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馮蘭芳 著

圖書標籤:

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齣版社： 首都師範大學齣版社

ISBN：9787565632594

版次：1

商品編碼：12279283

包裝：平裝

開本：16開

齣版時間：2018-01-01

用紙：膠版紙

頁數：420

字數：400

正文語種：中文

編輯推薦

此書是馮蘭芳教授從事高校普通音樂教育三十餘年的成就見證和心血結晶，也是普通高校音樂教育的一個縮影。願此書能夠引導大學生在學習、欣賞的過程中愉悅精神、啓迪智慧、陶冶情操、升華人格，成為普通高校音樂教育工作者和愛好者的良師益友。

內容簡介

本書是普通高校音樂教育創始人馮蘭芳副教授對學科宗旨、目標、課程設置、藝術實踐、教師培養及音樂學副修專業辦學模式等理論與實踐研究論文集。本書闡述瞭普通高校音樂教育的任務，收錄瞭音樂學副修專業畢業學生的成長過程和取得的成果。

作者簡介

馮蘭芳，1951年11月生，首都師範大學音樂學院副教授，音樂教育方嚮碩士生導師，中國礦業大學藝術與設計學院、海南瓊州學院講座教授，白城師範學院特聘教授，吉林大學公共藝術與研究中心客座教授。創建我國“普通高校音樂教育”學科，創建音樂學副修專業，為我國培養瞭大量音樂與科技、音樂與人文等交叉學科高層次研究人纔。主要社會兼職有中國高等教育學會音樂教育專業委員會學術委員會副主任、《高校音教》主編。受聘於“中華人民共和國教育史研究”總課題組和教育部工作組，參加全國教育科學“九五”規劃哲學社會科學重大課題“中華人民共和國五十年係列叢書”編纂工作，任《學校藝術·教育捲》撰稿人。被教育部聘為“全國大學生藝術歌麯演唱比賽綜閤素質測試”課題組專傢、“首都大學生理想之歌”歌詠比賽評委。主持我國哲學教育科學規劃“十一?五”重點課題“普通高等學校音樂副修專業培養藝術與科學相結閤綜閤性人纔的實踐與研究”。2000年被教育部評選為“全國學校藝術教育先進個人”，2017年被中國人文社會科學評價中心認定為中國哲學社會科學zui有影響力的學者。

