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桑桐著 著

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出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787805539539

商品编码：25859121452

出版时间：2001-05-01

作  者:桑桐 著 定  价:95 出 版 社:上海音乐出版社 出版日期:2001年05月01日 页  数:554 装  帧:平装 ISBN:9787805539539 ●《中国艺术教育大系》序
●前言
●上编传统和声
●部分自然音和声的复习
●基本写作要求
●一、四声部写作
●二、音的重用与省略
●三、和弦音的排列位置
●四、声部组合方式
●五、原位和弦与转位和弦
●六、和弦标记
●七、和弦连接方法
●八、声部进行
●九、根音关系
●十、根音进行的强弱作用
●十一、习题写作方式
●第二章三和弦
●一、各级三和弦的级数与名称
●二、正三和弦与副三和弦
●三、和声的功能
●部分目录

内容简介

本书分上、下两编，上编为“传统和声”，由于大部分作曲、理论在音乐中学或校外已学习过基础的和声知识，故本教程将調内和声材料归纳为靠前部分“自然音和声的复习”。下编为“近代和声”，是本书新编的部分，试图让学生了解和掌握传统和声以后的一些近代和声的应用方法。从四个方面讲授、分析近代和声的一些处理方法。它们的范围限于十二平均律的和声手法，一般不涉及非十二平均律基础的处理方法，亦不涉及旋律、节奏以及作曲法等方面。

《和声学教程》 之外的音乐世界：一部关于音乐结构与风格演变的深度探索 图书简介 本书并非传统意义上的《和声学教程》，它避开了枯燥的音级排列、和弦功能归纳以及严格的四部和声练习，转而将焦点投向一个更为宏大且富有生命力的音乐领域：从复调的织体逻辑到二十世纪以来的调性解构，再到世界音乐中的非西方和声思维。我们试图构建的，是一部关于“音乐如何组织声音的宏观历史与微观机制”的导览图，而非一本工具书。 本书共分为六个主要部分，力求在理论深度与审美体验之间找到一个平衡点。 --- 第一部分：巴洛克与古典主义的“声响几何学”：超越功能和声 这一部分将深入剖析巴洛克时期（特别是巴赫的对位法）和古典主义时期（海顿、莫扎特）音乐结构的核心驱动力。我们关注的不是“属和弦解决到主和弦”的简单规则，而是线性逻辑如何孕育出稳定的和声场域。 1. 对位法的织体张力与空间感： 我们将分析赋格曲和卡农的构造，重点探讨横向线条间的相互作用如何生成纵向的“瞬时和弦”。这是一种“结果优先于预设”的思维，与后世严格的功能和声训练截然不同。我们将详细解析巴赫《平均律键盘曲集》中，单个声部如何自我驱动，并无意间构建出丰富的三、七和弦色彩。 2. 主调音乐的“调性平衡术”： 古典主义时期，和声被用来塑造戏剧性的空间感和句法结构。本部分将探讨“侧重关系”而非“功能指向”的调性处理。例如，莫扎特如何通过快速的模进和巧妙的转调，在不破坏整体稳定性的前提下，创造出情绪的起伏。我们将对比分析奏鸣曲式中呈示部、展开部和再现部中，和声语言在结构布局中所扮演的建筑师角色。 3. 不完善的和弦与色彩暗示： 传统教程往往急于将所有和弦归类。本书则会细致考察“过渡性和弦”和“装饰性和弦”的审美价值。探究那些不完全符合严格规则的“不协和音”，如何在特定历史语境下，成为音乐叙事的关键标记。 --- 第二部分：浪漫主义的色彩革命与和声的“心理投射” 浪漫主义时期，和声的边界被前所未有地拓宽，它不再仅仅是支撑旋律的骨架，而是直接承载情感、记忆与哲思的载体。 1. 瓦格纳的“和声的无尽延长”： 重点分析《特里斯坦与伊索尔德》中的和声语言，特别是著名的“特里斯坦和弦”。本书将探讨这种和弦如何故意模糊了功能性解决的可能性，从而在听觉上营造出永恒的渴望与未完成感。这是一种对时间流逝的音乐化处理。 2. 德彪西与印象主义的和声“悬浮”： 聚焦于如何利用全音阶、五声音阶和复杂九和弦，来“描绘”光影、水波和瞬间的感官体验。我们将研究“和声的非功能化”——和弦不再是为了解决而存在，而是为了其自身的音响质地（Timbre）和色彩而存在。这标志着音乐开始从“动”向“静”的审美转向。 3. 民族乐派的和声语汇： 考察德沃夏克、穆索尔斯基等作曲家，如何将本民族的民间调式和特有的音响元素融入到欧洲的十二平均律体系中，创造出既有地域色彩又具备宏大叙事性的和声图景。 --- 第三部分：二十世纪的“调性崩塌”与新的结构秩序 随着音乐材料的极大丰富，传统的调性中心开始瓦解，作曲家们必须寻找新的组织声音的逻辑。 1. 调式对位与新古典主义的回溯： 分析斯特拉文斯基和巴托克如何从民间音乐和古代调式中汲取灵感，重建一种“后功能性”的调性结构。这是一种对古典形式的回归，但其内部的和声语言却是全新的、棱角分明的。 2. 荀伯格与“十二音体系”的内在逻辑： 深入解析无调性音乐的组织原则。我们不将十二音技法视为一种僵硬的“反和声学”，而是将其视为一种高度数学化的、旨在消除传统调性等级结构的全新“横向与纵向的平等”系统。探讨不同音列排列如何影响音乐的整体动势和主题发展。 3. 序列音乐的全面控制： 探讨布列兹等作曲家对音高、时值、力度、音色等所有音乐要素进行序列化处理的尝试，以及这种极端结构化带来的听觉体验——从“中心”走向“均质”。 --- 第四部分：非西方音乐中的“和声”观念——跨文化视野 本书的独特之处在于，它打破了仅以欧洲十二平均律体系为中心的视角，探索其他文化中对声音组合的理解。 1. 印度拉格（Raga）体系的“垂直张力”： 阐释印度古典音乐中，核心音（Sa）的稳定性和旋律音（Raga）的细微音高变化如何共同创造出一种持续的、不对称的听觉张力，这种张力与西方三和弦的解决机制完全不同。重点分析无人声演唱（Alap）阶段的音响构造。 2. 伽美兰（Gamelan）的复调镶嵌： 考察印尼爪哇和巴厘岛音乐中，不同音高的金属打击乐器如何通过周期性的、快速交织的音型，共同构建出一种“闪烁”的、非中心化的音响场。这里的“和声”是时间与节奏的交错而非音高的堆叠。 3. 阿拉伯“玛卡姆”（Maqam）的微音与情感： 分析四分之一音（Quarter Tones）在阿拉伯音乐中的作用，以及它们如何通过细微的音高偏移，营造出西方调性体系无法企及的特定情感色彩。 --- 第五部分：当代音乐中的“声场塑造” 本部分关注战后至当代的音乐实践，探讨声音本身成为首要关注点时，和声学的概念如何被彻底重塑。 1. 电子音乐与合成器的“音色即和声”： 分析合成器如何通过滤波、包络和调制，创造出前所未有的复合音色，这些音色本身就包含了复杂的内部谐波结构，使得传统的和弦分析变得多余。 2. 极简主义的“持续之声”： 考察赖利、史蒂夫·赖克等作曲家，如何通过相差极小的重复音组（Phase Shifting），自然地“浮现”出新的和声组合。这是一种“听觉错位”产生的和声效果，而非作曲家预先写下的。 3. 噪音音乐与声音景观的介入： 探讨“非音乐性”声音（如环境音、工业噪音）如何被整合入音乐作品中，它们构成的“声音密度”与传统和声的“音高密度”形成了有趣的对比。 --- 结语：声音组合的开放性 本书的最终目标是解放读者对“和声”的传统认知。我们希望证明，音乐的组织方式远比任何单一的教程所能涵盖的要丰富得多。从巴赫的线条到特里斯坦的和弦，从拉格的音高系统到伽美兰的节奏镶嵌，所有这些都是人类对声音世界进行秩序化构建的伟大尝试。本书提供的是一个分析的工具箱，它鼓励读者去倾听那些不被既定规则所约束的，更广阔的音乐地平线。阅读完本书后，听众将能更敏锐地识别出不同风格中，声音是如何被精心编织起来的。

