毕现，连绵数米，一睹长卷全貌。

家中有小朋友的读者，甚至可以带娃在地板上拉开长卷，与孩子一起在美术大师的图像迷宫中，寻找有趣的发现……

3、时尚现代的设计语言

丛书的设计借鉴了古代“经折装”简明直白的表现形式，还辅助以阅读的文字与说明。

精装封面和回环书腰上，大师介绍、作品解读、名家评论一个也不少，达到极简与极繁的统一。

每卷的封面设计，只选用一种中国画颜料，专一单色呈现。

4、以美术史为体系的出版规划

从中国绘画史有名有姓的第yi人顾恺之（东晋）开始，至唐宋元明清，到齐白石等民国大家，本丛书以时间为线，串成完整的出版体系，规划出版80卷以上。历代绘画大师一览无余、尽在其中。

随书附赠一份“中国美术史大师脉谱（Map）。

5、亲民的价格

过去，坊间能够看到的类似复制画，定价动辄几百上千，使人望而却步。

本丛书均为高清复制的精装册页，每卷定价不过数十元。

6、名家的推荐

作家、画家 陈丹青先生看到这套书，不由感慨：“建立对中国文化的自信，这才是真正的爱国主义教育啊，正是这些东西，让人拥有文化自信。”

国家文物鉴定委员会副主任委员 孙机先生则说：“中国古代的文化成就，是我们这个东方大国五千年辉煌历史的重要组成部分，是基本国情，应成为常识，宜家喻户晓。”

中国美术馆副馆长 张子康先生推荐道：“千百年来，这些杰作征服了无数观众，已成为华夏民族的美学基因、东方文明的背景符号！过去，由于历史条件的限制，这些杰作往往深藏不露，普通读者难以一睹全貌，更无缘亲近赏鉴。本丛书使得旧时王谢堂前燕，得以飞入寻常百姓家。”

内容简介

绢本设色，纵27.5厘米，横490厘米。绘五星二十八宿神形象，五星即金、木、水、火、土星。二十八宿zui初是古人为比较日、月、五星的运动而选择的二十八个星官，作为观测时的标志。此图绘想象中的星宿形象，现仅存五星和十二宿图。推测此图当为原作之上卷，每星、宿一图，或作女像，或作老人，或作少年，或兽首人身。

人物用游丝描，细劲秀逸，匀洁流畅，设色古雅精微，图中的牛、马等动物形象亦生动传神，画风谨严。不但展现了凹凸法，人物的肉体感也有所增强。

作者简介

张僧繇，吴郡（今江苏苏州）人，南朝梁画家。天监中为武陵王侍郎，直秘阁知画事，历右军将军、吴兴太守。擅人物故事画及宗教画。武帝崇信佛教，凡装饰佛寺，多命他画壁。所绘佛像，自成样式，有“张家样”之称，为雕塑者所楷模。亦精肖像，作风俗画，兼工画龙，相传有画龙点睛、龙破壁飞去的神话。画山水不用勾勒，创“没骨法”。后人将他与顾恺之、陆探微并列为六朝三大家。

内页插图

 

前言/序言

这批画集属于所有愿意认知华夏绘画的人。其功德，不仅仅是在赏阅，而在实实在在的爱国主义教育。

你爱这国家的什么？在无数可资援引的历史记忆中，眼下，请年轻人翻开这套画集。

——作家、画家、木心美术馆馆长 陈丹青

中国古代的文化成就，是我们这个东方大国五千年辉煌历史的重要组成部分，是基本国情，应成为常识，宜家喻户晓。

——国家文物鉴定委员会副主任委员 孙机

千百年来，这些杰作征服了无数观众，已成为华夏民族的美学基因、东方文明的背景符号！

过去，由于历史条件的限制，这些杰作往往深藏不露，普通读者难以一睹全貌，更无缘亲近赏鉴。本丛书企望“旧时王谢堂前燕”，得以“飞入寻常百姓家”。愿大师原典的灼灼华彩，成为读者的案头锦瑟、枕边韶华。

——中国美术馆副馆长 张子康

 

