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[美] 亨利·霍伦斯坦，艾莉森·卡罗尔著，王迎，侯东涛译

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出版社：中国摄影出版社

ISBN：9787517900269

版次：1

商品编码：11449218

包装：平装

开本：16开

出版时间：2014-01-01

用纸：铜版纸

页数：236

字数：280000

正文语种：中文

具体描述

编辑推荐

　　《数码摄影基础》是同类书籍中出色的，是一本内容全面、有用的操作指南。这本参考书的表述清晰易懂，无论对正在由胶片相机向数码相机转型的摄影师，还是对初识摄影艺术的新手都不可或缺。

内容简介

　　30年来，亨利·霍伦斯坦先生一直是美国享有盛誉的摄影教授之一，他的经典著作《全新黑白摄影教程》《彩色摄影教程》和《高级摄影进阶》均已成为美国相关院校的教科书。霍伦斯坦先生这次又为我们编著了这本内容全面具体、可操作性强的《数码摄影基础》，以帮助摄影爱好者更好地拍摄数码照片。
　　《数码摄影基础》按照当今的数码摄影流程设计了全面而循序渐进的课程。当你阅读这本《数码摄影基础》时，既能学到曝光控制、快门选择、布光等基础知识，又能了解数码照片编辑、打印和存储的方法。同时，本书还选登了著名摄影师和国际知名艺术家的摄影作品，并配合讲解文字，讨论了摄影技巧。全书的教学专栏和小贴土等多配有插图和示例，以便读者理解。
　　《数码摄影基础》是同类书籍中出色的，是一本内容全面、有用的操作指南。这本参考书的表述清晰易懂，无论对正在由胶片相机向数码相机转型的摄影师，还是对初识摄影艺术的新手都不可或缺。

作者简介

　　亨利·霍伦斯坦，自19世纪70年代以来，一直从事摄影、教学和写作工作。他曾在芝加哥大学学习历史专业，后又在罗德岛设计学院师从传奇摄影师哈里·卡拉汉和亚伦·西斯金德，并获得美学学士及硕士学位。霍伦斯坦的摄影作品在国际上被广泛收藏和展览。他出版过30多部专著，其中包括享有盛誉的《全新黑白摄影教程》一书。该书目前被数十万所大学、学院、高中和艺术学校用作摄影专业的教科书。
　　他还发行了数本摄影作品集，包括《秀》《乡村音乐肖像》《动物界》《亲密关系》等。霍伦斯坦居住在波士顿，是罗德岛艺术学院的摄影专业教授。浏览www.horenstein.com，可以看到他的更多作品。

