中国戏曲十五讲 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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胡淳艳 著，王晓纯，吴晚云 编

图书标签:

• 戏曲
• 中国戏曲
• 戏曲史
• 文化
• 艺术
• 戏曲理论
• 传统文化
• 表演艺术
• 文学
• 中国文化

出版社： 北京师范大学出版集团 ， 北京师范大学出版社

ISBN：9787303138760

版次：1

商品编码：10928226

包装：平装

丛书名： 全国大学生文化素质教育丛书

开本：16开

出版时间：2012-01-01

用纸：胶版纸

页数：182

字数：250000

正文语种：中文

内容简介

　　 《中国戏曲十五讲》共四编、十五讲。第一编“神话与传奇”主要追溯中国戏曲的渊源与历史。第二编“原来姹紫嫣红开遍”意在探讨中国戏曲的艺术特性。第三编“龙生九子的种种”着眼于中国戏曲剧种的介绍。第四编“精英与大众”则对中国戏曲的创作和研究进行简要的分析。全书力求学术性与趣味性相结合，雅俗共赏。

目录

第一编 神话与传奇——中国戏曲史述
第一讲 起个大早，赶今晚集
第二讲 晚生子的辉煌
第三讲 华丽的转身
第四讲 辉煌过后是凄凉

第二编 原来姹紫嫣红开遍——中国戏曲特性概述
第五讲 碰撞的火花
第六讲 世界文化视野中的中国戏曲
第七讲 1+1>2——中国戏曲的歌与舞
第八讲 像与不像——中国戏曲的程式与虚拟

第三编 龙生九子的种种——中国戏曲剧种巡礼
第九讲 六百年积淀的最高艺术范型一一昆曲
第十讲 谁是老大
第十一讲 本是大家族

第四编 精英与大众——中国戏曲创作、研究掠影
第十二讲 国粹还是
第十三讲 学院派与曲家
第十四讲 两条路线斗争的渗透
第十五讲 扎堆儿与少人搭理

精彩书摘

参军戏起源于后赵时期，《太平御览》卷五六九引《赵书》云：“石勒参军周延，为馆陶令，断官绢数百匹，下狱，以八议宥之。后每大会，使俳优着介帻，黄绢单衣。优问：‘汝为何官，在我辈中？’日：‘我本馆陶令。’斗数单衣曰：‘政坐取是，故人汝辈中。’以为笑。”可见，参军戏最初是为了讽刺、惩罚贪官而产生的一种表演形式，人物尚未角色化，参军就是具体的官职名。表演内容也特指周延贪污官绢一事，尚未故事化。至唐代，这种表演形式逐渐被固定下来，成为一个剧目，不断地演出，成为一种重要的表演艺术。
在实际表演中，“参军”一词已失去了官职的含义，演化为角色的名称，表演实现了初步的角色化：一为苍鹘，一为参军。参军即被戏弄者的角色名称，苍鹘则是负责戏弄嘲讽参军的角色。从此，参军和苍鹘成为扮演优戏节目人物的角色名称，中国戏剧有角色行当之分，从唐代的参军戏开始。而在表演内容上，也有了故事性内容，不再是讽谏周延贪污之事，可以表演其他故事，如《三教论衡》、《弄孔子》等。宋杂剧的宾白与滑稽风格、角色就是继承了唐代参军戏的传统。
唐代的参军戏以动作、科白为主，但也加入了歌舞元素。唐范摅《云溪友议》中记载元稹在浙东时，有俳优周季南、季崇和他的妻子刘采春从淮甸来，长于表演陆参军，歌声响彻云霄。元稹赋诗赠给刘采春：“新妆巧样画双蛾，幔裹恒州透额罗。正面偷轮光滑笏，缓行轻踏皱纹靴。言词雅措风流足，举止低徊秀媚多。更有恼人肠断处，选词能唱《望夫歌》。”可见，唐代参军戏可以有女性来主演，而且多是才色兼具，表演中融入了歌舞，不以滑稽为主，而是将表演与歌舞、说白相结合。这种演出已经透露出宋元时代南戏的某些特色。
唐代戏剧形成的过程中，文学性因素首次被凸显出来，开始渗透、影响到唐代戏剧。此前，中国文学诸种发达的文学样式并未与戏剧因素进行有效的结合，这其实也延迟了戏曲的形成步伐。因为戏剧的形成，除了表演艺术发达而外，叙事文学的发达也是不可或缺的。而到了唐代，抒情文学继续发达的同时，叙事文学也开始兴盛。唐代与戏剧演出密切相关的文学样式获得了全面的发展。
……

