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魏靖如，刘隆菲 编

图书标签:

• 影视表演
• 表演技巧
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• 电影
• 表演教学
• 演员
• 舞台表演
• 表演艺术
• 影视制作
• 表演理论

出版社： 中国电影出版社

ISBN：9787106043018

版次：1

商品编码：11835427

包装：平装

丛书名： 影视传媒专业艺考系列丛书

开本：16开

出版时间：2015-11-01

用纸：胶版纸

页数：142

字数：182000

正文语种：中文

编辑推荐

中国电影出版社联袂中国传媒大学倾力打造专业的艺考专业辅导丛书！

全面的表演艺考指南

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细致的答题应试辅导

独到的艺考得胜法宝

内容简介

　　《影视表演》为考生详细讲解了表演、台词、形体、声乐考试的整个流程，对考试的出题类型和考试过程中考生应该注意的各种问题作了具体的分析和指导。同时作者还为考生搜集整理了适合考试的各类练习和试题。

《影视表演》立足于表演专业考生的备考需求，为考生详细讲解了表演、台词、形体、声乐考试的整个流程，对考试的出题类型和考试过程中考生应该注意的各种问题作了具体的分析和指导。同时作者还为考生搜集整理了适合考试的各类练习和试题。这些资料，能帮助考生在了解考试流程的同时更好的提升应试能力。是一本具有极大价值的表演专业考试参考用书和随身应试手册。

目录

第一章 表演考试
一、表演考试的基本形式
二、考生应具备的基本素质
三、表演考试的主要内容

第二章 台词考试
一、舞台语言的基本功发音
二、舞台语言的基本表现手段
三、考生应具备的基本条件
四、如何准备朗诵片段
五、不同题材作品如何朗诵
六、朗诵时应该注意的几个问题

第三章 形体考试与声乐考试
一、形体考试的主要内容
二、如何准备形体考试
三、形体考试时需注意的问题
四、声乐考试的基本条件——声音
五、声乐考试参考曲目
六、声乐者试时需注意的问题

