【后浪直营】《如何做导演：从观念到技术》电影导演书籍 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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商品名称：【后浪直营】《如何做导演：从观念到技术》电影导演书籍

商品编号：12402012940

店铺： 后浪出版公司官方旗舰店

商品毛重：120.00g

类型：理论

商品参数

著   者：［美］威廉?保尔（William Ball）      
译   者：孙菲 蔡骁颖                      
字   数：160千
书   号：978-7-5502-9738-8               
页   数：248
出   版：北京联合出版公司                  
印   张：7.75
尺   寸：143毫米×210毫米                 
开   本：1/32
版   次：2017年7月第1版                 
装   帧：平装
印   次：2017年7月第1次印刷             
定   价：35.00元
正文用纸：75克书纸

编辑推荐

这是一本专门写给年轻导演的剧场常识和技巧，主要针对剧场工作中可能遇到的林林总总的实际问题，因而有着非常强的实践意义，可以帮助年轻导演少走弯路。书中内容来自美国戏剧学院创始人威廉?保尔在美国戏剧学院导演课的讲义，也是威廉?保尔四十年舞台经验与教训的系统梳理。 ------------------------------------------------------------------------------------------------ 作者以与学生对话的口吻，汇总并解答了剧场工作中可能遇到的诸多观念或实操问题 作者帮你从观念上避开导演思考问题时常见的思维误区并找到判断作品时常用的审美依据 从试戏选角、读本排练，到彩排首演，每一环节所遇问题皆可在相应章节找到答案 全书专设一章讲述舞台语言的言外之意，帮助导演更高效地使用舞台语言来丰富场面调度 书中附有表演专用术语表和导演在现场常用句子集锦，帮助导演更好地与演员沟通

作者的话

导演必须去相信 我们能制造信念 导演是个去相信的人 不仅相信剧本里发生的故事 还相信该剧所承载的意义 相信自己 能够站在角落看着这部剧卖出去 相信它有市场 并且能让观众相信它的美丽 ——威廉?保尔

著者简介

威廉?保尔（1931—1991），演员、导演、美国戏剧学院（A.C.T.，American Conservatory Theater）创始人及艺术总监。1958年凭《伊凡诺夫》获外百老汇戏剧奖奥比奖和剧评人奖（纽约戏剧委员会奖）。随后在休斯敦艾力剧院、旧金山演员训练班、阿瑞娜大舞台演艺中心、圣地亚哥老环球剧院担任导演。1959年，凭借外百老汇作品《牛奶树下》获劳拉奖和外围剧评人奖。1962年，其导演的《六个寻找剧作家的角色》再次获得多项大奖。1965年凭《伪君子》获托尼奖。1979年，凭借其在美国戏剧学院剧目演出和人才培养方面的杰出贡献而获得托尼奖。

译者简介

孙菲，戏剧导演，中央戏剧学院戏剧教育系青年教师。编导作品有《少年法庭》《幸福的烦恼》《苏格拉底之死》，导演作品有《伪善者的奴隶》《艾比大王》，译著有《戏剧的故事》。另发表《导演元素训练中创作主体意识的培养》《后现代戏剧对导演创作的影响》等理论文章，并曾参与编撰《小学戏剧课堂课程教材》（教师用书 1—3年级）。 蔡骁颖，北京外国语大学英语学院学士，英国布里斯托大学硕士，北外剧社前社长，曾导演并出演《我爱桃花》《窗台上的尸体》等话剧，并参与制作出品《暗恋桃花源》《宝岛一村》《未完待续》《V独白》。

内容简介

本书是美国戏剧学院创始人威廉?保尔四十年舞台经验的系统梳理，整合自他在美国戏剧学院导演课上的授课内容，也是专门写给年轻导演的剧场常识和技巧。作者保留了与学生对话般的轻松言语，坦率解答了创作中会遇到的林林总总的问题，例如：在观念上，导演应具备怎样的素养？影响其做出重大决策的原则是什么？应该避免哪些思维误区？在导演工作中，从试戏、选角到排练、首演，与演员沟通、解读剧本有哪些技巧？需注意哪些问题？此外，作者还专设一章，介绍了标志性调度、标志性道具等高效率的视觉叙事手段。  

目录

前 言
Chapter 1  从艺术的源头开始
Chapter 2  完美的直觉
Chapter 3  成功的基石
Chapter 4  试戏和选角
Chapter 5  怎样处理与演员的关系？
Chapter 6  角色的任务
Chapter 7  排练的过程
Chapter 8  舞台语言的言外之意
后 记
附 录 表演专用术语和技巧
致 谢
出版后记

