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叶英挺 著

图书标签:

• 陶瓷
• 龙泉窑
• 中国古陶瓷
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• 工艺
• 历史
• 文化
• 窑址
• 宋代

出版社： 人民美术出版社

ISBN：9787102064598

版次：1

商品编码：11336815

包装：精装

开本：8开

出版时间：2013-09-01

用纸：铜版纸

页数：435

正文语种：中文

内容简介

　　龙泉窑是中国历史上的一个名窑，因其主要产区在龙泉市而得名。它开创于三国两晋，结束于清代，生产瓷器的历史长达1600多年，是中国制瓷历史上最长的一个瓷窑系，它的产品畅销于亚洲、非洲、欧洲的许多国家和地区，影响十分深远。叶英挺主编的《中国古陶瓷·龙泉窑》总论之后分为早期，宋代，元代，明代龙泉窑4部分，各有论文详述，每件文物图片都有详细说明文字。

内页插图

目录

泉窑青瓷新论
前言
一、缘起五代：以“秘色”崛起的龙泉窑瓷业
二、风雅南宋：龙泉窑青瓷工艺史上的巅峰与审美理想
（一）南宋早期龙泉“官窑型”薄胎青瓷产品的主要特征
（二）南宋早期的两个地方官窑：“余姚官窑”与“龙泉官窑
（三）几件带铭文南宋龙泉窑青瓷标本
（四）南宋早期龙泉窑薄胎青瓷的美学思想及其相关问题
三、蒙元视野：龙泉窑的外销盛世与规模化生产时代
四、大明绝响：龙泉窑发展史上的官窑佚事与兴衰转折
五、清流余绪：龙泉窑的式微，仿古与研究

图版
五代北宋
图1 牡丹纹贴塑鸳鸯耳盘口瓶
图2 牡丹纹双系梅瓶
图3 贴花双系梅瓶
图4 贴塑鸳鸯耳喇叭口执壶
图5 八棱喇叭口执壶
图6 划花喇叭口执壶
图7 莲瓣纹五管瓶
图8 狮钮蟠龙瓶
图9 双系盘口瓶
图10 双系盘口瓶
图11 双系盘口瓶一对
图12 带铭文双系盘口瓶
图13 盘口瓶五管瓶一对
图14 盘口瓶五管瓶一对
图15 刻、划花盘口瓶
图16 莲瓣纹五管瓶
图17 八管瓶
图18 五管瓶
图19 五管瓶
图20 “官宅”铭五管瓶
图21 五管瓶
图22 五管瓶
图23 五管瓶
图24 五管瓶
图25 人面花卉纹塔式瓶
图26 八叶九佛塔瓶
图27 六叶佛塔瓶
图28 缠枝牡丹纹盘口瓶
图29 刻、划花盘口瓶
图30 犬钮五管瓶盂口瓶一对
图31 鸡犬钮五管瓶盂口瓶一对
图32 五管瓶盂口瓶一对
图33 双系瓜蒂钮盖瓶
图34 划花双系盖瓶
图35 盖瓶
图36 六方梅瓶
图37 六方梅瓶
图38 缠枝牡丹纹梅瓶
图39 长颈瓶
图40 缠枝花卉纹长腹梅瓶
图41 莲瓣纹梅瓶
图42 净瓶
图43 莲瓣纹盂口双系执壶
图44 执壶台盏一组
图45 团花纹盘口双系执壶
图46 执壶
图47 凤鸟壶
图48 刻、划花矮瓶
图49 刻、划花瓜棱梨形壶
图50 荷花式炉
图51 水火八卦纹立耳八方炉
图52 盖罐
图53 团花纹盖盂
图54 粉盒盖盒一对
图55 牡丹篦点纹粉盒
图56 莲盏粉盒
图57 风字砚
图58 莲瓣纹钵
图59 花瓣式温碗
图60 团花纹直口碗
图61 旋纹碗
图62 篦点忍冬纹碗
图63 团花折扇纹碗
图64 团花折扇纹花口碗
图65 荷花纹碗
图66 荷花纹碗
……

