中国美术史/全国普通高等院校美术学专业示范教材 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

李豫闽，王玉芳，王菡薇，徐东树 编

图书标签:

• 中国美术史
• 美术史
• 艺术史
• 高等教育
• 教材
• 美术学
• 中国艺术
• 艺术理论
• 文化艺术
• 示范教材

出版社： 南京师范大学出版社

ISBN：9787565114175

版次：1

商品编码：11612137

包装：平装

丛书名： 全国普通高等院校美术学专业示范教材

开本：16开

出版时间：2014-07-01

用纸：胶版纸

页数：254

正文语种：中文

内容简介

　　《中国美术史/全国普通高等院校美术学专业示范教材》叙述风格上，坚持在知识无误的前提下，允许对美术史有适当的评析与阐释。
　　每位编写者各有专长，他们结合长期的研究与教学的心得，对美术史的发展脉络与客观知识有一些自己的理解与阐释，以期提供比一般的简要美术通史更为深入的内容，也因此采纳了一些新的研究成果，以增加内容深度。同时保留了不同作者的写作风格，适当尊重编写者对美术史的差异性理解。如明清一段的“从‘扬州八怪’到海上画派”，虽然篇幅不长，却从画家组织方式、创作风格、创作内涵与功能三个层面剖析了二者的差异与演进。近代一段写“中西融合”这一线索，简要追溯至明末的“西画初渐”，而不局限于晚清，以此保证线索的完整性。

目录

总序
前言
第一章 早期生活与礼仪美术：史前至殷商
第一节 美术的萌芽
第二节 早期制陶工艺
第三节 早期玉石
第四节 夏商青铜器
第二章 宗法制的礼仪美术：周至汉
第一节 宗法制度及其礼教艺术
第二节 周朝青铜器
第三节 周朝玉器
第四节 秦汉雕塑
第五节 楚汉漆器
第六节 汉代绘画
第三章 士族与宗教的美术：魏晋南北朝
第一节 书画的自觉——魏晋美术
第二节 “传神”与“六法”影响下的南朝美术
第三节 北朝佛教美术的兴盛
第四章 士大夫文人的美术：隋唐至宋元
第一节 宫廷士大夫及其绘画
第二节 水墨画的成熟与兴盛
第三节 文人绘画的观念与“墨戏”
第四节 文人失路与元代山水画
第五节 绘画史鉴的开创
第六节 士大夫文人书法艺术的再度
辉煌
第七节 中国化的佛教美术
第五章 市民文人的美术：明清
第一节 明清绘画流派与市民趣味
第二节 明代宫廷绘画与浙派
第三节 吴门画派的世俗文人趣味
第四节 晚明绘画潮流
第五节 “四王”与雅正画风
第六节 “四僧”与野逸画风
第七节 清代金石学与书法
第八节 从“扬州八怪”到海上画派
第九节 明清书画鉴藏与艺术市场
第十节 明清园林与生活器物
第六章 变革与开放的美术：晚清以来
第一节 晚清变局与“美术革命”
第二节 中西融合
第三节 对传统的发展
第四节 为民众的、为政治的美术
第五节 先锋探索与当代美术

