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何伊宁著

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出版社：中国民族摄影艺术出版社

ISBN：9787512208094

版次：1

商品编码：11874773

包装：平装

丛书名：海岸线丛书

开本：16开

出版时间：2016-03-01

用纸：铜版纸

页数：374

套装数量：1

正文语种：中文

具体描述

编辑推荐

　　“海岸线”丛书是我社在推出“影像文丛”，“摄影新批评”和“OCAT 研究中心展览与文献研究”三种丛书之后的又一个摄影系列丛书。这套丛书的立意是在国际化的视野下，以扎实的研究成果为基础，以国内，特别是当下的影像文化研究及信息需求为重点，陆续推出一批侧重青年读者对象，有专业特色，有海外摄影信息资讯和作者研究成果的影像文化图书。而作者队伍也主要面向广大青年学者和长期关注青年群体的影像文化研究者，在创作上强调内容的原创性。

　　丛书的选题范围在上述的学术范围内，会着重关注到海外摄影教育领域的有关内容。近年来，到海外学习摄影和准备留学的青年人越来越多。留学生中有的学成归来，有的选择继续在外深造，而国内的专业摄影教育也呈快速发展之势。在这种情势下，我们急需要在摄影理论基础构建的同时，高度重视摄影基础教育在理念更新和实际应用层面的信息交流。在海外学摄影的青年群体中，不少人能够通过总结自身的学习经验和体会，通过切身体验和细致观察国外摄影教育的模式与特点，最终不但学习了摄影的知识，也初步掌握了一些学习的方法，并且愿意与大家分享这些经验与心得。由此，我们想到了要策划“海岸线”这样一套丛书，旨在帮助大家建立一个交流的“平台”，打开一扇沟通信息的“窗户”。从一个侧面为大家相对及时和准确地提供一些海外摄影文化和摄影教育的有用资讯。他山之石，可以攻玉，我们也期待这样的一些成果能为国内的摄影教育提供信息上的帮助，也为有计划出国学摄影的学子们提前准备一份参考资料。即使不出国学摄影的朋友们也可以通过这样的资讯了解海外摄影文化和摄影教育的理念与现状。这也体现了这套丛书开放性的定位与特色。

　　海岸线是大陆和海洋的交界，身处陆地而放眼远望大海深处，我们有无穷的未知未解，同时又有强烈的探知欲望。我们期待“海岸线”丛书的出版能形成一个独特的视线，那就是让我们的目光变得更“平”、更“宽”，而望得会更“远”。

内容简介

　　·本书主要审视了摄影高等教育在英国的历史、现状和发展趋势，为读者提供了对英国当代摄影教育较为全面的观察。

　　·对20位活跃在英国摄影教坛上的学者、批评家和实践者的访谈。展现英国摄影高等教育普遍性特征及各校／院系的差异性。

　　·与22位英国摄影院系留学生的近期作品和对话，从侧面展示了英国摄影教育的成果。

　　·提供了有关英国摄影及其教育领域的资讯，帮助各个层次的读者对英国摄影的整体生态作进一步的了解。

　　*一章

　　*一章节针对英国摄影高等教育的历史和现状做了全面的导览，文章按照时间顺序梳理了从1839年以来英国开设摄影教育的社会背景和重要节点，一定程度上反映了英国的政治、经济、科技发展以及社会变革、教育政策、艺术和摄影史发展是如何影响摄影教育的变化的。本文着重对1960年代现代摄影教育，尤其是高等学位教育做了分析和讨论，希望为我们认识和理解英国摄影教育的现状有一定的帮助。

　　第二章

　　本书的第二个章节中包含了我与英国18位高等教育课程负责人，以及两位活跃在英国公共摄影教育领域中先锋工作者的对话。除了对每个学校摄影课程的课程设置、研究方向有基本的了解之外，通过很多访谈，我们还对英国摄影在过去历史有了侧面的认识，以便更进一步地了解生机勃发的英国摄影是如何走到今日的。