内页插图

前言/序言

《光影的叙事：现代视觉艺术的探索》本书并非一本关于相机操作或技术参数的指南，而是一次深入现代视觉艺术世界的漫游。我们将抛开冰冷的按钮和数据，聚焦于构成摄影、绘画、电影乃至数字艺术等一切视觉表达形式的精髓——光影的运用及其所承载的叙事力量。第一章：光影的语言——形式与情感的对话在这一章，我们将揭示光影并非仅仅是物体被照亮的部分与阴影的对比，它更是艺术家手中至关重要的“画笔”。通过解析经典艺术作品和现代视觉案例，我们会深入探讨：明暗对比的魔力：从卡拉瓦乔戏剧性的明暗对比，到戈雅笔下笼罩着神秘色彩的人物，我们学习如何利用光线的强弱、方向来塑造体积感、引导视线，以及营造出不同的情绪基调。柔和的漫射光如何带来宁静与和谐？锐利的光线又如何突显紧张与冲突？色彩与光线的交织：光线是色彩得以显现的媒介。我们将分析不同色温的光线如何影响我们对色彩的感知，以及艺术家如何通过操控光线来增强或改变色彩的情感表达。冷暖色调在光影下的微妙变化，将如何影响画面的整体氛围？阴影的叙事性：阴影并非留白，而是叙事的强大工具。它能隐藏信息，制造悬念，暗示人物内心的波动，甚至成为独立的视觉元素。我们会研究那些巧妙运用阴影来丰富画面层次、引导观众想象的作品。第二章：构图的诗学——空间、秩序与节奏构图是视觉作品的骨架，是艺术家组织画面元素、传达思想的蓝图。本章将带领我们探索构成一幅引人入胜画面的艺术法则：黄金分割与三分法的奥秘：这些古老而经典的构图原则，如何在现代艺术中被创新性地运用？我们将通过大量实例，理解如何利用这些几何比例来创造视觉上的和谐与吸引力。线条的力量：水平线、垂直线、对角线、曲线——不同的线条传递着不同的信息和情感。我们会分析线条如何引导视线，划分空间，创造动感或稳定感。形状、纹理与负空间：画面中的实体形状固然重要，而“负空间”（即留白）同样具有强大的表现力。我们将探讨如何有效地利用形状、纹理以及负空间来增强画面的深度、简洁性和视觉冲击力。对称与不对称的平衡：对称带来的庄重与秩序，不对称产生的活力与变化，如何在不同的艺术风格中达到微妙的平衡？第三章：叙事的维度——时间、空间与人物的刻画视觉艺术的核心在于讲述故事，即使是一幅静态的画面，也蕴含着时间的流淌与情感的张力。本章将深入探讨艺术家如何通过光影、构图以及对细节的把握，来构建引人入胜的叙事：瞬间的定格与永恒的凝视：摄影捕捉瞬间，绘画描绘永恒。我们将分析艺术家如何选择一个关键的瞬间，来揭示更深层次的故事。同时，我们也会探讨如何通过意境的营造，让画面超越时空，产生超越短暂瞬间的生命力。空间的构建与情感的映射：画面中的空间并非仅仅是物理距离的呈现，更是情感的容器。无论是拥挤压抑的室内，还是广阔无垠的自然，空间的设计都直接影响着观众的情绪。人物的内心世界：眼神、姿态、表情，每一个细微之处都承载着人物的性格与故事。我们将学习如何通过对人物细节的刻画，来展现其内心的复杂与情感的起伏，让观众能够与之产生共鸣。象征与隐喻：艺术作品往往不仅仅是表面的描绘，更是通过象征和隐喻来传递更深层次的意义。我们会分析艺术家如何巧妙地运用色彩、物体、光影等元素，来构建多层次的叙事。第四章：现代视觉语汇的革新——从传统到数字的边界随着科技的发展，视觉艺术的形式和媒介发生了翻天覆地的变化。本章将探讨传统视觉艺术如何影响现代数字艺术，以及数字技术如何拓展了视觉叙事的边界：古典技法的传承与演变：油画的厚重肌理、水彩的透明灵动，这些传统的绘画技法在数字绘画中如何得到新的诠释？电影语言的解析：镜头运动、剪辑节奏、场景设计，电影作为一种综合性的视觉艺术，其叙事手法对其他视觉形式产生了深远影响。数字艺术的无限可能：从三维建模到虚拟现实，数字技术为艺术家提供了前所未有的创作工具和表达方式。我们将探索这些新的媒介如何重塑我们对视觉叙事的理解。跨媒介的融合与创新：传统艺术与数字技术的结合，产生了许多令人惊叹的跨界作品。我们将关注那些在不同媒介之间游走，创造出独特视觉体验的艺术家和作品。第五章：观者的感知与解读——视觉体验的心理学艺术的价值最终体现在观者的感知与解读之中。本章将从心理学的角度，探讨我们如何观看、理解和感受视觉艺术作品：知觉与认知：大脑如何处理视觉信息？我们为何会对某些图像产生特别的反应？情感共鸣的机制：艺术作品是如何触动我们的情感？是色彩？是故事？还是艺术家传递的情感能量？文化背景的影响：我们的成长环境、文化背景，如何影响我们对艺术作品的理解和评价？积极的观赏体验：如何才能更深入地欣赏一件艺术作品？我们如何培养自己敏锐的视觉感知能力，从而更好地与艺术进行对话？结语：视觉艺术的永恒魅力《光影的叙事：现代视觉艺术的探索》并非一本“速成”手册，而是一次邀请您深入思考、细致观察的旅程。我们希望通过本书，您能摆脱技术束缚，以全新的视角去感受光影的魅力，理解构图的精妙，洞察叙事的深度，并最终在现代视觉艺术的广阔天地中，找到属于自己的理解与感动。无论您是初涉艺术领域的爱好者，还是寻求灵感与突破的创作者，都能在这趟视觉探索之旅中，收获满满。

用户评价

评分☆☆☆☆☆

这本书的阅读体验出乎意料地“安静”。这里的“安静”指的是它没有那种咄咄逼人的技术推销感，也没有过分夸大的“你也能成为大师”的口号。它采取了一种近乎冥想式的叙事风格，用散文的笔触来引导读者进入摄影的世界。尤其是在讨论“构图”的那一章，它没有局限于传统的“三分法”或“黄金分割”，而是引入了东方美学中的“留白”和“不对称平衡”的概念，将构图提升到哲学思辨的高度。我发现自己读完这一部分后，看世界的方式都变了，不再是机械地寻找水平线和垂直线，而是更关注画面中元素之间的张力和呼吸感。书中收录的样片质量非常高，但它们的选择标准似乎不是为了炫耀技术，而是为了印证作者刚刚阐述的理论点。比如，讲到“视角的力量”时，配图几乎都是非常规的低角度或高角度拍摄，这些照片本身就是最有力的论据。我非常欣赏作者在行文中表现出的那种对光影、对世界细微差别的敏锐捕捉能力，这种潜移默化的影响，比死记硬背参数更有用。它像一位经验丰富的老友，在你耳边轻声细语地分享他的观察秘诀。