第四章 表演练习、小品试题
一、单人小品练习试题
二、双人小品练习试题
三、集体小品练习试题

第五章 朗诵材料
一、诗歌
二、寓言
三、散文、小说
附录：2015年重点表演专业学校招生考试内容汇总
2015年重点表演专业学校录取原则及分数线

前言/序言

好的，这是一本关于 中西方哲学史的深度探究 的图书简介，名为 《思想的殿堂：从古希腊到现当代的哲学脉络》。 --- 《思想的殿堂：从古希腊到现当代的哲学脉络》 一卷宏大叙事，勾勒人类理性思维的演进图景 在人类历史的长河中，总有一些不朽的声音，以其深刻的洞察力，为我们揭示存在的本质、知识的边界、以及价值的根基。他们是思想的巨匠，他们的著作构筑了人类文明赖以支撑的精神殿堂。 《思想的殿堂：从古希腊到现当代的哲学脉络》并非一部枯燥的哲学词汇汇编，而是一场跨越两千五百余年的、激动人心的思想漫游。本书旨在为读者构建一个清晰、立体的西方哲学史知识体系框架，深入剖析每一时期、每一流派的核心命题、关键人物及其论证逻辑，并着重探讨不同哲学思潮之间错综复杂的继承、批判与对话关系。 第一部分：源起与奠基——理性的曙光（公元前六世纪至公元前四世纪） 我们将从爱奥尼亚的自然哲学家们对“本原”（Arche）的追问开始，感受人类对世界秩序的首次系统性探究。苏格拉底的“认识你自己”如何开启了道德哲学与认识论的转向？柏拉图的理念世界与洞穴寓言如何构建了西方形而上学的第一座宏伟高塔？亚里士多德则如何以其包罗万象的体系，为逻辑学、物理学、伦理学乃至政治学奠定了严谨的分析范式？这一部分将细致梳理从“前苏格拉底”的朴素唯物论到古典希腊三哲的辩证统一，描绘西方思想在城邦民主制度下迸发出的璀璨光芒。我们将探究，那些关于“美德即知识”、“理想国度”的论述，如何塑造了后世的政治想象。 第二部分：信仰与理性的交织——中世纪的沉思（约公元五世纪至十五世纪） 当古典文明的辉煌逐渐隐退，理性与信仰的张力成为时代的主旋律。本书将深入探讨奥古斯丁如何巧妙地融合新柏拉图主义与基督教教义，塑造了西方神学的基础。随后，我们将聚焦于托马斯·阿奎那的“经院哲学”，解析其如何努力调和亚里士多德的经验理性与神启真理，试图构建一个“既能被信仰，也能被理解”的宇宙图景。我们将审视这一时期哲学思考的特点：一切论证最终都必须回归于对上帝的理解与服从，然而，即便在神学框架内，对存在、本质以及自由意志的辩论也从未停歇。 第三部分：觉醒与革命——近代的开端（十六世纪至十八世纪） 文艺复兴带来了人性的复苏，随之而来的是对权威的质疑和对世界的新认识。《思想的殿堂》着重阐述了科学革命（哥白尼、伽利略、牛顿）如何从根本上动摇了传统的宇宙观，并催生了近代哲学的两大核心议题：认识论的重建。 经验主义阵营（培根、洛克、休谟）坚信知识来源于感官经验的积累，并系统地批判了先验观念的可靠性，特别是休谟对因果律的彻底怀疑，将哲学推向了新的悬崖。与之相对，理性主义阵营（笛卡尔、斯宾诺莎、莱布尼茨）则试图在纯粹的思维领域内为知识寻找不可动摇的基础，笛卡尔的“我思故我在”成为现代哲学的起点。本书将详尽对比两者在认识论上的根本分歧与各自的局限。 最终，康德的“哥白尼式革命”登场，他试图综合经验与理性，划定人类认识能力的界限——“物自体”是否可知？这一划时代的努力，不仅终结了近代的争论，更直接为接踵而至的德国古典唯心主义铺平了道路。 第四部分：宏大体系与历史的螺旋（十八世纪末至十九世纪） 康德之后，德国哲学迎来了其巅峰。《思想的殿堂》将重点解析费希特、谢林如何将“自我”推向绝对主体，以及黑格尔如何构建出其博大精深的辩证法体系。黑格尔的“绝对精神”如何通过“正-反-合”的历史运动，最终实现对世界的完全理解？这一部分的魅力在于，读者将看到哲学如何从对静止不变的实体（如柏拉图的理念）的关注，转向对过程、发展与历史性的深刻理解。 同时，我们也必须正视对黑格尔体系的反叛。费尔巴哈的人本主义转向、马克思对唯物史观的构建，以及尼采对传统道德价值的彻底颠覆——“上帝已死”的宣言如何重塑了人类的自我认知？这些反思力量，共同构筑了十九世纪末思想光谱的复杂性。 第五部分：碎片化与重构——二十世纪的转向（二十世纪至今） 进入二十世纪，哲学面对的是工业化、全球战争以及科学技术带来的巨大冲击，哲学话语也随之走向多元化与专业化。《思想的殿堂》将分为两条主线进行梳理： 分析哲学（英美学派）：以弗雷格、罗素、维特根斯坦为代表，他们将哲学问题聚焦于语言的逻辑结构。本书将详述逻辑实证主义的兴起与衰落，以及维特根斯坦后期对日常语言游戏的洞察，即哲学不再是发现终极真理，而更像是“治疗思想的疾病”。 欧陆哲学（欧洲大陆学派）：以胡塞尔的现象学为起点，关注“意识的构造”；海德格尔的“存在之追问”如何回到本源，探讨“此在”（Dasein）的境域；萨特的存在主义（自由、责任与焦虑）如何对人的境遇进行最直白的描绘。此外，福柯对权力与知识关系的解构，德里达的解构主义对中心主义的批判，也将被置于清晰的脉络中进行阐释，让读者理解后现代思想的复杂内涵。 结语：永恒的追问 《思想的殿堂》不仅是一部历史梳理，更是一本工具书。它帮助读者辨识不同时代哲学家们所使用的“地图”，从而能够更加精准地定位我们自身在思想史中的位置。它鼓励读者带着批判性的眼光，去体验人类在面对“我是谁”、“我能知道什么”、“我该如何生活”这三大永恒命题时，所展现出的无与伦比的智慧与勇气。 阅读本书，你将获得： 1. 清晰的脉络图：系统掌握从泰勒斯到当代各大流派的传承与分野。 2. 核心概念的精确解读：避免被晦涩的术语困扰，直达思想核心。 3. 跨学科的视野：理解哲学如何渗透并影响了政治学、心理学、文学乃至科学的进程。 4. 批判性思维的养成：学习哲学家们如何提出问题、构建论证以及自我修正的方法。 这是一场智力上的盛宴，邀请所有渴望探寻人类思维极限与终极意义的求知者，共同步入这座由理性与洞察力铸就的殿堂。

评分☆☆☆☆☆

说实话，这本书的厚度和内容密度一度让我感到有些吃力，但当我深入其中后，发现那种“沉重”感正是源于其知识的醇厚。它不迎合那些追求速成的幻想，而是直面表演艺术的残酷真相——它需要巨大的心智投入和技术打磨。书中对“瞬间爆发力”的训练方法尤其值得称赞，它不是简单地让你吼叫或哭泣，而是教你如何建立一个极其精准的“情绪触发点”，一个只有你自己知道的引信，确保在特定时刻，情绪能够既真实又可控地爆发。这种对自我身体和精神状态的精微控制，被描述得如同精密仪器操作指南一般严谨。我尤其喜欢其中关于“对手戏中的能量交换”的讨论，它超越了简单的“你来我往”，阐述了一种角色之间看不见的“气场拉扯”，这在传统的表演理论中是很难被清晰量化的。它教会了我如何“倾听”对手的沉默，如何利用空间和眼神的错位来增加戏剧张力。这本书读完后，感觉自己像是完成了一次高强度的“心理马拉松训练”，虽然疲惫，但收获的不仅是知识，更是一种对表演艺术不可逆转的信念。