　　第三章

　　第三章内包含了22位曾经在英国攻读摄影学位课程毕业生的访谈和作品展示。通过这些生动的影像、批判性的作品陈述和真挚的对话文字，我们能够更直观的观察英国摄影高等教育的成果。

　　附录

　　附录一中包含了英国20所大学／艺术院校的摄影课程信息，并从每所高校所开设的本科和硕士项目中挑选出若干个重点课程进行详细的介绍。由于本书并不是一本院校指南，且篇幅有限，不可能把所有英国高等院校的摄影课程统统呈现给读者，所以在优中择优的前提下，我从长期的调研中为读者选择了英国*知名的摄影学位课程。这些信息均来自各高校的官方网站和院系分发的课程宣传册，我们在翻译的过程中尽量保证了内容的准确和时效性。每个课程介绍中都涵盖了以下的内容，分别是：学校简介、全日制摄影学位课程列表、课程总览、课程结构／主要模块、课程负责人及教学团队、设施和资源以及职业规划。

　　附录二以“英国摄影的10个关键词”为题，列举了英国重要的摄影收藏与档案馆；研究中心；摄影博物馆、美术馆、画廊及空间；摄影组织和团体；摄影节与展会；摄影奖、资助和奖学金计划；摄影杂志和期刊；网上摄影平台、杂志与博客；艺术与摄影书出版社；以及摄影书店的信息，作为对高校摄影教育信息的补充。

　　附录三中介绍了50本与摄影史、理论及批评相关的论著，除了中国读者耳熟能详的西方摄影著作之外，还有更多未被翻译或近期刚刚出版的批判性佳作。这50本书数量不多，却广泛地被西方摄影专业学生和学者所使用，在摄影史中有各自的地位，或多或少在推动摄影的进程中有着举足轻重的作用。

　　50本论著的内容几乎涵盖了摄影的所有门类，包括新闻与纪实摄影、艺术摄影、景观、时尚、肖像等等；而书中涉及的话题则涵盖了摄影与哲学、社会学、人类学、心理学、艺术领域里的广泛应用。无论读者是将它们视为教科书、参考书还是课外兴趣读物，相信都会增进对摄影在广度和深度上的理解。本章内容打破了书籍出版的时间和主题，按照英文原版图书的首字母顺序排列，适用于摄影专业学生、教师、摄影学者、评论人、策展人及热爱摄影艺术的读者使用。

作者简介

　　何伊宁，摄影史论学者、独立策展人，AJOUTER 小组成员。

　　1986 年出生于合肥，现居天津。英语学士、新闻与纪实摄影硕士。2010 年开始从事人文及艺术类专题、专栏写作，策展，摄影类图书编写及翻译等工作。目前学术研究方向包括“变革中的英国社会纪实摄影”，“凝视中国：西方摄影的后殖民主义视角”以及中西风景摄影对比研究等。2014 年年初创办Go East Project，旨在通过博客、展览，以及出版等方式向西方推广中国当代摄影，并帮助年轻摄影师搭建国际化的摄影平台。

内页插图

前言/序言

　　何伊宁

　　进入21 世纪，随着媒体、网络及新摄影技术的爆炸，新的文化形式、时空经验形式不断改变着摄影的身份，以及人们观看摄影的方式。面对摄影在全球范围内无线性发展的历史，人们早已经无法对什么是摄影？摄影是否有边界，其边界性何在这样的问题给出统一的答案。与任何时候相比，摄影在主题、创作手法、风格和样式上都呈现出前所未有的多样性。

　　此时此刻，摄影正在受到来自社会、经济、技术和审美的挑战，这有来自每个国家不同的表现形式，同样也在全球性维度中体现出其的共同特征。各国的摄影高等教育虽然更多地受到本国摄影发展水平、文化语境和艺术市场等因素的影响，但却早已被卷进流动全球化之中，受到内部和外部的双重挑战。