前言/序言

《戏曲的温度：梨园百态与舞台人生》 一本深入中国传统戏曲艺术肌理，触摸演员心跳与观众情感的深度之作。 本书旨在以一种更加立体、亲近且富有人文关怀的视角，解构中国戏曲这门古老而充满生命力的综合艺术。它并非枯燥的理论说教，而是对舞台内外真实境遇的细腻捕捉与深刻反思。我们试图剥离历史的尘埃和学院的刻板，让读者真切感受到戏曲作为一种活态文化所蕴含的独特“温度”。 第一部分：身段的哲学——“形、神、意”的统一 戏曲的魅力，首先在于其高度程式化的表演体系。本书的第一部分将聚焦于演员如何通过身体语言来承载宏大的叙事和复杂的情感。我们不满足于简单介绍“亮相”“圆场”等基本功，而是深入探讨这些程式背后的哲学意涵。 1. 眼神的叙事功能： 戏曲演员的眼神是沟通舞台空间与观众心灵的桥梁。本章将详细分析“望、看、瞄、顾”等不同眼神在表现人物内心挣扎、瞬间决断或长久思念时的微妙差异。例如，一个“望远”的眼神，如何瞬间将观众的注意力从逼仄的舞台拉至千里之外的战场或故乡。这是一种高度提炼的视觉符号学。 2. 走步与空间占有： 步法不仅仅是移动，更是对舞台时空的处理。我们将探讨“云步”、“碎步”如何象征人物的心绪——是踌躇满志的阔大，还是进退维谷的局促。通过对不同剧种（如京剧的“水袖功”与昆曲的“水磨腔”对身段的要求差异）的对比分析，揭示身体如何成为叙事的主体。 3. 气韵与“精气神”的培养： 表演的“神”源于演员对角色的深刻理解与个人生命体验的注入。我们探究老一辈艺术家是如何通过长期的“趟马”、“翻打”等功底训练，将外在技巧内化为一种自然流淌的气韵。这不仅仅是体力活，更是一种精神层面的修炼。 第二部分：行头的秘密——服装、脸谱与音韵的交响 戏曲的“化装”与“服饰”是视觉语言的极致体现。它们并非简单的装饰，而是角色身份、性格乃至命运的直观密码。 1. 脸谱的色彩心理学： 脸谱的红色、黑色、白色，并非固定的等级符号，而是一套复杂的色彩与线条组合的心理学。本章将解析特定纹样（如“三块瓦”、“十字门”）如何与角色性格（忠、奸、勇、愚）形成互文关系。更重要的是，脸谱的绘制过程本身，就是一种仪式感的建立过程。 2. 水袖的文学性表达： 水袖在戏曲中扮演了“隐形手臂”的角色，其处理难度极高。我们将分析不同剧目中水袖的“甩”、“抛”、“拂”、“藏”等动作，如何对应文学中的比喻和象征手法，例如，用一团飞舞的白袖来表现悲愤交加的泪水。 3. 音乐的“情绪引擎”： 戏曲音乐并非背景烘托，而是推动情节发展的核心动力。本书将侧重分析板式变化（如“慢板”、“流水板”）对演员表演节奏的制约与解放。我们还将探讨器乐在渲染气氛时的精妙设计，例如，二胡的起腔如何预示着一场冲突的不可避免。 第三部分：梨园生态——师承、磨砺与传承的困境 戏曲艺术的生命力依赖于人。本部分将目光转向台前幕后的真实世界，探讨艺人的生存状态与艺术的代际传递。 1. 严苛的师徒关系： 中国戏曲的传承高度依赖“口传心授”的师徒模式。我们将剖析这种模式的优点（如技艺的精准性与忠实性）与弊端（如个人风格的固化与创新空间的受限）。通过对几位著名艺术家族或流派的案例分析，呈现“门户之见”背后的艺术坚守。 2. 练功房的寂寞与辉煌： 舞台上的“一鸣惊人”往往建立在无数次枯燥、重复的练习之上。本书将描绘练功房的真实景象：清晨的吊嗓、日复一日的毯子功、在镜子前与自我较劲的时光。这部分旨在展现艺术家为保持艺术状态所付出的巨大身心代价。 3. 现代语境下的生存张力： 在娱乐方式日益多元的今天，传统戏曲如何保持其对年轻观众的吸引力？我们将探讨戏曲现代化改编中的得与失，例如，如何在不损害程式美感的前提下，引入新的舞台技术或叙事节奏，以应对当代观众对“快节奏”的审美期待。这不仅仅是艺术问题，更是文化存续的现实挑战。 结语：戏曲的生命力——流变中的不变 戏曲艺术的精髓，在于它将人生百态浓缩于方寸舞台之上，用高度凝练的符号，讲述永恒的人类情感。本书的最终目的，是引导读者超越对“老旧”的刻板印象，去发现中国戏曲中那股穿越时空、依旧炽热的生命力量。它是一种关于坚持、关于美学、关于中国人独特生命哲学的深刻表达。阅读此书，如同走进一座活着的博物馆，感受每一滴汗水凝聚成的艺术结晶。