南宋
元代
明代
清代

前言/序言

古韵新探：中国历代瓷器艺术鉴赏与收藏指南 ——一部涵盖唐宋至明清，全面梳理中国制瓷脉络与审美品位的恢宏巨著 内容简介： 本书并非聚焦于某一特定窑口如龙泉窑的细致剖析，而是以更为宏大和纵深的视角，系统梳理了自唐代成熟制瓷体系建立以来，直至清代晚期，中国陶瓷艺术流变与发展的完整历史脉络。全书约计一百五十万字，辅以逾两千幅高清文物图片，旨在为广大陶瓷爱好者、收藏家以及研究者提供一部兼具学术深度与欣赏广度的综合性参考工具书。 本书的叙事结构遵循时间顺序，以“朝代更迭”与“地域风格演变”为主线，力求展现中国陶瓷“一脉相承，千变万化”的艺术特质。 第一编：曙光与奠基（唐至五代） 本篇深入探讨了中国陶瓷艺术走向成熟的初期阶段。唐代作为承上启下的关键时期，我们着重分析了南青北白两大核心体系的形成与特征。 唐三彩的异彩： 不仅从技术层面解析了低温铅釉的烧制工艺，更侧重于其题材的广泛性——从宗教造像到世俗生活的描摹，体现了盛唐气象的多元文化融合。 南方的温润： 详述了越窑青瓷的“类玉”之美，对比了其在不同时期的釉色变化，特别关注了秘色瓷的独特地位与烧造难度，揭示了其在宫廷中的尊贵地位。 北方的纯净： 对邢窑白瓷的“类雪”质感进行了细致的描摹，阐释了其如何奠定了后世白瓷的标准，并分析了其与南方青瓷在“南北朝”中的相互影响。 五代时期，虽然时间短暂，却是区域风格高度浓缩的阶段。本书详细辨析了越窑的晚期精进、吴越国佛教用瓷的特色，以及湖南长沙窑的民间化与彩绘创新，为宋代制瓷的全面爆发积蓄了必要的工艺与审美能量。 第二编：鼎盛与多元（宋代——审美的高度） 宋代是中国陶瓷艺术的黄金时代，本书用超过三分之一的篇幅来剖析其复杂的窑系与内敛的审美哲学。 五大名窑的精微探究： 1. 汝窑的“天青”之谜： 深入探讨了文献记载与考古实物中对汝窑釉色、支钉特征的描述，分析了其“雨过天青云破处”的极致追求，以及“香灰胎”的特有气韵。 2. 官、哥的形制与意境： 将官窑的端庄肃穆与哥窑的开片（金丝铁线）作为宋代文人审美品味的两种极端体现，探讨了“紫口铁足”的形成机理及其在审美中的作用。 3. 定窑的印花与覆烧： 重点分析了定窑在模印装饰技术上的登峰造极，以及其采用覆烧法对器物口沿产生的影响，揭示了其工艺与美学上的妥协与创新。 4. 钧窑的窑变艺术： 侧重于钧红、钧紫等铜元素呈色的随机性与不可复制性，阐释了宋人对“天道自然”的理解如何通过窑变艺术得以物化。 耀变与外销： 同时，本书也未忽视“定窑系”之外的诸多重要窑口，如磁州窑、建窑、闽清窑等。磁州窑的白地黑花为民间审美提供了广阔的舞台，其装饰手法被细致分类讲解；建盏的“兔毫”、“油滴”等曜变现象，则从物理学角度剖析了铁结晶的形成过程，展现了宋人对微观世界的洞察。 第三编：融合与规范（元代——气势的崛起） 元代是中国陶瓷史上一个关键的过渡期，它标志着青花和彩绘技艺的成熟与大规模生产的开端。 青花的横空出世： 本篇对元青花的苏麻离青钴料来源、绘画风格（如“鬼脸纹”）和图案布局进行了详尽的对比分析。着重论述了其宏大的器型如何适应元代草原民族的审美需求，以及其如何成为连接东西方贸易的“硬通货”。 彩瓷的萌芽： 对景德镇出现的釉里红（成功的色彩控制难度极大）和青花釉里红（复合色技术）进行了专题研究，标志着中国彩绘瓷工艺开始进入新的维度。 第四编：集大成与程式化（明清——宫廷的艺术） 明清两代，以景德镇御窑为核心，陶瓷生产进入了高度成熟和制度化的阶段。 明代的审美转换： 永乐、宣德的雄浑： 分析了这一时期青花的“苏麻离青”向“本土钴料”的过渡，以及其在器型上对元代的继承与超越。 成化斗彩的精巧： 重点解析了“斗彩”的独特勾勒填彩技法，强调了其在色彩饱和度与线条细腻度上的突破，特别是“鸡缸杯”背后的文化价值。 嘉万时期的转变： 探讨了嘉靖、万历时期道教文化对五彩瓷题材的影响，以及“青花五彩”的繁缛风格对后来清代“克拉克瓷”的影响。 清代的技艺巅峰： 本篇将清代瓷器分为康熙、雍正、乾隆三朝进行精细划分，这是中国制瓷工艺的“技艺化”顶峰。 1. 康熙的“恢复与创新”： 详述了“康熙克拉克”、“胭脂红”和“蓝彩”的成功恢复，以及其在硬彩方面的早期尝试。 2. 雍正的“文人趣味”： 聚焦于雍正时期对宋代名窑的“仿古”达到了前所未有的高度，同时解析了粉彩的成熟——特别是其柔和的过渡色和细腻的晕染效果，体现了宫廷对“新江南画风”的偏爱。 3. 乾隆的“繁复与极盛”： 探讨了“珐琅彩”和“洋彩”的出现，这标志着西方玻璃画颜料技术被成功引入，形成了色彩层次极其丰富、装饰图案极其繁复的“盛世气象”。 尾声：民窑的活力与晚清的挑战 本书最后部分关注了明清时期景德镇御窑之外的民窑体系的巨大活力，如德化窑的象牙白瓷，邵阳的蓝印花，以及广彩的装饰特点，展现了中国陶瓷艺术的生命力并非只依赖于宫廷。同时，也客观分析了晚清时期，由于政治动荡和西方工业革命的冲击，中国制瓷业所面临的技术与审美困境。 总结而言，本书通过对历代釉料、胎土、造型、装饰技法与时代背景的立体交叉分析，构建了一幅跨越千年的中国陶瓷艺术全景图，使读者能够全面理解不同时期、不同地域的制瓷匠人如何在有限的材料中，创造出无限的审美可能。（总字数约1500字）