　　作为中国民族摄影艺术出版社海岸线丛书中的第一册，本书主要审视了摄影高等教育在英国的历史、现状和发展趋势，为读者提供了对英国当代摄影教育较为全面的观察。需要格外指出的一点是，本书关于摄影教育的讨论总体是建立在英国摄影史的框架下，及其特有的文化研究语境下来完成的，同时还会涉及到英国的政治、经济以及社会背景作为参考。

　　本书的核心是对20 位活跃在英国摄影教坛上的学者、批评家和实践者的访谈。访谈的基本宗旨是向读者展现英国摄影高等教育普遍性特征，例如强调摄影理论对实践的指导性价值，鼓励学生批判性思考以及启发性的教学方式；同时，不同课程之间的差异也是该单元考察的内容。在担任英国各艺术院校和大学的摄影课程负责人之外，这些受访者的知识结构和实践背景对于课程的定位和方向都具有很重要的影响。访谈的内容根据每个受访者和课程的情况所展开，但关注的具体问题都集中在课程的核心模块、教学方式、毕业创作等贴近教育活动开展的话题上。

　　本书通过22 位英国摄影院系留学生的近期作品和对话，从侧面展示了英国摄影教育的成果。这些留学生中有刚刚跨进本科的年轻学生，也有正在进行毕业创作的硕士和博士生，同样也有相当一部分早已回到国内，并在不同摄影领域施展拳脚的毕业生。他们所选择的专业包含了纯艺术摄影、新闻与纪实、时尚摄影以及摄影研究等不同方向，这不但突出了英国摄影教育的多样性，更反映出英国各个层面的摄影产业链条已较为完善。然而，我们需要理解的是，虽然摄影的功能看似不同，但在主题和表现形式上都早已相互融合了。

　　编写本书的目的并不是要制作一本英国留学摄影指南，但我们在附录中为读者提供了有关英国摄影及其教育领域的资讯，帮助各个层次的读者对文中介绍的问题与观点，以及英国摄影的整体生态作进一步的了解。此外，我在附录中还整理并介绍了50 本摄影史、摄影理论及批评相关的论著，试图帮助有需要的读者进入摄影研究的领域。

　　本书共有三个章节，虽然章节之间互有关联，但每一章都独立成文。如果您是从事摄影教育的工作者，我希望此书可以帮助您理解英国摄影教育中将“调研作为实践”，以及培养学生批判性思考的核心教学理念。同时，您也可以从相关院校的课程设置和授课方式中获得启发，以便日后行之有效的开展教学工作。另外，我还希望本书可以帮助到那些已经开始同英国大学合作摄影课程的高校导师们，帮助您更好地理解合作院校的授课观念，便于更好的沟通。

　　如果您正在从事摄影创作或是摄影的相关研究，本书可以协助您从不同角度观看摄影，熟悉摄影创作从观念到实践再到展示的全过程，并理解摄影理论对于实践的指导作用。如果您正在申请，或考虑申请英国院校的摄影课程，那么请尽情享用书中的相关资源，但切记要结合自己的实际情况，避免盲目的追随大流。本书陆续在两年内完成，我虽尽可能不断地更新书中的内容以便向读者提供最具时效性的信息，然而鉴于摄影产业的快速变革，读者应当意识到书中的资料无法涵盖当下所有的英国摄影资讯。很遗憾的是，我于2014 年所采访的两位课程负责人李典宇（Dinu Li）与乔伊·格雷戈里（Joy Gregory）已先后离开他们当时的岗位，但同对话的内容却丝毫不影响读者对他们本人及其相关课程的理解。最后，中国和英国的摄影有着非常不同的历史、文化语境和生态，如何接纳、吸收和辨识、理解和观看还需要每位读者自己去把握。