圖書簡介：交響與詩篇——二十世紀西方音樂的變革與發展 主題聚焦： 本書深入剖析瞭二十世紀西方音樂領域所經曆的深刻變革、流派林立的藝術實踐以及技術革新對音樂美學觀念産生的顛覆性影響。它不涉及高等院校針對音樂教育專業學生的係統性樂理、視唱練耳或基礎聲樂器樂教學方法，而是著重於對宏觀音樂史發展脈絡、作麯技法前沿探索以及關鍵音樂傢思想哲學的梳理與闡釋。 --- 第一部分：時代的和聲——世紀初的斷裂與重塑 二十世紀初，歐洲社會在工業化與現代性思潮的雙重衝擊下，傳統音樂語言的根基開始動搖。本書首先迴顧瞭浪漫主義晚期瓦格納和馬勒留下的龐大遺産，並將其視為新探索的起點。 第一章：從調性到無調性——“第二維也納樂派”的革命 本章詳細考察瞭阿諾德·勛伯格如何係統性地瓦解瞭自巴赫以來統治西方音樂近三百年的大小調體係。我們不再關注如何教授學生在C大調上準確地演唱音階，而是探討為何需要拋棄調性。 自由無調性階段的掙紮： 分析瞭勛伯格早期作品中情感的極度擴張與精神焦慮的體現，例如《月之魅影》。 十二音體係的建立與邏輯： 深入解析瞭“十二音序列法”（Dodecaphony）的構建原理，包括音列的橫嚮排列、基本形式、逆行、倒影及逆行倒影的轉換矩陣。討論瞭這種高度結構化的理性控製如何試圖替代傳統功能和聲的自然導嚮。 繼承者的探索： 伯格與韋伯恩在繼承此方法論基礎上的個性化發展。韋伯恩對音色、節拍的碎片化處理，預示著未來“序列主義”的極端方嚮。 第二章：野蠻的迴歸——原始主義與節奏的解放 與德奧地區的理性結構主義相對，另一股強大的力量在法國和俄國湧現，他們將目光投嚮瞭非西方文化、民間音樂的粗糲力量，試圖以原始的生命力衝破精緻的學院派束縛。 斯特拉文斯基與《春之祭》的衝擊： 詳細剖析瞭這部作品如何通過對位法的粗暴並置、不協和音的直接堆疊以及對復雜、非對稱節奏（如2+3+2+3+2+2+3）的運用，徹底震碎瞭巴黎音樂沙龍的聽覺習慣。 巴托剋的民族主義融閤： 重點研究巴托剋·貝拉如何深入東歐腹地采集民間音樂的“語匯”，並將其內化為一種高度個人化的、兼具原始驅動力與精巧和聲設計的現代語言，例如他對“階梯式音階”和“非對稱節奏模進”的運用。 --- 第二部分：技法的拓寬——二戰前後的實驗浪潮 二戰的爆發改變瞭歐洲的文化地圖，作麯傢們開始尋求更徹底的控製或更徹底的自由。 第三章：新古典主義的迴歸與反思 並非所有人都走嚮瞭極端。一些作麯傢（如拉威爾、普羅科菲耶夫，以及早期的斯特拉文斯基）選擇瞭在繼承古典形式（奏鳴麯式、賦格、協奏麯）的框架內，注入現代的和聲色彩和節奏活力，形成一種“新古典主義”。 清晰的綫條與精簡的配器： 分析瞭如何通過減弱厚重的管弦樂織體，恢復對位法的清晰度，使音樂更具邏輯性和客觀性。 第四章：美國的崛起與爵士樂的對話 本章將視野擴展至大西洋彼岸，考察美國作麯傢如何將本土的非洲裔音樂元素融入嚴肅音樂創作。 格什溫與爵士的融閤： 探討《藍色狂想麯》中藍調音階、切分節奏和“藍潮”（Blue Note）如何被納入管弦樂的框架中。 科普蘭的“開放空間”美學： 分析科普蘭如何通過對大三和弦的反復使用和清晰、歌唱性的鏇律綫，創造齣代錶美國精神的宏大敘事音樂。 --- 第三部分：聲音的邊界——戰後電子與機遇的探索 二戰後，錄音技術、電子學和控製論思想極大地拓展瞭“音樂”的定義。 第五章：全麵序列主義與技術至上 在達姆施塔特夏令營的推動下，作麯傢試圖將“序列化”的控製推嚮極緻，不僅控製音高，還控製時長、力度、音色等一切參數。 巴布裏安的“物化”傾嚮： 分析布列茲（Pierre Boulez）如何構建極其復雜的節奏結構，並探討這種對作麯傢意誌的絕對執行是否導緻瞭音樂的僵硬化。 第六章：電子音樂與偶發藝術的顛覆 本部分是對傳統音樂傢身份的根本挑戰。 電子閤成與磁帶音樂： 介紹科隆工作室的“純電子音樂”（Elektronische Musik）與美國哥倫比亞-普林斯頓工作室的區彆，以及電子濾波器、振蕩器如何成為新的“樂器”。重點討論閤成器技術的進步如何使得聲音素材的獲取不再依賴於傳統樂器演奏。 約翰·凱奇與不確定性： 深入探討凱奇的哲學基礎——禪宗思想與對噪音的接納。詳細分析《4分33秒》的結構（或反結構），以及如何通過“機遇操作”（Chance Operations），如使用《易經》，將演奏者的主觀能動性降到最低，將聽眾對環境的感知提升到核心地位。這不是關於如何寫齣一段鏇律，而是關於如何設置一個事件框架。 --- 結論：從結構到生態——二十世紀音樂的遺産 本書最後總結，二十世紀的音樂發展是一部不斷“去中心化”的曆史：從調性的中心，到作麯傢意誌的中心，最終走嚮瞭聲音事件本身的中心。本書提供的分析框架，旨在幫助讀者理解這些復雜作品背後的時代焦慮、哲學思辨與技術革新，而非提供一套教學或演奏指南。它是一部關於思想和風格的史詩，而不是關於技法和實踐的教科書。

評分☆☆☆☆☆

這本書的知識廣度令人嘆服，它簡直就像一個微縮的音樂教育史博物館。我原本以為它會主要聚焦於近現代的教學法改革，但深入閱讀後發現，作者對從古代的七藝到中世紀的博雅教育，再到文藝復興時期的樂師培養模式，都有著相當詳盡且批判性的梳理。尤其讓我印象深刻的是，書中對不同曆史時期社會結構如何影響音樂教育目標的分析，論證得非常透徹。它沒有割裂地看待“學什麼”和“為什麼學”，而是將其置於宏大的曆史和社會文化背景之下進行考察。這種全景式的視野，極大地拓寬瞭我對“音樂教育”這個概念的理解邊界。很多時候，我們習慣於在現有的框架內修修補補，而這本書卻提供瞭一把鑰匙，讓我們得以審視那些被時間掩蓋的、卻依然可能蘊含真知灼見的古老智慧。這不僅僅是一本關於如何教音樂的書，更是一本關於人類審美和知識傳承的史詩。

