香港电影艺术史/中国电影艺术史研究丛书 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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赵卫防 著

图书标签:

• 香港电影
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• 影评
• 电影理论
• 香港文化
• 中国文化
• 艺术史

出版社： 文化艺术出版社

ISBN：9787503961922

版次：1

商品编码：12270525

包装：平装

丛书名： 中国电影艺术史研究丛书

开本：16开

出版时间：2017-10-01

用纸：胶版纸

页数：475

正文语种：中文

内容简介

　　《香港电影艺术史/中国电影艺术史研究丛书》按照传统编年史方法，力求通过对香港电影各个历史时期的特征展现，来描绘出百年来香港电影的流变过程，以及对当下整个华语电影的借鉴意义。引用了文化学理论、后现代主义理论、类型理论、变异理论、作者论及工业分析理论等作为框架，试图更深刻地阐释香港电影的发展轨迹。《香港电影艺术史/中国电影艺术史研究丛书》多维度、多类别地搜集、呈现和书写，努力把香港电影生产处境和历史评价勾连起来，重视史料，获取、探得香港电影史布局与深度的完整性。

作者简介

　　赵卫防，1993一1996年师从邢祖文、李小蒸先生，攻读电影学硕士研究生。现任中国艺术研究院影视所副所长，研究员，博士生导师；学术丛刊《影视文化》执行主编；多年来从事港台电影特别是华语电影互动的研究与教学工作。出版《香港电影史（1897—2006）》《香港电影产业流变》《华语电影：历史、现状及互动》等个人专著，主编《华语电影新视野》等著述；发表学术文章近二百篇。曾获得中国电影金鸡奖理论评论奖论文一等奖、中国台港电影研究会优秀著作奖及中国艺术研究院优秀科研成果论文奖等奖项。

目录

序 香港电影的本土特色和历史价值

第一章 香江映画·拓荒演进——香港电影的初创时期（1897-1945）
第一节 启蒙：电影发行放映业的缘起
一、香港最早的电影活动
二、香港电影产业的起步
三、香港电影发行放映业的蓬勃发展
第二节 萌芽电影制作的起步
一、《庄子试妻》等：香港电影制片业的萌芽
二、《庄子试妻》的主创及美学贡献
三、香港电影文化和电影产业的新发展
第三节 草创：“香港民新”及其他制片公司的电影拍摄活动
一、香港民新制造影画片有限公司的成立
二、香港“民新”的拍摄活动
三、“民新”的衰亡和启示
四、其他制片活动
五、电影文化的新景观
六、香港电影业遭遇第一个停滞时期
第四节 香港电影业的重兴和发展
一、香港电影工业的重兴
二、联华影业制片印刷有限公司的成立及活动
三、“联华港厂”等在港电影企业的电影活动
四、从无声到有声
第五节 香港电影的第一次勃兴
一、电影工业的规模发展
二、第一次繁荣时期的电影主题和类型
三、特有的表现形式
第六节 香港电影的第二个停滞朝
一、香港影人的反控制斗争
二、沦陷期间的香港电影业

第二章 文化传承·左右角逐——香港电影的延续时期（1945-1955）
第一节 战后电影工业的恢复和发展
一、战后电影业的复兴与左右势力的对峙
二、产业模式及其新突破
第二节 延续与创新的国语片
一、1946-1949年的圉语片：传承中的创新
二、1950-1955年的国语片：传承中的分化
第三节 粤语片及其他方言语种的影片
一、1946-1949年的粤语片：现实表达与类型书写
二、1950-1955年的粤语片：传统主题与商业表达
三、其他方言语种影片