《光影的诉说：欧洲古典摄影鉴赏》一、引言：跨越时空的对话摄影，作为一种记录现实、表达情感、探索世界的艺术形式，自诞生之初便与人类文明的进程紧密相连。尤其是在欧洲这片孕育了无数艺术瑰宝的土地上，摄影的发展历程，更是与社会变迁、科技进步、审美潮流交织，呈现出波澜壮阔的画卷。本书《光影的诉说：欧洲古典摄影鉴赏》并非一本技法指南，也不旨在传授具体的拍摄技巧，而是希望带领读者走进欧洲古典摄影的殿堂，去聆听那些凝固在黑白、 sepia 之中，跨越时空的摄影作品所传达的故事与情感。我们将一起追溯那些奠定摄影艺术基石的先驱者，品味他们如何运用镜头捕捉时代脉搏，如何通过构图、光影、影调，以及对人性的洞察，创作出至今仍能触动人心的杰作。这是一次关于视觉语言的探索，一次关于历史的回溯，更是一次与伟大灵魂的对话。二、黑白世界的先驱：从达盖尔到阿尔弗雷德·斯蒂格利茨摄影的诞生，本身就是一场划时代的革命。从尼埃普斯（Nicéphore Niépce）漫长的曝光尝试，到达盖尔（Louis Daguerre）的银版摄影法（Daguerreotype）的问世，再到塔尔博特（William Henry Fox Talbot）的卡罗版摄影法（Calotype）的发展，欧洲的早期摄影师们，在对光线和化学反应的摸索中，开启了人类记录视觉信息的新篇章。本书将重点介绍这些先驱们，他们是如何克服技术上的重重困难，如何将瞬息万变的现实凝固成永恒的图像。例如，达盖尔的银版照片，以其精细的细节和独特的金属质感，成为那个时代最受欢迎的肖像记录方式。它们不仅仅是简单的肖像，更是那个时代人们的衣装、表情、甚至是社会地位的写照。我们可以从这些照片中窥见维多利亚时代人们的庄重与内敛，感受工业革命初期的城市气息。而塔尔博特的卡罗版摄影法，虽然在清晰度上不及银版，却因其可复制性，为摄影的广泛传播奠定了基础。通过塔尔博特的镜头，我们能看到英国乡村的宁静，也能感受到早期工业化对社会景观带来的改变。进入19世纪中后期，随着摄影技术的成熟，一批艺术家和摄影师开始将摄影视为一种艺术表达的媒介。卡罗-纳尔逊（Julia Margaret Cameron）便是其中一位杰出的代表。她大胆地采用模糊的焦点和戏剧性的光影，创作出充满神秘主义色彩的肖像，尤其是她对拜伦、丁尼生等文学巨匠的拍摄，赋予了这些肖像深刻的内涵和人文关怀。她的作品，打破了当时对摄影写实性的刻板印象，预示着摄影艺术化的可能性。而美国摄影师阿尔弗雷德·斯蒂格利茨（Alfred Stieglitz），虽然身处美国，但他的摄影理念和实践，对欧洲摄影，特别是对“直率摄影”（Straight Photography）的发展产生了深远影响。他积极倡导摄影作为一种独立的艺术形式，反对模仿绘画的“Pictorialism”风格，强调摄影自身的特性。通过他那一系列拍摄纽约街景和生活的作品，我们能感受到现代都市的活力与节奏，以及他对日常生活细微之处的敏锐观察。斯蒂格利茨对于光线、构图以及对主题的深刻理解，为后来的摄影师们树立了标杆。三、绘画的借鉴与摄影的独立：从绘画主义到直率摄影在摄影发展的早期，它曾长期被视为一种“记录者”，其艺术地位受到质疑。许多摄影师试图通过模仿绘画的风格，来提升摄影的艺术价值，这便是“绘画主义”（Pictorialism）的兴起。本书将深入探讨欧洲绘画主义摄影的特点。这一时期的摄影师们，常常运用模糊的焦点、特殊的印制工艺（如碳素印、重铬酸盐法等）以及精心的构图，试图营造出油画般的柔和、朦胧的氛围，表达诗意或情感。例如，英国的皮特·亨利·爱默森（Peter Henry Emerson）早期的自然主义摄影，试图捕捉英国乡村生活的真实情景，但后期也受到绘画主义的影响，追求更具艺术性的表达。法国的纳达尔（Nadar）以其富有戏剧性的肖像摄影闻名，他运用简洁的光影和深刻的洞察力，捕捉人物的内心世界，为后来的肖像摄影开辟了道路。然而，随着20世纪的到来，一股新的摄影思潮开始涌动，主张摄影应该发掘自身的独特语言，而非一味模仿绘画。这便是“直率摄影”（Straight Photography）的崛起。这一流派强调摄影的清晰度、精确的对焦以及对现实本身的尊重。在欧洲，尤其是在20世纪初的德国，出现了一批杰出的直率摄影师。例如，奥古斯特·桑德（August Sander）创作的《20世纪的人们》系列，以其客观、全面的视角，记录了德国社会各阶层的人物群像。