中国古代绘画中的宇宙观与生命哲学：从壁画到手卷的流变 本书旨在深入探讨中国古代绘画艺术中，特别是魏晋南北朝至唐代这一关键时期，所蕴含的深邃宇宙观、宗教信仰以及人与自然、神祇之间的复杂关系。我们聚焦于对“神形”的描绘，而非仅停留在技法或风格的表层分析，试图揭示图像背后的文化逻辑与精神诉求。 第一部分：信仰的视觉化：早期人物画中的神性构建 中国艺术很早就将描绘超自然存在视为重要的使命。《中国古代绘画中的神性构建》首先考察了佛教、道教以及本土民间信仰对绘画主题的决定性影响。 一、佛教图像的本土化历程： 魏晋时期，随着佛教的兴盛，对佛、菩萨的描绘成为画家的重要任务。本部分将详细梳理早期佛像的造型演变，从犍陀罗风格的传入、影响，到本土化过程中“秀骨清像”的审美取向。 “秀骨清像”的再审视： 这一时期的作品往往追求一种脱离世俗肉体束缚的、精神性的美感。我们将分析顾恺之、曹不兴等早期大师如何通过线条的提炼和人物的比例处理，将佛陀的“觉悟”状态视觉化。这不仅仅是一种风格，更是对“空”与“有”哲学辩证关系的艺术诠释。 经变画的叙事功能： 敦煌、榆林等地的壁画是研究这一主题的宝库。本章将分析《法华经变》、《维摩诘变》等经典题材，探讨画家如何运用空间布局、色彩象征和连续叙事手法，将深奥的佛理转化为普通信众可以理解和感动的画面。尤其关注“本生故事”与“因缘故事”中对世俗情态的细腻捕捉，体现了宗教关怀的人文温度。 二、道家思想与山水精神的萌芽： 在神性描绘的另一极，道家思想与传统方仙道的观念深刻影响了对自然和隐逸的描绘。 仙人的形象谱系： 本部分考察了对“八仙”、“羽士”以及各路山神、水神的描绘。这些形象如何融合了儒家士大夫的清高气质与道家超脱尘世的渴望？我们将分析早期山水画中对“仙境”的想象，如云雾缭绕、峰峦叠嶂的布局，如何服务于表现“物我两忘”的哲学境界。 气韵生动与生命力： 探讨“气韵生动”理论在描绘神祇和自然灵性时的实际应用。这种“气”不仅仅是气息，更是宇宙间无所不在的生命能量，画家通过笔墨的流动性来捕捉和传达这种内在的生命力。 第二部分：宇宙的秩序与星辰的隐喻：天文、历法与图像学 古代中国文化深受“天人合一”思想的指导，对星辰、天象的观测与记录，直接介入了艺术创作，形成了独特的“宇宙图景”绘画。 一、星宿崇拜与世俗权力： 本部分着重分析星宿系统（如二十八宿）如何被纳入社会政治结构和个人命运的解读之中。 帝王与天命： 考察历代帝王如何利用天文现象和星宿图的绘制来巩固其“奉天承运”的合法性。涉及对北极星、紫微垣的特殊描绘，这些图像往往是高度程式化和象征性的政治工具。 二十八宿的符号学意义： 深入解析二十八宿在不同朝代语境下的形象演变。这些星宿不仅是天文学概念，更是时间、方位、乃至人类不同命运群体的象征符号。分析画家如何将抽象的星象结构转化为具有人格化或动物形象的视觉符号。 二、从天文图到“神形”的转化： 本章探讨了纯粹的科学记录如何与宗教想象相结合，诞生出具有强烈叙事性和象征性的图像。 浑天与地平线的构建： 考察古代中国天文学模型（如浑天仪）对绘画空间构图的影响。绘画中的“天”是如何被界定和表现的？这与西方透视法下的空间处理形成了鲜明对比。 时间与永恒的张力： 绘画中的神祇和星宿，代表着永恒不变的宇宙法则；而人物活动，则代表着瞬息万变的世俗人生。本部分将分析大师们如何通过并置这两种元素，创造出既宏大又充满悲悯的叙事张力。 第三部分：线条的哲学：笔墨语言对“形”与“神”的超越 艺术语言本身被视为通往真理的媒介。本章将聚焦于绘画技法如何服务于表现“神形”的复杂关系。 一、线条的生命力与“骨法用笔”： 魏晋以来，“用笔”被提升到形而上的高度。 线条的物质性与精神性： 分析不同笔法（如铁线描、兰叶描、钉头鼠尾描）如何传达不同的“气质”。例如，对肌肉、衣褶的处理如何暗示人物内在的力量或虚弱。 墨法的层次与空间的营造： 探讨墨色的浓淡干湿在表现神祇光晕、云气流动或山体厚重感时的作用。这是一种在二维平面上创造多维空间感受的独特方式。 二、人物造型中的“神采”捕捉： “传神”的核心在于捕捉人物的“神采”，即内在的精神活动。 眼睛与心灵的对话： 重点研究古代画家在描绘圣贤、仙人或高士时，如何通过眼神、面部表情和肢体语言的细微变化，来暗示其超越凡俗的境界。 动态与静态的平衡： 考察人物姿态的设计。那些看似静止的描绘，实则蕴含着强大的内在动势，这种动静结合是表达“道”的永恒流动性的关键手段。 结语：流变中的不变：中国艺术中的形神论 本书最后总结了从魏晋到唐代，中国绘画如何通过对神祇、星辰、以及圣贤人物的描绘，完成了从具象模仿到抽象精神表达的飞跃。这种对“神形兼备”的极致追求，不仅塑造了中国古典绘画的审美高度，也为后世理解人、自然、宇宙三者关系提供了一个永恒的视觉参照系。通过对这些古代经典图像的重读，我们可以清晰地看到，古代艺术家的笔墨，承载着对生命意义和宇宙秩序的深刻追问。