第三章 打造东方影都·磨砺经典影像——香港电影的黄金时期（1956-1966）
第一节 现代化和全球化：香港电影工业大厂体制的创新
一、大型工业化制片企业的崛起
二、产业模式中的现代化创新
三、产业模式中的全球化创新
四、大厂体制下独立制片体制的发展
第二节 时装文艺片
一、国语时装文艺片
二、粤语时装文艺片
第三节 以戏益电影为主的古装文艺片
一、粤剧片：吟唱经典
二、黄梅调电影：戏曲电影视听化的典范
三、其他种类戏曲片：戏曲程式与电影化的配比探索
四、非戏曲类古装文艺片
第四节 喜剧、武侠、歌舞等类型片
一、多种样式的喜剧片
二、武侠片的延续
三、突破记录样式的歌舞片

第四章 呼唤本土意识·重塑传统类型——香港电影的过渡转型时期（1967-1979）
第一节 电影工业格局的变化及发展
一、香港电影工业格局的变化
二、电影工业体制的演进：从大厂体制到“卫星制”
三、过渡转型时期的全球化模式
第二节 动作类型的新发展
一、新武侠片的崛起
二、奔涌的功夫片浪潮
三、刀剑武侠片的再度复兴
第三节 其他类型的本土化转型
一、文艺片的本土转型
二、喜剧类型的本土化转型
三、其他类型片及其转型

第五章 香江影都·再续神话——香港电影的繁荣时期（1979-1993）
第一节 香港电影工业的巨变
一、电影工业的重新整合
二、院线制营销体制的基本要素
第二节 锋芒尽显的“新浪潮”电影
一、“新浪潮”电影的美学特色
二、“新浪潮”电影对香港电影的影响
三、香港“新浪潮”、台湾“新电影”和内地“第五代”
第三节 商业类型电影的整合与变异
一、以喜剧为主的复合类型片
二、以动作为主的复合类型片
三、其他复合类型片
第四节 文艺片新景观
一、社会写实与心理写实
二、言情片：真情的书写
三、诠释人文情怀的伦理片
四、以清官戏为主的历史片

第六章 体制趋个性·光影现沧桑——香港电影的风格化时期（1994-2006）
第一节 香港电影工业的低迷与调整
一、香港电影工业的低迷
二、个性特色显著的电影工业模式
三、全球化大片路线
第二节 商业类型及创作者的个性化特色
一、动作类型的个性特色
二、喜剧类型的个性特色
三、凸显的黑帮类型
四、其他商业类型及导演的个性特色
第三节 文艺片“作者”的个性特征
一、后现代意识的滥觞
二、愈强的人文关注意识
三、再现情感
四、艺术与商业的互文
五、麦兜系列：美术片奇观
六、其他文艺片导演

第七章 低迷中延续·融合中发展——香港电影的分众化时期（2007-）
第一节 CEPA后香港电影的产业态势
一、“北上”语境下香港制片业的分化
二、香港院线业的分众发展
第二节 香港本土电影：“港味”的延续与发展
一、商业类型片中的经典类型回归及新类型的拓展
二、商业类型片中的极致化
三、现实题材文艺片中的本土情怀
四、港式人文理念的刻意放大
第三节 两地台拍电影：从互融互汇到后融合
一、两地合拍电影投资环境的改善和美学力量的分化
二、从水土不服到互融互汇
三、后融合：CEPA后两地电影合拍在第二阶段的变化
附录一：香港电影工业年表（1913-2015）
附录二：香港电影影人在内地、台湾及海外地区获奖一览表
主要参考文献
后记