他的照片，没有过多的情感渲染，却以其朴素的力量，展现了一个时代的面貌和不同职业、身份的人们所承载的社会意义。这些作品，不仅是技术上的典范，更是社会学意义上的宝贵财富。再如，爱德华·韦斯顿（Edward Weston）和安塞尔·亚当斯（Ansel Adams）这两位美国摄影师，虽然他们的主要活动地在美国，但他们所倡导的“新客观主义”（New Objectivity）和对自然风光的极致表现，也深刻影响了欧洲摄影界。他们对形式、光影的纯粹追求，以及对物体本质的深入挖掘，为后来的抽象摄影和形式摄影奠定了基础。本书将分析这些摄影师是如何通过对光线、形状、纹理的精妙运用，以及对客观现实的忠实呈现，来构建出具有艺术冲击力的图像。我们将看到，直率摄影并非冷漠的记录，而是通过精准的观察和表达，揭示出世界更为本质的美。四、纪实的力量：捕捉时代洪流与个体命运摄影最强大的力量之一，便是其作为历史的见证者。在欧洲历史上，无数动荡与变革的时刻，都留下了摄影师们的身影。本书将聚焦那些以纪实摄影为主要创作方向的欧洲摄影师，看他们如何用镜头记录下时代的洪流，以及在时代洪流中个体的命运。从19世纪末到20世纪初，欧洲经历了两次世界大战、经济大萧条、社会变革等一系列重大事件。摄影师们冒着生命危险，深入前线、深入街头，用影像记录下战争的残酷、社会的苦难、人民的抗争以及重建的希望。例如，罗伯特·卡帕（Robert Capa）这位匈牙利裔的战地摄影师，虽然他的足迹遍布世界，但他在西班牙内战、诺曼底登陆等事件中的作品，已经成为战争摄影的经典。他“在枪林弹雨中拍摄”的精神，以及他对普通士兵和战争受难者的关注，使得他的作品充满了人道主义的光辉。再如，布列松（Henri Cartier-Bresson）的“决定性瞬间”理论，对纪实摄影产生了划时代的影响。他如何在街头巷尾捕捉那些转瞬即逝却蕴含深刻意义的时刻？他的构图、时机选择以及对人文精神的关注，使他的作品不仅仅是事件的记录，更是对生活本身节奏和韵律的体悟。本书将分析布列松的经典作品，探讨他如何通过看似随意的抓拍，传递出深刻的社会洞察和哲学思考。此外，我们还将关注那些以社会纪实为己任的摄影师。例如，阿尔伯特·贝勒（Albert Renger-Patzsch）在德国表现主义摄影背景下，依然坚持对自然景物和工业景观进行客观、精确的描绘，他的作品展现了工业时代下欧洲景观的独特之美。本书将通过对这些纪实摄影作品的解读，让读者体会到摄影作为一种强大的社会力量，它如何揭露不公、唤醒良知、记录历史，并最终成为我们理解过去、思考现在的宝贵财富。五、超越时代的审美：欧洲古典摄影的恒久魅力欧洲古典摄影之所以能够跨越时空，至今仍能触动人心，在于其独特的审美价值和深刻的人文关怀。本书在每一章节的解读中，都将贯穿对这些审美特质的探讨。光影的运用：无论是绘画主义的柔和光晕，还是直率摄影的明暗对比，欧洲古典摄影师们对光线的运用都达到了炉火纯青的地步。他们懂得如何用光线塑造体积、引导视线、烘托情绪，让黑白灰的层次变化呈现出丰富的视觉语言。构图的智慧：经典的几何构图、黄金分割、对角线原理，以及对画面平衡与节奏的把握，都体现在欧洲古典摄影作品中。这些构图并非僵化的程式，而是摄影师们在对画面整体感觉的把握下，对视觉元素的精心安排。影调的表达：黑白摄影的魅力在于其影调的丰富性。从极端的黑白对比到细腻的灰阶变化，摄影师们通过对影调的控制，营造出不同的氛围和情感基调，无论是严肃、宁静，还是神秘、戏剧性，都能通过影调得到淋漓尽致的展现。人文的关怀：纵观欧洲古典摄影史，我们会发现，即使是最具形式感的作品，其背后也往往蕴含着摄影师对人、对生活、对社会的深刻观察和理解。无论是对人物的肖像，还是对景物的描绘，都透露出一种人文的温度。六、结语：与过去的对话，为未来照明《光影的诉说：欧洲古典摄影鉴赏》并非一本枯燥的技术手册，而是一次邀请读者进行深度对话的旅程。我们希望通过对欧洲古典摄影的梳理和解读，让读者不仅仅了解那些伟大的摄影师和他们的作品，更能从中汲取养分，理解摄影艺术的演进脉络，感受那些凝固在光影中的历史与人文之美。在数字时代，摄影技术日新月异，但经典作品所蕴含的艺术精神和人文力量，却永远不会过时。通过回顾和学习欧洲古典摄影的智慧，我们或许能更好地理解当下，并为未来的摄影创作找到更深厚的根基和更广阔的视野。这不仅是一次对过去的致敬，更是对未来的启迪。愿本书能成为您探索欧洲古典摄影世界的一盏明灯，开启您与那些光影故事的深度对话。