评分☆☆☆☆☆

我对传统文化一直抱有浓厚的兴趣，尤其是那些与民间生活紧密相关的艺术形式。这本书给我的感觉是，它不仅在讲“戏”，更是在讲“人”和“社会”。它没有将戏曲孤立地放置在艺术史的象牙塔里，而是将其置于中国社会、伦理道德乃至审美变迁的大背景下去考察。比如，书中探讨戏曲如何承载历史叙事、如何反映市民阶层的价值观，这一点非常深刻。它会分析在特定历史时期，某个剧目是如何成为社会情绪的出口，或是如何通过人物塑造来规范人们的行为准则。这种宏观的视野让我对戏曲的社会功能有了全新的认识。而且，这本书在文字的选择上，非常考究，既有学者应有的严谨，又不失文人的雅致。行文间偶尔蹦出的那几句精妙的点评，仿佛是高手过招时的不经意一瞥，却道尽了事物本质。我尤其欣赏它对“丑角”艺术的评价，没有流于表面的滑稽，而是挖掘了他们作为社会批判者的深刻意义。这种多维度的解读，让这本书的厚度远超其篇幅。

评分☆☆☆☆☆

作为一个资深“戏迷”，坦率地说，市面上关于戏曲的书籍浩如烟海，很多要么过于偏重某一流派的深度研究，要么就是泛泛而谈的普及读物，很难找到一本既有深度又能兼顾全面性的好书。这本《十五讲》恰好填补了这一空白。它最牛的地方在于，它真正做到了“讲”——把复杂的理论拆解成十五个可消化的模块。我个人对戏曲音乐理论特别感兴趣，过去总被那些板式、腔调搞得晕头转向，但这本书里对不同剧种的音乐特点、伴奏乐器的配置，都有非常精准的概括和对比。比如，它将板式转换的逻辑与剧情的起承转合巧妙地结合起来阐述，瞬间就豁然开朗了。更难得的是，书中对戏曲“声腔艺术”的讨论，不是简单地罗列唱腔名称，而是深入到发声方法、气息运用和情感表达的细微差别上。我感觉作者不仅仅是研究者，更是一位深谙舞台魅力的实践者。读完后，再去听那些经典唱段，耳朵里听到的就不再是简单的旋律了，而是能听出背后的“气口”和“韵味”，简直是耳朵的升级体验。我立刻回去翻了我最爱听的几段录音，感觉有了全新的共鸣，简直是醍醐灌顶。