卷首语 在浩瀚的电影艺术长河中，香港电影以其独特的地理坐标、复杂的历史背景以及融合多元文化的特质，书写了浓墨重彩的一笔。它既是东方都市脉搏的真实写照，也是全球流行文化的重要组成部分。本书旨在以严谨的学术视角，梳理香港电影自诞生以来的发展脉络，探讨其在不同历史阶段所展现出的艺术风格、产业结构变迁以及文化意涵的深刻变化。我们不将香港电影视为孤立的现象，而是将其置于更广阔的亚洲乃至世界电影语境中进行考察，力求呈现一部兼具深度与广度的香港电影艺术史。 --- 第一编：萌芽与奠基（1897-1949） 第一章 早期试探与默片时代 本章聚焦于香港电影的“前史”阶段，即从1897年影像传入香港到有声电影大规模普及的这段时期。我们将细致考察第一部本土制作的界定，以及早期制片商如何应对来自欧美和上海的竞争。重点分析早期港片的主题倾向，如民间故事改编、时装伦理剧的兴起。 早期放映与本土制作的诞生： 探讨早期洋行对电影发行的垄断，以及本地华商如何尝试建立自己的制片机构。分析香港早期电影人如何通过模仿与学习，初步建立起本土叙事的基础。 粤语片与国语片的早期竞争： 剖析20世纪30年代初期，受上海电影工业影响，国语片在香港市场占据主导地位的现象。同时，粤语片如何在方言优势下，逐步站稳脚跟，并形成早期以民间生活和通俗剧目为基础的审美趣味。 抗战时期的电影转向： 随着太平洋战争爆发和日军占领香港，电影制作陷入停滞。本章将梳理这一特殊历史时期对电影人才、技术和题材的冲击，以及战后电影工业的艰难重建过程。 第二章 战后重建与邵氏兄弟的崛起 二战结束后，香港电影业迎来短暂的复苏，特别是1950年代，国语片和粤语片市场格局发生剧变。本章的核心是考察邵氏兄弟（S.H. Bros.）如何从新加坡起家，逐步将业务重心转移至香港，并最终确立其在国语片市场的领导地位。 “电懋”（MP & GI）的挑战与合作： 介绍与邵氏分庭抗礼的电懋公司，其在引入西方现代管理模式和培养新一代导演方面所做的努力，以及它对香港电影工业化进程的推动作用。 类型片的初步定型： 梳理黄飞鸿系列（关德兴主演）在粤语片中的巨大成功，分析其民族主义精神和武侠元素的融合。同时，考察国语片中黄梅调歌舞片的流行，及其对东南亚市场的巨大影响力。 --- 第二编：黄金时代的转型（1960-1979） 第三章 工业成熟与武侠新浪潮 1960年代是香港电影制作技术趋于成熟，并且在题材上寻求突破的关键十年。本章深入探讨传统武侠片向“新派武侠”的演变。 张彻与胡金铨的艺术分野： 重点分析张彻（强调男性阳刚之气与悲剧宿命）和胡金铨（侧重古典美学与历史意境）两位导演如何以邵氏为平台，开创了香港电影史上最重要的一种类型——新派武侠片。分析其美学语言（如暴力美学、场面调度）对后世的影响。 现代都市题材的萌芽： 考察在邵氏和电懋体系之外，关注香港都市生活、社会矛盾的非主流电影（如王晶早期作品的先声），以及粤语片在这一时期的挣扎求存。 第四章 李小龙的全球效应与功夫片的革命 李小龙的横空出世，是香港电影史上一个无法绕过的里程碑事件。本章分析他如何通过个人魅力、武术理念与电影制作的结合，将香港功夫片推向世界。 功夫片体系的建构： 从《唐山大兄》到《死亡游戏》，分析李小龙电影在动作设计、剪辑节奏和角色塑造上如何颠覆既有模式，并确立了香港动作电影的范式。 “嘉禾”的崛起与工业模式的调整： 考察嘉禾娱乐公司如何抓住李小龙带来的机遇，形成更灵活的制片和发行体系，以应对邵氏的庞大体系。 第五章 电视对电影的冲击与许氏兄弟的“市民喜剧” 1970年代，电视的普及极大地分流了观众。香港电影业面临重大危机，同时也催生了新的叙事方向。 