用户评价

评分☆☆☆☆☆

这本书的编排风格，怎么说呢，就是一种老派、严谨、但又非常温暖的英式教学风格。它不像一些现代摄影指南那样追求快速见效、花哨的后期特效，而是更注重“思维模式”的建立。我过去总是急着去学习各种APP滤镜，但收效甚微。这本书让我把关注点拉回到基础的“视觉语言”上。它花了大篇幅去分析经典大师的作品，比如布列松的取景、卡帕的冲击力，但分析角度非常深入，不仅仅是“这张照片很棒”，而是拆解了他们是如何运用三分法、引导线、负空间来构建画面的心理学基础。我尤其欣赏其中对“平衡与失衡”的探讨，这使得我在构图时，不再是机械地套用规则，而是开始思考画面中各个元素之间的张力关系。这种对“观看”方式的重新训练，对我个人的摄影美学提升起到了决定性的作用。读完后，我感觉自己对“什么是好照片”有了一个更坚实、更内在的标准。

评分☆☆☆☆☆

我是一名业余的街头摄影爱好者，平时最头疼的就是如何快速捕捉转瞬即逝的瞬间，并且保证画面的稳定性和清晰度。市面上很多教程都侧重于影棚布光或者后期修图，真正关注户外实战的干货不多。这本书在这方面做得非常出色，它有一整个章节专门讨论“动态抓拍的艺术”。作者的视角非常独特，他强调的不是器材的参数设置，而是摄影师的心态和预判能力。他反复提到“预测性曝光”的概念，即在光线变化剧烈的环境中，如何提前设置好参数，以便在最佳时机按下快门。书中分享了大量他在不同城市街头拍摄的案例，每张照片后面都附带着详细的拍摄环境分析和当时的设置思考过程。我特别喜欢其中关于“利用环境元素引导视线”的技巧，这让我学会了不再只是单纯地拍摄主体，而是学会构建一个更具故事性的画面框架。读完这部分内容，我明显感觉到自己在街头拍摄时的犹豫感减少了，出片率也提高了，那种等待与爆发的节奏感开始慢慢被我把握住了。