精彩书摘

　　《中国美术史/全国普通高等院校美术学专业示范教材》：
　　距今一万年到八千年期间，世界上许多地方都出现了陶器。陶器的发明，揭开了人类利用自然、改造自然的新篇章，是新石器时代文化开始的一种标志。在这之前，人类对自然材料的工艺加工，只是改变其外在形状，而制陶则通过火的应用，使泥土改变其内在性质，形成一种崭新的生活器皿。陶器的出现，不只满足了人们物质生活的实用需求，而且体现了对美的追求。
　　中华民族是世界上最早掌握制陶技术的民族之一，在《佚周书》中，就有“神农耕而陶”的记载。陶器的产生与农耕的出现是紧密相关的。农业生产的发展，使人们开始了定居生活，从而为人们从事原始手工制品、陶器制作提供了有利的条件。陶器最初始于何时，至今尚不清楚。我国现存最早的陶器残片出土于南方地区的一些洞穴遗址中，根据碳—14测定，其年代距今9000～10000年左右。
　　陶器不同于岩画、洞窟艺术、人体装饰等史前艺术，它与先民的日常生活和日常情感有着更为密切的关系，既是日用品，又是艺术品：既有实用价值，又有审美价值，是最早将实用功能与艺术功能较完美结合的器物类型。根据现有的考古资料发现，陶器的发明可以说是日常生活的现实需要。当时陶器广泛用作饮食器具，如取水器（尖底瓶等）、贮水器（各种坛、瓮、罐等）、炊烹器（釜等）、饮食器（豆、杯、爵、觞、盘等）、贮藏器（缸、坛、瓮、罐等）等，使人们的生活发生了质的变化。但是当时社会生产力水平低下、环境恶劣，陶器还是仅被作为一种力所能及的生产工具，其中使用最多的当属陶鱼漂和陶纺轮。由于质地较脆，陶器作为生产工具的现象并不是很广泛。
　　……