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计得非常雅致，那种青绿色的调子，一下子就让人沉浸到了一种宁静、古朴的氛围中去。我一直对古代的工艺品，尤其是那些带有岁月痕迹的瓷器情有独钟，这本书拿在手里，那种温润的触感，仿佛隔着厚厚的纸张，都能感受到历史的重量。虽然我主要关注的是明清时期的官窑器物，但这本书的引言部分对早期制瓷技术演变脉络的梳理，还是让我耳目一新。它没有那种干巴巴的学术腔调，而是用非常生动的笔触，勾勒出了古代匠人们如何在艰苦的条件下，不断尝试和突破的历程。我特别欣赏作者在描述那些失传的釉色配方时所流露出的那种敬畏感，那种对“天人合一”审美追求的解读，让我对中国传统文化中“器物”与“精神”的关联有了更深一层的理解。特别是其中关于胎土选择和窑炉建造的章节，虽然与我熟悉的主题有所侧重，但那种对细节的极致考究，让我不禁联想到，即便是那些我熟悉的青花或五彩瓷器，其背后也隐藏着如此复杂而精妙的工艺基础。这本书的排版也做得极好，图文比例恰到好处，那些高清的细节图，即便是隔着屏幕看，也能捕捉到釉面上的橘皮纹和开片细微的变化，这种视觉上的享受，是阅读体验中不可或缺的一部分。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧和印刷质量绝对是顶级的，对于任何一个热爱中国传统艺术的收藏者来说，这都是值得放在书架上反复摩挲的珍品。我收藏了不少关于宋代瓷器的图录，但这本书在色彩还原度上做到了新的高度。有些极其微妙的颜色变化，比如那种雨过天青的微光泽，在其他出版物上总是显得过于呆板或过于饱和，而这本书里的插图，却能捕捉到那种光影变幻的微妙之处。这一点尤其重要，因为陶瓷的魅力很大程度上就体现在其表面的光影变化上。除了视觉享受，作者在选取范例时的“跨界”思维也值得称赞。它没有局限在某个窑口或某个时代，而是将不同地域、不同时期的优秀青瓷（或相关品类）进行横向对比，以突出某一种工艺的成熟与辉煌。这种宏观的比较视角，帮助我跳出了以往固有的地域偏见，认识到古代匠人的智慧是普适的，只是在不同的地域文化影响下，展现出不同的地域风貌。这本书的价值，在于它提供了一个高质量的视觉平台，让那些遥不可及的历史珍品，得以在眼前“重现”。