评分☆☆☆☆☆

对我这种喜欢携带轻便设备进行旅行记录的人来说，器材的限制总是让人头疼。我主要用的是一台复古的旁轴相机，它没有复杂的自动对焦系统，光圈和快门都需要手动设置。市面上很多摄影书都默认读者使用全画幅单反或微单，对这种“半自动”设备的优化方案很少。这本书的实践部分，有一段专门是关于“低干预度拍摄的乐趣与挑战”。作者分享了他早期使用胶片机进行纪实拍摄的经验，详细介绍了如何在没有实时取景和直方图的情况下，仅凭经验和对光线的判断来锁定曝光。他提供的“经验值表格”非常实用，例如，在正午的雪地里，建议的曝光补偿是多少；在黄昏的城市街道，如何根据环境光来快速估算光圈值。这些“经验值”帮助我极大地提高了使用手动设备时的成功率。这本书真正做到了覆盖不同器材和不同拍摄环境下的实用技巧，而不是局限于主流的数码设备，这一点，对于追求纯粹摄影体验的爱好者来说，是极其宝贵的。

评分☆☆☆☆☆

作为一名对黑白摄影情有独钟的爱好者，我一直觉得数码时代下，如何在高反差的场景中保留足够的细节是一个巨大的挑战。很多数码照片的黑白转换都显得平淡无奇，缺乏胶片时代那种深邃的层次感。这本书中关于“单色影像的解构与重塑”的章节，简直是为我量身定做的“救星”。作者并没有停留在简单的去色操作上，而是深入讲解了如何通过后期软件模拟不同的黑白胶片效果，比如柯达 Tri-X 或者 Ilford HP5 的颗粒感和灰阶过渡。他非常细致地指导了如何在 Lightroom 或 Capture One 中调整明度、对比度和清晰度，以强化纹理和光影的对比。我按照书中的步骤处理了几张我之前觉得失败的高光溢出或阴影死黑的照片，结果令人震惊——那些原本丢失的细节被重新挖掘了出来，画面变得极富戏剧张力。这本书让我明白，黑白摄影的精髓在于对光影本质的理解，而不是简单地移除色彩。它提供了一套完整的、从前期构思到后期精修的系统化流程。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计真是太吸引人了，那种带着复古感的色调和经典的排版，一看就知道是本正经的摄影技术书。我本来对摄影基础知识有些模糊，尤其是在理解光线和景深这两个核心概念上总是不得要领。翻开这本书，我首先被它清晰的结构所吸引。作者似乎非常懂得初学者的痛点，没有上来就堆砌复杂的术语，而是用非常生活化的例子来解释那些抽象的摄影原理。比如，讲解快门速度时，它不是简单地告诉你“快门开合的速度”，而是通过一个雨滴下落的瞬间和一只飞舞的蝴蝶作为对比，让你直观地感受到时间凝固的美感。更让我惊喜的是，书中对不同天气条件下的拍摄技巧也有深入的探讨。晴天、阴天、甚至是雾天的光线处理，都有详尽的图例和操作指南。我试着按照书里的建议，在一个多云的下午，利用窗边的柔和散射光为人像布光，效果立竿见影，皮肤的质感立刻提升了一个档次。这本书真正做到了将复杂的理论拆解成可以立即上手的实践步骤，让我感觉自己不再是拿着相机瞎按快门的“小白”，而是开始真正学会“看”世界了。

评分☆☆☆☆☆

额

评分☆☆☆☆☆

很好的書非常適合攝影理論與教育也適合學生了解

评分☆☆☆☆☆

适合想去英国留学摄影的朋友阅读，内容很丰富，还提供不少案例供参考，长见识。

评分☆☆☆☆☆

快递很快，书很好

评分☆☆☆☆☆

好

评分☆☆☆☆☆

好