中国美术史：一部波澜壮阔的民族艺术史诗 这部《中国美术史》并非仅仅是一部枯燥的史料堆砌，它是一幅徐徐展开的波澜壮阔的民族艺术史诗，一次穿越千年时空的思想与情感的对话。它带领我们走进中华文明的腹地，去感受那些用笔墨、色彩、雕塑、建筑所凝结的智慧、情感与审美追求。从远古先民的质朴涂鸦，到新中国蓬勃发展的新气象，每一个时代都留下了独特的艺术印记，共同谱写了中华民族璀璨的文化篇章。 一、 远古的回响：文明的曙光与初萌的艺术 我们的旅程始于遥远的史前时代。那时，人类的生存尚且艰难，但创造的火花却已在他们的心中点燃。那些刻画在岩壁上的动物、狩猎的场景，是先民们对自然的敬畏与对生命的赞颂。无论是早期陶器的几何纹饰，还是玉器的神秘符号，都透露出一种质朴而强大的生命力。这些粗犷而充满力量的艺术品，是中华文明最早的萌芽，也是我们探寻民族艺术基因的起点。它们不仅仅是简单的实用器物，更是先民们精神世界的物化体现，蕴含着对宇宙、对生命最原始的理解与想象。 二、 宗周气象：青铜时代的辉煌与礼乐的秩序 进入夏商周，尤其是西周时期，中国美术史迎来了第一个辉煌的时期——青铜时代。那个时代，高耸的礼器、精美的酒器，以其雄浑的造型、神秘的纹饰，展现了王权至上的礼乐制度。青铜器的纹饰，从龙纹、饕餮纹到各种动物纹，无不透露出一种庄重、威严的气息，它们承载着祭祀天地、沟通神灵的重任，也彰显着统治者的权力与地位。这些青铜器，不仅是技术的高度发展，更是当时社会意识形态的集中体现。它们告诉我们，艺术与权力、宗教、哲学是如何紧密地交织在一起，共同塑造了早期中国的精神面貌。 三、 春秋战国的风云：百家争鸣与多元审美的勃兴 春秋战国时期，社会剧烈动荡，思想空前活跃，“百家争鸣”的局面也带来了艺术上的多元化。诸侯争霸，各国都有其独特的艺术风格。楚国的漆器、丝织品，以其瑰丽的色彩和浪漫的想象力，充满了南方温润的气息。战国铜器上的宴乐、狩猎场面，生动地展现了世俗生活的丰富多彩。此时的艺术，开始摆脱纯粹的宗教祭祀色彩，更多地关注现实生活，表现人物情感，为后世的写实主义艺术奠定了基础。这种多元的审美取向，为中国艺术注入了新的活力，也预示着更加开放与包容的艺术发展方向。 四、 秦汉帝国的雄浑：统一与恢弘的艺术气象 秦汉时期，中国历史上第一个大一统的帝国建立，随之而来的是艺术上的宏大叙事和雄浑气象。秦始皇陵兵马俑，以其巨大的规模、逼真的造型，展现了帝国军队的强大军威，也体现了秦朝工匠的精湛技艺。汉代的画像石、画像砖，则以粗犷有力的线条，描绘了历史故事、神话传说、日常生活，充满了朴拙的生命力。丝绸之路的开通，也带来了域外艺术的影响，为汉代艺术注入了新的元素。汉代艺术的特点，在于其叙事性、写实性以及对国家统一和民族精神的赞颂。它们以恢弘的气势，歌颂着帝国的伟大，也展现了人民积极向上的精神面貌。 五、 魏晋南北朝的空灵：佛教的传入与玄学的东渐 魏晋南北朝时期，社会动荡，却也是思想文化空前繁荣的时期。佛教的传入，为中国艺术带来了全新的题材和表现手法。敦煌莫高窟、云冈石窟、龙门石窟等佛教艺术的杰出代表，以其精美的壁画、雕塑，展现了佛陀的慈悲与庄严，也体现了中西文化的交融。同时，“玄学”的兴起，也影响了文人的审美情趣，追求“魏晋风度”，艺术上追求飘逸、空灵、写意的美学风格。艺术家们开始注重表现人物的内心世界，追求精神的自由与超脱。这个时期的艺术，是对生命、对精神世界的深刻探索，展现了一种与外在形式同样重要的内在精神之美。 六、 隋唐盛世的辉煌：开放、多元与气势磅礴 隋唐盛世，是中国历史上最为辉煌的时期之一，其艺术也达到了前所未有的高度。此时的艺术，呈现出开放、多元、气势磅礴的特点。长安城成为国际化大都市，吸引了来自世界各地的艺术家和文化。绘画上，人物画、山水画、花鸟画都取得了巨大的成就，如阎立本的《步辇图》、吴道子的《天王送皇大圣归西》等，都展现了高超的写实技巧和磅礴的气势。书法上，欧阳询、虞世南、褚遂良、薛稷等“初唐四家”，颜真卿、柳公权等“颜筋柳骨”，共同开创了辉煌的书法艺术。雕塑艺术，如唐三彩，色彩鲜艳，造型生动。唐代艺术的特点，在于其博大精深、气势恢宏、色彩绚丽，充分体现了大唐盛世的自信与开放。 七、 宋代雅集：理性、内敛与意境深远 宋代，中国美术史进入了一个更加理性、内敛的时期。文人阶层崛起，深刻影响了艺术的发展。宋代绘画，尤其是山水画，达到了新的高峰。范宽的《溪山行旅图》、郭熙的《早春图》等，以其精妙的构图、细腻的笔触、深远的意境，展现了人与自然的和谐统一。花鸟画也更加注重写实，捕捉物象的生动神韵。书法上，宋徽宗的“瘦金体”独树一帜，苏轼、黄庭坚、米芾等书家，也都在继承传统的基础上，展现了个人的独特风格。宋代艺术的特点，在于其精雅、细腻、注重意境，体现了士大夫阶层的审美情趣，也反映了社会文化内涵的深化。 八、 元明清的转型与传承：民族融合与世俗化倾向 元代，蒙古族的统治带来了新的文化元素，但也保留了汉族绘画的传统。赵孟頫等书画家，在继承宋代雅致风格的同时，也融入了新的时代特色。明清时期，中国美术进入了一个新的发展阶段。绘画上，文徵明、唐寅、仇英等“明四家”，以及沈周等，延续了文人画的传统，并在技法和题材上有所创新。水墨写意画蓬勃发展，成为主流。同时，职业画家的活动也日益活跃，宫廷绘画、民间绘画也各具特色。书法上，祝允明、王铎等，在继承晋唐宋元传统的基础上，展现了新的时代精神。雕塑、陶瓷、戏曲等艺术形式也得到了长足发展，并呈现出更加世俗化、生活化的倾向。这个时期的艺术，既有对传统技法的精深钻研，也反映了社会生活的多样化和人民群众丰富的精神需求。 九、 近现代的变革与融合：东西方艺术的碰撞与新生 进入近现代，中国美术经历了前所未有的变革与挑战。西方的艺术思潮和技法传入，与中国传统艺术发生了激烈的碰撞与融合。油画、素描、版画等新的艺术形式被引入，也催生了一批具有时代精神的艺术家。徐悲鸿、刘海粟、林风眠等，在学习西方艺术的同时，也积极探索中国艺术的现代化之路。他们将写实主义、表现主义等西方艺术理念融入中国画的创作，为中国美术的发展注入了新的活力。抗日战争和新中国成立后，艺术更是承担起了记录历史、宣传思想、凝聚人心的重要使命。现实主义创作占据主导地位，涌现出大批反映时代风貌、人民生活的优秀作品。 十、 当代的多元与创新：走向世界的中国艺术 当代中国美术，在继承传统、吸收外来的基础上，呈现出更加多元、开放、创新的格局。油画、国画、版画、雕塑、装置、影像等各种艺术形式百花齐放。艺术家们关注现实生活，探索个体生命经验，也积极参与国际艺术交流，让中国艺术走向世界。从抽象艺术到观念艺术，从写实主义到后现代主义，当代中国艺术家们以其独特的视角和创新的思维，不断拓展着中国艺术的边界。 这部《中国美术史》就像一把钥匙，它打开了通往中华民族艺术宝库的大门。在这里，我们不仅能欣赏到精美的艺术品，更能从中解读出中华民族的文化基因、审美情趣、哲学思想以及历史变迁。它是一部关于美的史书，也是一部关于人的史书，一部关于文明的史书。翻开它，您将与千古的艺术大师进行跨越时空的对话，感受中华文明源远流长的魅力与活力。