评分☆☆☆☆☆

这部《影视表演》真是让我大开眼界，简直是为所有对镜头前魅力充满好奇的人量身打造的宝典。作者显然不是那种只停留在理论层面的学院派，他/她似乎把多年的实战经验，那种在片场摸爬滚打出来的“硬通货”知识，毫无保留地倾泻在了纸上。我特别欣赏其中关于“角色深潜”的部分，它不像有些教材那样空泛地谈论“感受生活”，而是提供了一套异常细致的、可操作的步骤。比如，如何通过分析剧本的潜文本来构建一个角色完整的内心冲突地图，如何利用镜头的运动轨迹来反推演员在这个场景中情绪的释放节奏。读到那里，我简直能想象自己正坐在导演的监视器前，而不是窝在沙发上翻书。更别提书中关于声音运用的独到见解了，它深入浅出地剖析了气息控制与情感表达的微妙关系，让我意识到，原来台词不仅仅是“念出来”，它更是角色的呼吸，是情绪的载体。这本书的价值在于，它成功地搭建了一座从“知道表演是什么”到“知道如何将表演具象化”之间的桥梁，对于初学者来说是导航图，对于有经验的演员来说，则是一面能映照出自身盲区的清晰镜子。我强烈推荐给所有渴望在银幕上留下深刻印记的追梦人，它提供的不仅仅是技巧，更是一种对表演艺术的尊重和系统化的理解。

评分☆☆☆☆☆

我必须承认，最初翻开《影视表演》时，我对它抱持着一种略微怀疑的态度——市面上的表演书籍太多了，大多重复炒冷饭。然而，这本书很快就用它那种扎实、近乎“工匠精神”的叙事方式赢得了我的尊重。它避开了所有华而不实的形容词，转而专注于“如何做”和“为什么这样做”。最让我印象深刻的是关于“镜头感”的章节。作者没有简单地告诉我“要注意机位”，而是详细拆解了广角、中景、特写这三种常见镜头下，演员面部肌肉微表情的变化规律和观众的接收阈值。这是一种高度技术化的描述，但文字却异常的流畅易懂，仿佛有位经验丰富的大师在你耳边，用最直白的语言讲解着灯光和光圈如何影响你眼神中那一点点情绪的流转。更妙的是，书中穿插了大量的行业案例分析，这些案例不是那种被神化的完美片段，而是被彻底解构的“失败”与“成功”的边界案例，分析得入木三分，充满了批判性思维。读完之后，我再看任何影视作品，都会不由自主地开始思考：这个镜头里，演员的身体姿态是否在和场外运镜形成了一种对话？这本书培养的不是模仿者，而是思考者。

评分☆☆☆☆☆

我之前总觉得，表演的最高境界是“看不出表演痕迹”，但《影视表演》这本书彻底颠覆了我的这种理解。作者敏锐地指出，在镜头前，“痕迹”并非全是贬义，关键在于如何让这些“痕迹”为角色服务，成为一种有意识的、符合美学规律的呈现。书中对“镜头前的非语言交流系统”的论述，简直是教科书级别的突破。它详细地分析了如何利用面部肌肉的细微抖动、眼球的扫视方向，甚至是你嘴角不自觉的抽动，来向观众传递复杂的、隐藏在台词之下的信息。这种对细节的苛求，让我对自己过去对表演的理解感到汗颜。它不像某些书籍那样沉迷于“体验派”的玄学，而是将所有感性的东西，都通过一种近乎科学的、可测绘的维度进行了解构和重组。它提供了一套方法论，让你在拥抱内心感受的同时，还能确保你的表演能够被镜头清晰、有效地捕捉并放大。对于那些希望提升自己银幕表现力的演员来说，这本书简直是必备的“视觉语言词典”。

评分☆☆☆☆☆

很少有表演书籍能像《影视表演》这样，将技术层面的严谨性与对人性深度的挖掘完美结合起来。它不是一本可以“快速消费”的书，更像是一部需要反复研读、时常翻阅的参考手册。我特别喜欢其中关于“不同媒介的适应性”的章节，它没有把电影、电视剧、广告表演视为同一件事，而是详细阐述了在不同时长、不同景别要求下，演员需要如何调整自己的表演密度和能量输出。比如，如何在长镜头中保持能量的连贯性而不显得虚假，如何在特写中让每一次眨眼都具有叙事意义。这种对行业现状的深刻洞察，让这本书显得尤为“鲜活”。它不仅教你如何成为一个好演员，更教你如何成为一个“适应性强、懂得取舍”的专业工作者。读完这本书，我不再只关注“我演得好不好”，而是开始思考“我的表演如何更好地服务于整体的影视作品”。这种视角的转换，是我阅读所有表演书籍以来最大的收获之一。