评分☆☆☆☆☆

我对摄影的历史和发展脉络一直比较感兴趣，但很多基础教材往往将历史部分处理得非常草率，仅仅是提一下几个标志性人物的名字。然而，这本书在开篇就用一种非常引人入胜的方式，勾勒了从达盖尔时代到数码时代的演变，但它重点突出的不是机器的迭代，而是“人类感知方式”的变迁。作者巧妙地将技术进步与艺术思潮联系起来，比如他论述了早期胶片对色彩还原的限制，如何反过来促使早期摄影师更加依赖光影和线条来构建画面。书中对“黑白摄影的本质”的探讨尤其精彩，它没有将黑白视为一种“缺少色彩”的状态，而是将其定义为一种“纯粹的视觉语言”，完全剥离了色彩的干扰，专注于光影的对比度和形式结构。这种深度解析让我对过去的一些经典黑白大师的作品有了全新的认识。此外，它还提供了一个非常实用的“器材维护清单”，非常细致，涵盖了从传感器清洁到电池保养的方方面面，对于刚刚投入器材的“小白”来说，是避免长期损失的宝贵财富。这本书的视野，远超“基础”二字所能概括的范畴，它提供的是一个更宏大、更具历史纵深的视角。

评分☆☆☆☆☆

我最近在学习过程中遇到一个瓶颈，就是总觉得自己的照片“干巴巴的”，缺乏故事性。市面上很多入门书只会教你如何把焦点对准主体，如何曝光准确，但对于如何赋予画面情感，却避而不谈。这本书在这方面做了非常出色的弥补。它用很大篇幅讨论了“题材的选择与深入挖掘”，鼓励读者从自己熟悉的生活环境和个人情感出发去进行拍摄。比如，它会引导你思考“你对‘家’的定义是什么？”，然后教你如何用镜头去表达这种定义，而不是仅仅拍一张房子的照片。书中对“情绪色彩”的调校建议非常实用，它不是教你套用滤镜，而是告诉你如何通过调整饱和度、色相和明度，来强化你想要传达的主题——是怀旧的暖黄，还是疏离的冷蓝。我特别喜欢它介绍的“三步法”后期流程，这个流程非常结构化，从基础的曝光调整，到中级的色彩平衡，再到最后的锐化和纹理处理，每一步都有明确的目的性，避免了后期软件中功能泛滥带来的迷失感。这本书让我意识到，摄影的核心是“表达意图”，技术只是实现意图的工具，这个转变对我来说至关重要。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我对这种“基础”读物向来是持保留态度的，因为市面上太多此类书籍只是简单地罗列功能键和菜单选项，读完后除了知道快门速度和ISO是什么之外，对拍出“好看”的照片毫无帮助。但这本书的独特之处在于，它把“基础”定义得非常广阔，涵盖了从器材的选择与保养，到后期处理的基本逻辑，甚至还花了一章的篇幅探讨了摄影师的“职业道德”和如何建立个人风格。我最喜欢它对“白平衡”的处理，它没有简单地教你如何选择“晴天”或“阴影”预设，而是深入剖析了不同光源下色彩的物理特性，并鼓励读者去“玩弄”色温，创造出超乎寻常的氛围感。书中的图文排版非常用心，大量留白的设计让阅读过程丝毫没有压迫感，那些技术图示也都是矢量化的，清晰锐利。虽然是基础读物，但它对“用光”的探讨绝不肤浅，它细致地拆解了硬光与柔光的区别，并提供了在有限条件下（比如室内一盏台灯）模拟专业布光效果的DIY技巧。这本书的价值在于，它不仅仅告诉你“怎么做”，更重要的是告诉你“为什么这么做”，这种底层逻辑的建立，才是真正意义上的“基础打牢”。

评分☆☆☆☆☆

这本摄影书的封面设计得很有现代感，那种深沉的黑色背景配上几张精心挑选的、高对比度的街头抓拍作品，立刻就能抓住眼球。我原本以为它会像我以前看过的那些教材一样，上来就是一堆枯燥的曝光三角理论和镜头焦距的死板定义，结果翻开目录，发现它居然用了“光影的秘密语言”和“色彩的情绪光谱”这种更具文学性的标题来包装那些技术内容。阅读体验非常流畅，作者似乎非常擅长把复杂的概念比喻成日常生活中能理解的事物。比如讲到景深控制时，他没有直接抛出光圈数值的计算公式，而是用“像电影导演调度前景和背景”这种生动的描述来解释虚化效果是如何营造空间层次感的。我尤其欣赏它对“瞬间决定性”的强调，书中用了大量的篇幅去探讨如何预判和捕捉那些稍纵即逝的场景，这对于我这种总是慢半拍的初学者来说，简直是醍醐灌顶。书中的案例图片虽然没有标注详细的参数，但每一张都配有作者详尽的“心路历程”分析，让你知道他按下快门前都在思考什么，这种从“技术操作”到“艺术构思”的过渡，处理得非常自然和巧妙。总的来说，它更像一本摄影艺术的入门指南，而非冰冷的工具手册，让人读完后立刻就想拿起相机去实践，而不是仅仅停留在知识的积累层面。

评分☆☆☆☆☆

太基础了，很一般的书

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