评分☆☆☆☆☆

这本书简直是打开了新世界的大门！我之前对戏曲的了解仅限于电视上那些零星的片段，总觉得它离我很遥远，充满了陌生的符号和程式化的表演。然而，这本《中国戏曲十五讲》彻底颠覆了我的看法。它没有采用那种枯燥的学术灌输方式，而是像一位循循善诱的老师，带着你一步步走进戏曲的殿堂。书里对戏曲的起源、发展脉络梳理得清晰明了，从早期的傩戏、参军戏，一直讲到后来的昆曲、京剧等主要剧种的兴衰演变，时间跨度很大，但逻辑性极强。尤其让我印象深刻的是它对“程式化”的解读。过去总觉得戏曲的那些手、眼、身、法、步太“假”，但读完后才明白，那种看似夸张的动作背后蕴含着深厚的文化内涵和情感表达，是高度凝练的舞台语言。作者似乎非常懂得如何引导一个“门外汉”去欣赏，用了很多生动的比喻和具体的剧目例子来佐证观点，让原本高深的理论变得触手可及。我特别喜欢它分析不同剧种的篇章，比如讲到川剧变脸时，那种神秘感和技术性被描绘得淋漓尽致，让人迫不及待想找个现场去体验一下。这本书的文字功底也十分了得，读起来朗朗上口，丝毫没有学术著作的沉闷感。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我买这本书之前是有点犹豫的，因为我对“十五讲”这个结构有点担心，怕它会变成一个非常生硬的、教学大纲式的罗列。但实际阅读体验完全出乎意料。这本书的叙事节奏把握得太好了！它就像一个经验丰富的导游，带着你游览一座巨大的博物馆，他知道什么时候该让你停下来仔细看一件珍品，什么时候该快速地带你走过一个大厅。它的章节过渡非常自然，常常是一个剧种的介绍结束后，紧接着就会引出对其影响下产生的新的艺术形式，这种递进关系让知识点之间形成了有机的联系，而不是孤立的碎片。例如，从对白结构到舞台调度，从服装的象征意义到面具的使用，每一点都讲得细致入微，但又不会让人感到信息过载。它成功地平衡了广度和深度，对于想要系统了解中国戏曲全貌的初学者来说，绝对是最佳的入门指南，但对于有些基础的人来说，也能从中发现很多值得玩味的细节。这本书的价值就在于，它把一个庞大复杂的体系，梳理成了一个清晰、可被掌握的知识地图。

评分☆☆☆☆☆

这本书最让我感到惊喜的是它对于“美学体验”的捕捉和传达。许多艺术评论往往停留在对形式的分析，但这本书似乎更专注于“感觉”。它用极富画面感的语言，描摹了戏曲舞台上那些转瞬即逝的、极富张力的瞬间。比如，描写武生“亮相”时那种力量的凝聚与爆发，或者青衣“水袖”拂动的韵律感，读起来简直就像在看一场无声的电影，脑海中立刻浮现出舞台上的情景和演员的精湛技艺。这种“可感性”是很多理论著作所缺乏的。作者似乎有一种魔力，能够将抽象的审美概念（如“意境”、“气韵”）转化为读者可以理解和体会的具体形象。读完之后，我感觉自己对“美”的感知力都提高了，不仅仅是对戏曲，对其他传统艺术也多了一层理解的滤镜。这不仅仅是一本介绍戏曲知识的书，更像是一本关于如何“观看”和“感知”的艺术指南。它激发了我强烈的好奇心，让我迫不及待地想去剧场，用这本书里学到的“新眼睛”去重新审视那些经典的舞台艺术。

评分☆☆☆☆☆

第三编 龙生九子的种种——中国戏曲剧种巡礼

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第十讲 谁是老大

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第六讲 世界文化视野中的中国戏曲

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第八讲 像与不像——中国戏曲的程式与虚拟

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第五讲 碰撞的火花

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第五讲 碰撞的火花

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第九讲 六百年积淀的最高艺术范型一一昆曲

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第三讲 华丽的转身