许氏兄弟的社会洞察力： 重点分析许冠文、许冠英、许冠杰搭档的喜剧系列，如何精准捕捉了香港市民阶层的焦虑、贫富差距和对成功的渴望，用粤语对话和本土笑料赢回了大众市场。 本土意识的觉醒与“香港制造”： 探讨在文化身份认同开始浮现的背景下，本土题材（如廉政公署题材）和本土语言（粤语）在电影中的地位提升。 --- 第三编：新浪潮的冲击与风格的成熟（1980-1997） 第六章 香港电影新浪潮的爆发与作者论的建立 1970年代末期，一批从海外（尤其是美国电影学院）学成归来的年轻导演，带着新的电影语言和思想，对僵化的制片体系发起了冲击。 “新浪潮”的代表人物群像： 深入分析徐克、谭家明、许鞍华等人的作品，探讨他们如何将西方现代主义叙事技巧、对社会的反思与香港本土的文化元素相结合。分析《蝶变》、《名剑》、《投奔怒海》等作品的艺术价值。 “作者论”在香港的语境化： 讨论在缺乏稳定制片厂体系的情况下，导演个人风格如何在有限的资源中得到凸显，以及媒体对导演个人品牌的塑造作用。 第七章 动作美学的极致：武侠片与警匪片的辉煌 1980年代中期到90年代初，香港电影进入了高产量、高票房的“奇迹”时期，动作片成为其最核心的输出。 徐克的武侠新高峰： 分析徐克如何通过技术革新（如慢镜、飞车特技）和对传统武侠精神的解构，创造了如《笑傲江湖》系列和《黄飞鸿》系列等巅峰之作。 警匪片与英雄传奇： 集中讨论吴宇森暴力美学（如《英雄本色》、《喋血双雄》）的形成，以及它对世界动作片，尤其是好莱坞的影响。分析“兄弟情义”主题在特定历史语境下的文化投射。 第八章 黑色喜剧与都市疏离：王家卫的影像哲学 王家卫及其团队的出现，标志着香港电影开始向更具个人风格化和现代主义的影像探索迈进。 时间的破碎与空间的反思： 考察王家卫电影（如《阿飞正传》、《重庆森林》）中对时间流逝、都市边缘人物情感状态的独特处理，以及其标志性的摄影、美术和配乐风格。 杜琪峯的风格演变： 分析杜琪峯从早期“浪漫写意”到后期“银河映像”锐利、宿命感的黑色电影风格的转变，以及后者对传统港片叙事的颠覆。 --- 第四编：回归前夕的焦虑与变迁（1997-2010） 第九章 “后过渡期”的题材与市场 1997年香港回归，为香港电影市场带来了巨大的心理和实际的冲击。本章着重分析这一时期电影人在文化身份、市场策略上的调整。 身份认同的探讨： 梳理这一阶段出现的以“回归”、“殖民历史”、“身份焦虑”为核心主题的电影作品，分析它们如何试图界定“香港人”的文化主体性。 北上合拍的初期尝试： 探讨随着中国内地市场重要性日益增加，香港电影人开始与内地资本和审查制度接洽，合拍片模式初现端倪及其对本土创作自由的影响。 第十章 艺术探索与类型回溯 在市场压力下，香港电影也出现了回归经典类型、进行风格化“回溯”的现象，同时，独立电影运动也艰难地进行着探索。 类型片的回潮与创新： 分析在经典功夫片、警匪片基础上进行的当代化改编（如《无间道》的成功），以及它们如何平衡内地市场需求与香港本土审美。 本土独立影像的声音： 考察在主流工业之外，一些关注社会微观层面、坚持使用低成本制作的独立电影工作者，他们为香港电影艺术的延续性提供了新的可能性。 --- 结语：面向未来的影像坐标 本研究的结语将对香港电影在跨世纪以来所展现出的强韧生命力进行总结。香港电影艺术史的价值，在于它提供了一个观察全球化、殖民遗产、都市化进程与文化杂糅的独特文本。尽管面临产业规模的调整和人才结构的变动，但香港电影在叙事技巧、动作设计和都市美学方面的积累，仍然是世界电影宝库中不可或缺的一部分。本书力求为读者提供一个全面而深入的理解框架，以评估香港电影的艺术遗产及其对当代亚洲电影格局的持续影响。

