艺术史研究.第17辑 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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中山大学艺术史研究中心 编

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• 艺术史论

出版社： 中山大学出版社

ISBN：9787306055910

版次：1

商品编码：11881365

包装：平装

开本：16开

出版时间：2015-12-01

用纸：轻型纸

页数：455

字数：546000

编辑推荐

　　本书是目前国内外很有影响的艺术史研究学术研究出版物之一。每年都汇集一批高水平的艺术史研究成果，集中讨论艺术史研究中的前沿课题，提供全新的艺术史研究资料，图片丰富且有很高学术价值，有力地推动艺术史研究的深入发展。全书用繁体排版，体例谨严，一直保持其良好的学术风格。为保持书中众多图像的利用价值，本书用纸考究、装帧精美，构图别具匠心，保持了良好的图书品味。

内容简介

　　本书主要集结了一组以“于阗与敦煌”为主题的中古艺术研究的重要论文，这是目前该领域的全新研究成果。北大荣新江教授对此以《于闐佛教圖像研究：新視角與新問題》一文作了综述，这组论文涵盖范围广、空间跨度大，所述均賸义纷呈，对相关课题的深入研究极具启发意义。其他如黄华强等对先秦青铜器几何纹饰的解读、许全胜对战国楚镇墓兽的全新解释，对旧说均有所发覆。陈秀慧对嘉祥东汉武荣祠隔梁图像的新释涉及到墓葬与礼仪艺术中的一些范式应用。另外，还有建筑艺术领域的《仿木建筑的“事神”意味——以稷山段氏家族墓及晋南金墓为中心》（吴垠），关于西方美术史方面的《Visualizing Fiorentinità: Francesco Salviati’s Portraits of Academicians》（黄小茵），倪志雲对唐畫家周昉生平事蹟的梳理，严晓星对水绘园藏程济遗琴拓本的考疑等论文均有可观之处。

目录

先秦时期青铜纹饰中的鳄鱼鳞甲纹 黄华强 黄华明 田红

楚镇墓兽新考 许全胜

嘉祥东汉武荣祠隔梁图像新释 陈秀慧

仿木建筑的“事神”意味

——以稷山段氏家族墓及晋南金墓为中心 吴 垠

于阗佛教图像研究：新视角与新问题 荣新江

飘带来自吉祥

——反映在古代于阗画中的祆教信仰符号 段 晴

毗沙门还是散脂：和田达玛沟托普鲁克墩1号遗址的一幅壁画新说*

富艾莉（Erika Forte）

天王与夜叉

——试释于阗引雁骑行人物的身份 张小刚

公元六至八世纪于阗佛教护法神系中的夜叉图像

——以达玛沟佛寺遗址画迹为中心的讨论 张惠民

和田达玛沟佛寺遗址出土千手千眼观音壁画的初步考察

——兼与敦煌的比较 姚崇新

西域行像与炽盛光佛巡行图 孟嗣徽

敦煌石窟中的万菩萨图 郭俊叶

引领时尚：敦煌壁画中女供养人之凤冠 陈菊霞

唐画家周昉生平事迹考 倪志云

水绘园藏程济遗琴拓本考疑及其他 严晓星

Visualizing Fiorentinità:

Francesco Salviati’s Portraits of Academicians HUANG Xiaoyin

书 评

景安宁《道教全真派宫观、造像与祖师》 耿纪朋

李启乐《帝国幻景：横贯图像边界在清宫》 詹镇鹏

前言/序言

好的，以下是为您构思的一份不包含《艺术史研究：第17辑》内容的图书简介，旨在详细介绍其他艺术史研究领域的精选内容。 --- 《跨越时空的凝视：全球艺术史的多元视野与前沿探索》 一部全面梳理全球艺术发展脉络，深度剖析特定艺术现象、理论建构与文化语境的学术力作。 图书简介： 本书集结了多位海内外知名学者在艺术史领域的最新研究成果，聚焦于对全球艺术图景进行细致入微的审视与宏大叙事的重构。它超越了传统中心主义的视角，致力于在不同文明的交汇点上，探寻艺术表达的普遍性与特殊性，为当代艺术史研究提供了一系列具有启发性的理论框架和扎实的个案分析。 本书共分为四大核心板块，每一部分都代表了当前艺术史研究中至关重要且充满活力的探索方向。 --- 第一部分：古典文明的再诠释与物质文化研究 本部分深入回溯了古代及古典艺术的精髓，重点关注物质遗存如何承载历史记忆与意识形态。 一、古希腊雕塑中的“完美”观念与身体政治学： 本章精选了数个重要雕塑群像（如帕特农神庙饰带、米洛的维纳斯）作为研究对象，不再满足于美学形式的赞颂，而是探讨古希腊社会如何通过对理想化人体的塑造，来构建和维护其公民身份、性别角色以及等级秩序。研究深入分析了不同时期（如古风、古典、希腊化）对“人体完美”标准的细微调整，揭示了这些调整背后复杂的政治与哲学动因。我们尤其关注雕塑材料（大理石、青铜）的选择与处理，如何影响了作品在公共空间中的展示效果与精神象征意义。 二、罗马帝国晚期的空间叙事与宗教转化： 侧重于公元三世纪至五世纪间，罗马艺术如何经历从异教信仰向早期基督教的过渡。通过对君士坦丁凯旋门、圣塞巴斯蒂安墓穴等遗迹的分析，本研究着重探讨了叙事模式的转变——从注重动态与历史的写实主义，转向强调等级、符号与永恒性的平面化表现。此外，对拜占庭时期早期镶嵌画中“光线”的运用进行了细致的图解分析，阐明了神性空间的建构逻辑。 三、早期中国陶瓷的“青与白”：技术革新与审美取向的互动： 聚焦于唐宋时期，特别是定窑和景德镇窑口的发展历程。本研究不仅仅罗列了技术进步（如釉料配方、烧制温度），更重要的是探讨了宋代文人阶层对“素雅”、“含蓄”审美的追求，是如何反向驱动了制瓷工艺向更精细、内敛的方向发展。对窑址出土的残片进行微观分析，以期重建当时工匠的操作流程和审美决策链。 --- 第二部分：文艺复兴至启蒙运动：图像学与社会史的交织 此板块致力于打破传统艺术史对“天才”画家的过度聚焦，将艺术创作置于其具体的社会、经济和知识生产环境中进行考察。 四、佛罗伦萨美第奇家族赞助体系的权力运作机制： 详尽考察了十四至十六世纪，美第奇家族如何通过对艺术的系统性投资，构建其政治合法性与社会声望的“文化资本”。研究不仅涉及委托合同的具体条款、艺术家的酬劳结构，还分析了赞助人对主题选择的干预程度，揭示了艺术品在宫廷、公共广场和宗教场所中的多重功能与身份标识作用。 五、十七世纪荷兰黄金时代静物画中的“虚空”（Vanitas）主题的经济学解读： 传统上对“虚空”主题的解读多停留在宗教警示层面，本章引入了当时新兴的商业模式和财富积累背景。