评分☆☆☆☆☆

这本书的叙事节奏把握得相当高明，它不像一般的考古报告那样将所有信息一股脑地倾泻出来，而是像一位经验丰富的导游，带着你一步步深入那个迷人的古代世界。我最初翻开它，是冲着那些关于早期青瓷研究的论文集去的，想找些新的理论支撑点。令我惊喜的是，它在论述技术瓶颈突破时，非常注重社会经济背景的铺垫。比如，书中用了相当大的篇幅去探讨宋代士大夫阶层对审美趣味的引导，是如何间接推动了制瓷技术的精进与转型。这种将艺术史、社会史和技术史融为一体的写法，使得原本可能枯燥的工艺流程介绍，变得鲜活立体起来。作者在对比不同地域窑址出土器物的差异时，那种严谨的考据和逻辑推演，让人信服力十足。我个人觉得，理解一件瓷器的价值，绝不仅仅是看它的釉色是否纯正，更要看它在那个特定的历史阶段，它所承载的文化信息和技术高度。这本书在这方面做得非常到位，它引导读者去思考“为什么”会出现这种风格的转变，而不是仅仅停留在“是什么”的表面描述上。

评分☆☆☆☆☆

这本书给我最大的感受是它在处理历史争议问题时的那种平衡和克制。在陶瓷史研究领域，由于实物稀缺和文献记载的模糊性，很多问题至今仍是悬而未决的争论焦点。作者在面对那些尚无定论的断代或归属问题时，没有草率地站队，而是将不同的主流观点清晰地呈现出来，并引用了最新的考古发现作为佐证，让读者自己去权衡。例如，在探讨某一种特殊纹饰的起源时，书中列举了三种不同的学说，并分析了每种说法的证据链条的长短。这种“存疑为真”的学术态度，极大地提高了这本书的可信度。它不是在强行给你灌输一个“标准答案”，而是在邀请你加入到这场跨越千年的探秘之旅中。对于一个资深爱好者来说，这种尊重知识、尊重历史的写作方式，比任何华丽的辞藻都更有吸引力。这本书更像是一部开放性的研究工具书，它提供了坚实的知识地基，鼓励读者在此基础上继续探索和思考。

评分☆☆☆☆☆

老实讲，当我看到这本书的篇幅时，我有些犹豫，生怕又是那种内容空泛、靠大量图片填充的“大部头”。然而，实际阅读后发现，它简直是一部资料的“压缩饼干”，信息密度高得惊人。尤其是关于古代的烧成温度和气氛控制的理论探讨，那些严密的物理化学分析，虽然对非专业人士来说可能有些晦涩，但作者显然是下了苦功去简化和解释的，使得我们这些偏向艺术鉴赏的读者也能领会其核心要义。我特别留意了其中对于“素烧”和“釉烧”阶段温控曲线的图示分析，这直接关系到成品率和最终的釉面质感。这本书的价值，在于它不避讳讨论那些烧制过程中遇到的巨大挑战和失败案例，这种坦诚的态度，恰恰体现了学术的深度。它不是在歌颂成就，而是在还原一个真实的、充满偶然与必然的创作过程。对我而言，这本书更像是一部精密的“技术手册”，即便我不会亲自去拉坯制器，但理解了背后的原理，在品鉴当代复古作品时，也能提出更具洞察力的问题。