评分☆☆☆☆☆

这部书的装帧设计简直让人爱不释手，封面那种带着微微磨砂质感的纸张，摸上去就感觉内涵非凡，黑白灰的主色调配合恰到好处的烫金字体，透露出一种低调而深沉的学术气息。我尤其喜欢它在排版上的用心，字里行间那种恰到好处的留白，让阅读过程变成了一种享受，而不是被密密麻麻的文字所压迫。每一章节的标题设计都别具匠心，字体大小和粗细的微妙变化，引导着读者的目光自然地深入文本。那种老派的、工整的排版风格，让人联想到二十世纪中叶那些经典的学术著作，仿佛每一次翻页，都能感受到历史的厚重感。即便是随手翻阅，也能感受到编辑团队在细节上倾注的心血，这绝对是一本值得收藏的书籍，光是放在书架上，就足以提升整个空间的文化品味。

评分☆☆☆☆☆

坦率地说，这本书的学术深度是相当可观的，对于入门者来说，可能需要一些耐心和反复研读，尤其是一些关于早期技术革新和美学流派的章节。但是，正是这种严谨和不妥协的态度，使得它在同类书籍中显得鹤立鸡群。作者在引用和脚注方面的处理极为规范和详尽，这对于希望进一步深挖某一特定主题的研究者来说，简直是莫大的福音，提供了无数可以追溯源头的线索。我个人非常欣赏作者对于“边缘叙事”的关注，那些常常被主流历史叙事所忽略的女性导演或小众流派，在这本书里得到了应有的尊重和深入的分析，这体现了作者广阔的胸襟和公正的史观。

评分☆☆☆☆☆

这本书的价值，绝不仅仅体现在其详实的史料梳理上，更在于它提供了一种全新的审视视角。它巧妙地将电影艺术的演变置于更广阔的文化和哲学背景之下进行考察，让人开始重新思考“什么是好的电影”这个问题。作者在分析某些经典片段时，引用了大量晦涩难懂的理论来支撑自己的观点，但其论证过程却出奇地清晰有力，犹如抽丝剥茧般将复杂的艺术现象层层解构。对于我们这些非科班出身的爱好者来说，这本书无疑是一座灯塔，它不仅教会我们“看”电影，更重要的是，教会我们如何带着批判性的眼光去“理解”电影背后的文化代码和时代密码。

评分☆☆☆☆☆

我花了整整一个周末的时间，沉浸在这本书的文字世界里，几乎忘记了时间的存在。最让我感到惊喜的是，作者对于不同地域、不同风格电影之间的相互借鉴和影响关系的梳理，处理得极为圆融和辩证。它清晰地展示了艺术如何在交流中获得新生，那种跨越地域的对话感，让原本可能显得零散的电影史料，串联成了一条条富有生命力的河流。书中穿插的那些罕见的剧照和访谈摘录，更是为文本增添了强烈的现场感，仿佛能听到导演们在那个年代特有的口音和激情。读完后，我立刻打开了几个尘封已久的经典片单，准备用新的视角重新审视那些曾经被我忽略的细节。

评分☆☆☆☆☆

阅读这本书的体验，就像是跟随一位资深的向导，穿越迷雾重重的历史长廊，去探寻那些隐藏在光影背后的叙事逻辑。作者的笔触极其细腻，尤其在描述早期电影制作的幕后故事时，那种对细节的执着令人印象深刻。我仿佛能看到那些老一辈电影人为艺术献身的场景，他们如何在有限的资源下，用超乎想象的创造力，搭建起一个又一个光影的奇迹。这本书没有停留在简单的年代梳理，而是深入挖掘了特定历史时期下，社会思潮如何潜移默化地影响着镜头语言的表达方式，这种宏大叙事与微观个体命运交织的写法，让理论不再枯燥，而是充满了人性的温度和历史的张力。