評分☆☆☆☆☆

這本書的裝幀設計著實讓人眼前一亮，封麵那淡雅的米色調，配上燙金的字體，散發著一種沉靜而專業的學術氣息。我當初在書店看到它時，就是被這種低調的質感所吸引。它拿到手裏頗有分量，紙張的質地也相當考究，觸感細膩，油墨印刷清晰銳利，即便是長時間閱讀，眼睛也不會感到疲勞。內頁的排版也看得齣設計者的用心，章節之間的留白處理得恰到好處，既保證瞭閱讀的舒適度，又使得整體版式顯得疏朗有緻。特彆是書中偶爾穿插的一些曆史圖片和樂理圖示，那些黑白照片的顆粒感和綫條圖的精準度，都體現瞭齣版方對學術嚴謹性的堅持。這本書的物理形態本身，就已經是一件值得收藏的藝術品，它不像一些當代快餐式的教材那樣追求花哨的色彩和廉價的紙張，而是散發齣一種曆久彌新的古典美學，讓人在翻閱的過程中，不自覺地就進入瞭一種對知識的尊重與敬畏之中。光是捧著它，就能感受到一種被精心對待的閱讀體驗，這在現今這個浮躁的時代，是難能可貴的。

評分☆☆☆☆☆

這本書的哲學思辨深度，是它與其他同類書籍拉開差距的關鍵所在。它不僅僅是在傳授“術”，更是在探討“道”。在探討技術層麵之外，作者花瞭不少篇幅去追問音樂教育的終極價值：我們到底為什麼要對孩子進行音樂教育？是為瞭培養未來的演奏傢，還是為瞭塑造完整的人格？書中對於“美育”在現代社會中的尷尬地位進行瞭深刻的反思，並勇敢地挑戰瞭一些主流功利化教育的傾嚮。它引導讀者跳齣眼前的分數和考級壓力，去思考音樂在情感連接、文化認同乃至個體生命體驗中所扮演的不可替代的角色。這種對教育本質的拷問，讀起來讓人既感到震撼，又有些許沉重，因為它要求我們不斷校準自己的教育航嚮，確保我們沒有在追逐錶象的繁華中，迷失瞭音樂教育的靈魂所在。這種能夠激發深刻反思的著作，纔是真正值得反復品讀的經典。

評分☆☆☆☆☆

這本書的語言風格真是太“接地氣”瞭，它完全沒有那種高高在上的理論說教腔調。我之前讀過幾本音樂教育類的著作，要麼是術語堆砌，讀起來像在啃一本晦澀的哲學著作，要麼就是過於口語化，顯得不夠嚴肅。但這本書的作者似乎找到瞭一個絕妙的平衡點。他們用一種娓娓道來的敘事方式，將那些復雜的教育理念和實踐方法，拆解得如同烹飪一道精緻的菜肴，步驟清晰，環環相扣。比如，在闡述某個和聲教學法時，作者會先用一個非常生活化的例子來引發讀者的共鳴，然後再逐步引嚮理論核心，最後落腳到實際課堂操作的技巧上。這種“抑揚頓挫”的錶達，使得即便是像我這樣，理論基礎並非最紮實的人，也能輕鬆跟上作者的思路，並且在理解的同時，腦海中已經開始模擬實際教學場景瞭。我甚至覺得，這本書與其說是一本教科書，不如說是一位經驗豐富的前輩，在深夜裏，泡著茶，耐心地和你分享他幾十年的教學心得，那種親切感是其他冷冰冰的文字所無法比擬的。

評分☆☆☆☆☆

我特彆欣賞這本書在方法論上的創新和實用性。很多教育理論讀起來都很美好，但一到實際操作層麵就立刻露餡，因為它們往往忽視瞭現實教學中的種種限製，比如班級規模、學生個體差異、可用的資源等等。這本書在這方麵做得非常齣色，它不隻是停留在“應該如何”的層麵，而是深入到瞭“如何在有限條件下實現最優效果”的層麵。書中提供的那些案例分析，案例的選取極其貼近我們日常的工作場景，比如如何在一個隻有簡單鋼琴和兩把小提琴的教室裏開展閤奏訓練，或者如何平衡專業特長生與普通愛好者的教學進度。作者在提齣解決方案時，總會提供不止一種備選路徑，並且清晰地標注齣每種路徑的優缺點和適用人群。這種“工具箱”式的結構，讓這本書的實用價值大大提升，我感覺自己不再是孤軍奮戰，而是有瞭一個強大的、可隨時查閱的智囊團在背後支持著我的教學實踐。