研究者认为，对易逝物品（如鲜花、水果、钟表）的精细描绘，一方面体现了画家长期的技艺积累，另一方面也折射出新兴市民阶层对财富拥有后产生的不安感——即对“盛极而衰”的物质诱惑的复杂情感投射。 六、启蒙运动时期法国科学院与艺术规范的建立： 探讨了十七、十八世纪，法国艺术学院如何通过制定严格的等级制度（如历史画高于风俗画）和理论规范，来巩固其在艺术生产中的垄断地位。重点分析了学院派理论家如何引用古典原则来合理化其等级划分，以及这种规范对诸如革新派画家（如后来的大卫）产生的张力和影响。 --- 第三部分：现代性之辩：媒介转型与观念重塑 本部分关注十九世纪末至二十世纪中叶，工业革命、摄影术发明以及两次世界大战如何彻底颠覆了既有的艺术认知体系。 七、印象派对“瞬时性”光影的捕捉与都市时间性的重构： 深入分析了莫奈、雷诺阿等画家如何在巴黎城市现代化进程中，捕捉那些传统绘画难以表现的、流动的、非永恒的视觉经验。研究着重于分析户外写生（Plein Air）实践的技术性需求，以及由此引发的笔触和色彩处理方式对观众感官体验的直接影响。 八、立体主义的“多重视角”与非欧几里德几何学的对话： 本章超越了对立体主义形式分解的简单描述，转而考察其与当时物理学（如相对论的初步影响）和哲学思潮（如柏格森的时间观念）之间的深层联系。研究认为，立体主义的视觉语言是对传统单点透视体系的有效挑战，它在二维平面上尝试模拟一种超越经验认知的空间理解方式。 九、战后抽象表现主义中的“身体性”与“行动绘画”的仪式感： 探讨了波洛克、德·库宁等人在二战后美国文化背景下，如何将绘画行为本身提升为一种面对存在主义焦虑的“在场证明”。重点分析了滴洒、泼溅等技术如何消弭了传统意义上的“构图”概念，使画布成为艺术家身体能量耗散与释放的记录场域。 --- 第四部分：当代艺术的全球化视野与跨学科研究 本部分聚焦于当代艺术实践，关注全球南方艺术家的声音、新媒介的应用以及艺术本体论的持续延展。 十、后殖民语境下，非西方艺术家的“身份挪用”策略： 以爱德华·萨义德的文化理论为基础，分析了来自非洲、拉丁美洲及亚洲的艺术家如何有意识地“挪用”或“解构”西方博物馆和殖民历史中对自身文化符号的刻板描绘。研究关注他们在当代艺术展场中，如何通过这种策略进行文化反击和主体性的再确认。 十一、装置艺术中的“观众参与”与“临场性”的伦理考量： 考察了二十世纪八十年代至今，强调观众身体进入和互动体验的装置艺术（如环境艺术、体验式艺术）。本章探讨了当艺术品不再是“被观看的客体”而是“被经历的过程”时，艺术家在作品寿命、可复制性以及对观众情绪的干预程度上所应承担的伦理责任。 十二、数字媒介革命对“原作”概念的后现代消解： 分析了从早期录像艺术到当代基于算法和生成艺术（Generative Art）的发展脉络。重点讨论了在媒介可以被无限复制、修改和实时生成的情况下，传统艺术史赖以成立的“原创性”、“作者权”和“物质性”等核心概念如何面临瓦解，并提出了适应数字时代的新型艺术品鉴赏标准。 --- 结语： 本书不仅仅是一部艺术作品的汇编，更是一场思想的交锋。它提供了一个全面且深入的视角，邀请读者以批判性的眼光，重新审视人类文明长河中那些决定性的艺术瞬间，并积极参与到正在发生的艺术史对话之中。无论您是专业研究者、艺术院校师生，还是对全球文化探索抱有热忱的读者，都将从中获得丰厚的学术滋养与全新的思想启发。