评分☆☆☆☆☆

这本画册的装帧设计真是让人眼前一亮，纸张的质感厚重而细腻，油墨的印刷效果层次分明，色彩还原度极高，即便是对古代绘画的细节把握也显得尤为用心。翻阅的过程中，那种触手可及的文物感扑面而来，让人忍不住想多摩挲几遍。尤其是那些需要细致观察的笔触和线条，在这样的印制质量下，才能真正体会到创作者当时的心境与功力。装帧的硬挺度和书脊的装订都体现了出版社对艺术书籍出版的专业态度，知道这类书籍是需要经得起时间考验的收藏品。整体来看，这不仅仅是一本普及性的图录，更像是一件值得珍藏的艺术品本身。装帧的匠心独运，使得每一次的翻阅都成为一种享受，而非简单的信息获取。

评分☆☆☆☆☆

这本书的出现，对于我们重新审视中国艺术史上的某些“断层”时期，无疑提供了极具价值的参照系。它似乎在暗示，艺术的发展从来都不是一条笔直向上的单行道，而是充满了岔路口和探索。通过这些被精心挑选的作品，我仿佛能够追踪到那些“失落的链条”，体会到在主流叙事之外，依然有艺术家在默默地进行着具有前瞻性的尝试和坚守。这拓宽了我对“中国艺术精神”的理解边界，让我认识到，历史的丰富性远超我们的想象，每一次对旧有认知的挑战，都意味着艺术生命力的再生。

评分☆☆☆☆☆

我特别欣赏这套书在学术性与可读性之间找到的那个微妙的平衡点。它并非那种晦涩难懂、充满专业术语的纯粹学术专著，使得一个非专业出身的爱好者也能轻松上手。然而，它也绝非浮于表面的“速成指南”，每一幅作品的配文都提供了深入的背景分析和艺术史定位，让你在欣赏美的同时，也能理解“美”是如何在特定历史环境下孕育而生的。这种恰到好处的讲解深度，既满足了我作为普通读者的求知欲，又提供了足够的理论支撑，让我在面对这些作品时，不再是“看热闹”，而是能够真正进入到那个时代的精神空间中去对话。

评分☆☆☆☆☆

从排版的布局来看，编辑团队显然对视觉节奏有着极高的敏感度。他们没有将所有内容一股脑地堆砌在一起，而是通过大面积的留白和精妙的图文穿插，成功地营造出一种“呼吸感”。重要的全幅作品往往占据整页甚至跨页，视觉冲击力极强，让人可以沉浸其中，细细品味笔墨的韵律；而注释和赏析文字则被巧妙地安排在不干扰主体视觉的区域，保持了阅读的流畅性。这种设计哲学，体现了对“观看”行为本身的尊重，它懂得何时该让画面说话，何时该用文字来引导理解，整体阅读体验流畅且充满仪式感。

评分☆☆☆☆☆

这本书的选材角度十分巧妙，它似乎避开了那些被过度解读和普及的经典名作，转而将目光投向了那些在历史长河中被低估或鲜为人知的艺术家的作品，这种“淘金”式的梳理，为我们构建了一个更为立体和丰富的历史图景。阅读过程中，我惊喜地发现了一些以往从未接触过的风格迥异的画作，它们以一种近乎“旁门左道”的姿态，却展现出惊人的创造力和时代精神。编者显然在史料搜集和甄选上下了极大的功夫，没有采取那种面面俱到的陈词滥调，而是聚焦于那些真正具有突破性和启发性的个案，这种精准的聚焦，让阅读的体验变得更加深刻和有力，避免了信息过载带来的疲劳感。