评分☆☆☆☆☆

这本书给我的感受是，它不仅仅是关于“中国美术史”的陈述，更是一次与中国古代艺术家进行跨越时空的对话。书中在描述那些历史悠久的艺术作品时，常常会引用当时的文人笔记、诗词歌赋，甚至是画家的题跋，仿佛能听到古人创作时的心声，感受到他们寄托在作品中的情感和思想。这种“情境化”的叙述方式，让冰冷的艺术史瞬间变得鲜活起来。我尤其喜欢书中对于陶瓷艺术的论述，从新石器时代的彩陶，到商周的青铜与陶器，再到唐代的唐三彩，宋代的官窑汝窑，元青花的繁盛，明清的珐琅彩，每一件器物都仿佛在诉说着一个时代的故事，凝聚着古代劳动人民的智慧和汗水。书中对于这些陶瓷作品的介绍，不仅关注其艺术形态，更深入探究了其工艺流程、烧造技术以及在历史上的流通与影响，让我对中国古代的物质文明有了更深的敬意。这本书的阅读过程，就像在博物馆里漫步，每一步都充满了惊喜和发现。

评分☆☆☆☆☆

这本书的编纂质量真的非常令人印象深刻。作为一本“示范教材”，它在内容的选择和结构的安排上都体现了极高的专业性和前瞻性。不仅仅是罗列历史上的名家名作，更重要的是它能够将中国美术置于宏大的历史文化背景之下进行考察，分析艺术作品如何与当时的社会制度、哲学思想、宗教信仰等相互影响、相互塑造。这种宏观的视角，让我不再孤立地看待一件件艺术品，而是能够理解它们产生的土壤和历史意义。而且，教材在介绍过程中，对于一些重要的艺术概念，如“气韵生动”、“笔精墨妙”、“意境”等，都做了非常清晰的阐释，让我这个非美术专业的读者也能大致领会其中的奥妙。我特别喜欢其中对佛教艺术的介绍，它不仅梳理了佛教东传后在中国留下的印记，还细致地分析了不同时期佛教造像的风格演变，从犍陀罗艺术的痕迹，到龙门石窟的雄浑，再到敦煌壁画的绚烂，每一处都充满了智慧和匠心。这本书给我一种“经世致用”的感觉，仿佛掌握了一把理解中国文化精髓的钥匙。