评分☆☆☆☆☆

整本辑刊最难能可贵的一点，是它并未将“艺术史”视为一个孤立的学科，而是积极地与其他领域进行跨学科的对话。比如其中一篇关于摄影在人类学田野调查中的伦理困境的文章，就巧妙地融合了视觉人类学、伦理学和媒介批评的观点。作者没有给出简单的对错判断，而是梳理了从19世纪末至今，研究者在记录“他者”文化时所经历的立场变迁与自我反思。他引用的案例既有经典的殖民时期民族志照片，也有当代艺术家对“被拍摄”对象的再介入作品，观点犀利而富有同理心。读完后，我对于如何观看和使用图像的责任感油然而生，这本书不仅是知识的输入，更像是一次对研究者自身立场和方法论的严肃审视，促使我必须以更加审慎、更加谦卑的态度去面对浩瀚的艺术与历史文本。

评分☆☆☆☆☆

这本书的书脊上印着“艺术史研究.第17辑”，拿到手里沉甸甸的，封面设计简洁而富有现代感，那种深沉的墨绿色调让人联想到陈年的档案和深邃的历史。我迫不及待地翻开目录，发现里面的内容跨度极大，从早期文艺复兴时期佛罗伦萨的绘画技法探讨，到二战后美国抽象表现主义对社会心理的投射，再到当代数字媒体艺术的媒介本体论反思，仿佛这是一趟横跨数个世纪、穿越不同文化语境的智力漫游。尤其让我眼前一亮的是其中一篇关于“巴洛克时期欧洲宫廷室内装饰中的权力象征与感官操纵”的论述，作者似乎对当时贵族阶层如何通过视觉和触觉的双重策略来构建其统治合法性进行了细致入微的文本挖掘和图像解读，引用了大量一手档案材料，逻辑严谨，论据扎实，读起来酣畅淋漓，完全没有一般学术论文那种晦涩难懂的弊病，反而充满了叙事的张力和批判性的思辨光芒。这本辑刊不仅仅是知识的堆砌，更像是一系列精心策划的学术对话，每一次翻页都能带来新的启发，让我对那些习以为常的艺术现象产生全新的审视角度。

评分☆☆☆☆☆

这份辑刊的文本密度相当高，但阅读体验却出乎意料地流畅，这大概是编辑团队高超的掌控力所致。其中一篇关于东方主义在19世纪英国风景画中的隐性再现机制的分析，尤为精彩。它没有停留在对题材的简单梳理，而是深入剖析了殖民心态如何潜移默化地渗透到光影的捕捉和构图的安排之中，那些被描绘的“异域风光”实则服务于欧洲中心主义的自我确认。作者运用后殖民理论的视角，对几幅著名的水彩画进行了近乎“解剖式”的解读，指出那些看似田园牧歌的场景背后，隐藏着对被观看对象的彻底物化和审美霸权。这种将艺术史置于宏大社会结构和政治权力运作下的研究路径，极大地拓宽了我对“观看”这一行为的理解，让我意识到，即便是最纯粹的审美活动，也难以摆脱历史的泥淖和意识形态的纠缠。我感觉自己仿佛成为了一名历史侦探，在层层叠叠的颜料和画框背后，追寻着那些被有意无意遮蔽的权力之手。

评分☆☆☆☆☆

不同于市面上许多流于表面的艺术评论集，这第十七辑的学术水准是毋庸置疑的，它所展现出的那种对研究对象细致入微的“在场感”令人印象深刻。有一篇关于20世纪初德国表现主义电影美术设计的文章，作者似乎亲身走进了那个时代的制片厂，详细描述了布景师如何利用夸张的几何形态和非自然的光线来表达人物内心的焦虑与疏离。他不是简单地罗列了魏玛时期电影的经典片段，而是通过对特定道具、材质选择和空间布局的分析，重建了那个时代特有的心理景观。读到此处，我仿佛能听到默片时代背景音乐的低沉轰鸣，感受到银幕上人物扭曲的身影在光影交错中挣扎的无助感。这种深入到技术层面和心理层面的双向挖掘，使得原本抽象的“表现主义精神”变得触手可及，极大地提升了对那个艺术流派的理解深度，让我领略到形式如何直接承载和表达时代情绪。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧和排版也体现出一种对学术严谨性的尊重，高质量的插图清晰度极高，色彩还原度也相当不错，这对研究图像学和视觉分析的读者来说简直是福音。我特别欣赏其中关于中世纪手抄本插图与文本语义学关系的研究。文章没有止步于对装饰母题的识别，而是探讨了微观的边饰图案如何与主体文本形成一种互文的叙事关系，甚至是某种“潜文本”的补充或修正。作者巧妙地利用数字化工具对图案的重复率和分布进行了量化分析，并将其与修道院的赞助人背景相结合，推导出一种关于信息控制和知识传播策略的结论。这种将古典文本分析与现代量化研究方法相结合的尝试，不仅令人耳目一新，也为传统人文学科的未来发展提供了一种可行的路径参考，让人对“冷门”研究领域也能燃起浓厚的兴趣。