电影制作的艺术与实践：从创意萌芽到银幕呈现的完整指南 这是一本深度剖析电影创作核心流程的专业著作，它并非聚焦于某一位导演的个人传记或某一特定流派的美学探讨，而是致力于为有志于从事电影工作，或对电影幕后运作充满好奇的读者，构建一个全面、系统的知识框架。 本书的重点在于拆解电影制作从无到有，从抽象概念到具体影像的每一步关键环节。我们摒弃了对特定作品的过度解读，转而深入探讨那些跨越时代、流派，被无数成功电影制作人所遵循的结构化方法论和实用技术工具集。 第一部分：叙事核心与剧本架构的科学 电影的生命力源于故事。本卷将引导读者超越“讲一个好故事”的泛泛之谈，进入剧本构建的精细工坊。 1. 故事的哲学基础： 我们探讨“冲突”与“动机”在叙事中的驱动作用，分析不同文化背景下观众对角色渴望与阻碍的心理接受度。内容涉及经典三幕剧结构在高概念叙事中的适应性调整，以及非线性叙事对观众体验的影响研究。 2. 角色塑造的深度挖掘： 角色并非简单的符号堆砌。本部分详述了如何通过“内在需求”（Want）与“外在需求”（Need）的张力来建立复杂的人格深度。我们将介绍角色弧光的设计模式，以及如何利用次要角色来映照和推进主角的成长，避免出现“工具人”式的扁平化角色。 3. 场景的建筑学： 剧本中的每一个场景都必须具备功能性。本书详细解析了场景的“微结构”，包括如何设计场景的开场钩子、信息释放节奏，以及如何确保场景间的有效转场，保证叙事动力的持续累积，而非简单的事件罗列。同时，也会分析“潜文本”的运用，即对话之下隐藏的情绪暗流如何通过剧本的字里行间被精准预设。 第二部分：视觉语言与前期准备的精密度 一旦故事蓝图完成，挑战便转向如何将文字转化为可感知的图像。本部分侧重于前期准备中，对未来影像风格的精确规划。 1. 镜头语言的词汇表： 我们不会局限于基础的广角、中景、特写等概念，而是深入探讨镜头运动（如摇摄、推轨、斯坦尼康的心理暗示）、焦距选择对观众空间感知的影响，以及景深控制在突出主体或营造环境氛围中的具体技巧。理解镜头不是拍摄工具，而是叙事视角本身。 2. 场面调度（Mise-en-scène）的逻辑推演： 场面调度是对所有视觉元素（演员、灯光、服装、道具、布景）在固定画面内进行的设计与编排。本书提供了分析性的框架，指导如何通过环境元素的摆放来揭示权力关系、人物情绪状态，以及场景的时代背景，确保每一个被框入镜头的元素都在为最终的叙事目的服务。 3. 视觉风格的制定与管理： 什么是“电影感”？它并非单一指标，而是前期准备中对色彩科学（色调板的建立）、光线设计（高调、低调、伦勃朗光等）的系统性选择。本章提供了一套方法论，用于将抽象的“情绪”转化为可操作的视觉参考（Lookbook/Moodboard）系统，确保所有部门在美学上保持高度一致。 第三部分：拍摄现场的流程管理与危机应对 拍摄现场是创意与现实激烈碰撞的熔炉。本卷侧重于高效沟通、资源整合以及在压力下做出关键决策的实战技能。 1. 跨部门沟通的桥梁： 电影制作是高度协作的艺术。本书详述了制片部门、导演部门与摄影部门之间，以及美术、灯光部门之间的标准沟通流程和术语。重点在于如何清晰、无歧义地传达创作意图，避免因信息传递偏差导致的拍摄延误和返工。 2. 调度效率的优化： 时间是现场最宝贵的成本。我们将分析如何科学地制定日拍摄计划（Dailies Schedule），如何预判技术复杂性（如复杂的威亚、绿幕工作）对进度的潜在影响，并提供优化机位设置和灯光快速调整的实用策略，以最大限度地利用光照时间和演员的精力。 3. 演员的引导艺术： 导演与演员的合作是核心环节。本书不探讨演员的私人训练，而是聚焦于导演如何建立信任关系，如何通过精准的语言（而非空泛的指示）来引导演员进入特定情境，以及如何处理不同表演风格演员之间的协调问题，确保表演的连贯性与情绪的准确性。 第四部分：后期制作中的重塑与完成 剪辑室是二次创作的场所。本部分解析后期流程如何决定最终电影的节奏、张力和观众体验的完整性。 1. 剪辑的节奏学： 剪辑不仅仅是“把镜头接起来”。本书深入探讨了不同类型电影（如动作片、惊悚片、文艺片）对节奏感的不同要求。内容包括对跳切（Jump Cut）的合理性分析、对“非时间性”蒙太奇的运用，以及如何通过剪辑点来操纵观众的情感预期。 2. 声场的设计与混音： 声音设计占据了观众体验的半壁江山。本章阐述了对白清晰度、环境音（Ambience）的层次构建，以及音乐（Score）如何与画面内容进行“对位”或“反讽”处理。详细介绍了混音过程中，声音元素在不同层次（如Foley、ADR、音乐、效果音）中的动态平衡。 3. 调色与最终交付： 调色是赋予影片最终情绪温度的关键一步。我们将解析数字色彩空间、LUTs（查找表）的应用，以及如何通过对比度、饱和度和色温的调整，来固化前期确立的视觉风格，确保影片在所有放映媒介上都能呈现出导演意图中的最佳状态。 总结而言，本书提供的是一个制作流程的“工程学蓝图”，旨在培养读者从宏观概念到微观执行的完整思维链条。它是一部关于如何系统性地、专业地将一个创作想法转化为一部可以被全球观众体验的完整电影作品的操作手册。