评分☆☆☆☆☆

这本书的视角非常开阔，它不局限于传统的“文人画”主流，而是将中国美术的范畴扩展到了更广阔的领域。从民间艺术的淳朴生动，到少数民族的独特风格，再到近代的“新艺术”探索，都得到了恰当的呈现。这让我意识到，中国美术的魅力远不止我们日常接触到的那些经典作品，而是蕴藏在方方面面，充满了蓬勃的生命力。书中对于不同艺术门类之间的交叉与融合的分析也十分精彩，比如音乐、诗歌、戏剧与绘画之间的相互启发，以及陶瓷、漆器、织绣等工艺美术如何反哺绘画，这些内容都为我打开了新的思路。我曾在一个章节中看到关于明清时期版画艺术的介绍，那些精美的插画，不仅是文学作品的视觉呈现，更是独立的艺术品，它们以亲民的方式传播着文化和审美，让我对“大众艺术”有了新的理解。这本书的叙述方式很灵活，有时是大气磅礴的历史概括，有时又是对某个细节的精雕细琢，读起来丝毫不会感到单调。

评分☆☆☆☆☆

这本书就像一位博学多才的老师，带我走进了一个色彩斑斓、意蕴深远的艺术殿堂。从遥远的史前岩画，到气势恢宏的古代宫殿壁画，再到笔墨淋漓的文人画卷，历史的脉络清晰可见，艺术的演变过程触手可及。书中对不同时期、不同流派的艺术风格、代表人物及其作品都有深入浅出的讲解，让我对中国美术的发展有了系统性的认识。尤其是一些我原本不熟悉的地区性艺术，如辽代的契丹壁画、新疆的佛教壁画等，也得到了详尽的介绍，极大地拓展了我的视野。文字的表达十分流畅，既有学术的严谨，又不失生动性，读起来引人入胜。书中大量的精美插图更是锦上添花，那些穿越千年的艺术珍品跃然纸上，让我得以近距离感受它们的魅力。我曾在一幅唐代仕女图中流连忘返，想象着画中人物的仪态万方，感受着盛唐的雍容华贵；又在宋代山水画前驻足，体会着那份“意境”的悠远与宁静。这本书不仅仅是知识的传授，更是一种艺术的熏陶，让我在阅读的过程中，不知不觉地提升了对美的感知力。

评分☆☆☆☆☆

在翻阅这本书时，我深刻感受到作者们在梳理中国美术史脉络时的用心良苦。它不仅仅是一部枯燥的年表，而是一部充满生命力的叙事。作者们并没有拘泥于简单的线性叙述，而是巧妙地将不同地域、不同民族、不同媒介的艺术形式有机地联系起来，勾勒出中国美术多元一体的发展图景。例如，在讲述元代绘画时，除了宋末遗民的文人画，还穿插了八思巴文书与绘画的结合，以及藏传佛教艺术对元画的影响，这使得对元代绘画的理解更加立体和全面。书中对于一些细节的挖掘也令人惊喜，比如对古代绘画材料的考证，对不同时期画工技法的辨析，都展现了扎实的学术功底。我尤其对书中关于古代建筑装饰艺术的介绍很感兴趣，那些隐藏在宫殿、寺庙、园林中的精美雕刻和彩绘，在书中得到了生动的呈现，让我对古人的审美情趣和精湛工艺有了更深的认识。这本书的阅读体验是循序渐进的，每翻一页，似乎都能解锁一个新的艺术维度，感受中华文明的博大精深。