评分☆☆☆☆☆

这本书最难能可贵的一点是，它成功地在“艺术追求”与“商业考量”之间搭建了一座坚实的桥梁。许多书籍要么过于沉溺于学院派的理论，脱离了市场现实；要么就是过度迎合商业元素，失去了艺术的灵魂。然而，这本书的作者显然是一位在两者之间游刃有余的实践者。他深入探讨了如何保持创作者的独立声音，同时又能有效地与投资方、制作团队进行建设性对话。书中对于如何“讲一个好故事”的理解，包含了对观众心理的深刻洞察，这是一种非常成熟且负责任的创作态度。它教会我如何既要仰望星空，又要脚踏实地，让自己的艺术理想能够在现实的土壤中生根发芽，开出真正有影响力的花朵。这种平衡感，是经验积累的最好证明。

评分☆☆☆☆☆

从阅读体验上来说，这本书的文字风格非常具有感染力，它不像某些专业书籍那样干巴巴、冷冰冰的，而是充满了作者独特的个人魅力和对电影事业的赤诚热爱。作者的叙事节奏把握得极好，时而幽默风趣，能让人会心一笑，时而又变得深沉严肃，引人深思。阅读过程中，我常常被作者的激情所感染，感觉自己不是在阅读一本“教材”，而是在听一位经验丰富的前辈，坐在壁炉边，慷慨地分享他一生的心血和教训。这种亲近感极大地降低了理解门槛，让原本可能晦涩难懂的专业概念变得平易近人。这种人情味和温度，使得这本书不仅仅是知识的载体，更像是一剂精神上的强心针，极大地鼓舞了我继续在电影这条漫长而艰辛的道路上探索下去的勇气。

评分☆☆☆☆☆

我是一个对实践操作细节非常看重的读者，这本书在这方面的处理简直是教科书级别的详尽。它没有回避那些技术层面的“硬骨头”，反而用一种近乎手术刀般的精确度，剖析了从前期筹备到现场调度，再到后期剪辑的每一个关键节点。特别是关于场景调度和演员沟通的部分，书中提供的案例分析非常生动，让我看到了那些大师级导演是如何在瞬息万变的片场中，将抽象的画面构思具化为精准的镜头语言的。我甚至能想象出作者在写下这些文字时，脑海中是如何快速地切换着不同的拍摄环境和挑战，然后将最有效的解决方案提炼出来。对于我这种需要将理论迅速转化为实际操作的人来说，这种细致入微的指导简直是无价之宝，它减少了大量的试错成本，直接指向了高效和精准。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计着实让人眼前一亮，那种沉甸甸的质感，拿在手里就感觉不是那种快餐式的读物，封面设计简洁却蕴含深意，色彩搭配也很有格调，一看就知道是精心打磨过的。纸张的选择也相当考究，光滑却不反光，阅读起来非常舒适，即便是长时间翻阅，眼睛也不会感到疲劳。我特别喜欢它内页的排版，字里行间留白得当，让思考有了伸展的空间，而不是被密密麻麻的文字压迫。装订方面也做得非常扎实，感觉能经受住岁月的考验，绝对是那种可以常年摆在书架上，时不时拿出来翻阅的“传家宝”级别的书籍。从拿到手的瞬间起，我就能感受到出版方在各个环节对品质的坚持，这不仅仅是一本书，更像是一件艺术品，体现了对阅读体验的极致追求。这种对细节的执着，让我对书的内容本身也充满了期待，毕竟，愿意在外观上投入如此心力的作品，想必内容也不会让人失望。

评分☆☆☆☆☆

这本书的内容深度和广度远远超出了我原先的预期，它不像市面上那些泛泛而谈的“入门指南”，而是真正深入到了创作的核心肌理之中。作者似乎有一种魔力，能将那些抽象的、难以言喻的导演思维，拆解成一个个可以理解、可以实践的步骤。阅读过程中，我发现自己不再是被动地接收信息，而是在不断地进行自我审视和反思，很多过去困惑我的拍摄手法和叙事结构问题，在书中的某个章节突然间豁然开朗。那种醍醐灌顶的感觉，不是来自于简单的知识灌输，而是更高层次的观念构建。它提供了一套完整的思考框架，让你明白“为什么”要这么做，而不是仅仅告诉你“该怎么”做。读完前几章，我已经感觉自己的创作视野被极大地拓宽了，像是从一个狭小的窗口，突然推开了一扇通往广阔海洋的大门。