评分☆☆☆☆☆

作为一名音乐学院的学生，我接触过不少和声学教材，但《和声学教程》这本书，给我留下了极其深刻的印象。它不像我之前接触的许多教材那样，枯燥乏味，公式化的讲解让人望而却步。相反，这本书以一种更加人性化、更加富有启发性的方式，引领我进入和声的奇妙世界。作者的讲解思路非常清晰，逻辑性极强，每一章的知识点都像是一块块精密的拼图，最终组合成一幅完整而壮丽的和声图景。我尤其喜欢书中关于“动机发展”和“和声序列”的讲解。这些概念在很多教材中都可能被一带而过，但在《和声学教程》中，作者给予了足够的重视，并且提供了非常详细的分析和大量的范例。我通过对这些范例的深入研究，不仅理解了作曲家是如何通过巧妙的动机变化来发展音乐，更学会了如何自己去创造出富有逻辑性和吸引力的音乐片段。书中还特别强调了“和声的听辨”能力训练，这一点对于我们音乐学习者来说至关重要。通过书中提供的听辨练习，我能够更准确地识别和弦类型、和弦进行，甚至预测即将到来的和弦，这极大地提升了我的音乐分析和创作能力。这本书，不仅是我的学习工具，更是我音乐思维的一次升华，它让我看到了和声学背后蕴含的无穷创意和无限可能，也让我对未来的音乐学习充满了更强的信心。

评分☆☆☆☆☆

初识这本书，是在一个偶然的机会下，朋友推荐我找一本关于和声学的入门教材。我平时对音乐一直很有兴趣，但总觉得理论上的东西有些晦涩难懂，总想找一本能让我真正理解音乐语言的书。拿到《和声学教程》的时候，我并没有抱太大的期望，毕竟市面上的教程鱼龙混杂。然而，当我翻开第一页，就立刻被吸引住了。作者的笔触非常细腻，语言生动形象，不像我之前看过的那些枯燥的教材，让人感觉像是和一个经验丰富的老师在对话。书中从最基础的音程、和弦讲起，循序渐进，每个概念都辅以大量的乐例，而且这些乐例的选择都非常经典，我普段就非常熟悉的旋律，竟然隐藏着如此精妙的和声构造。让我印象深刻的是，书中并没有简单地罗列规则，而是深入浅出地解释了这些规则背后的逻辑和美学意义。比如，在讲到终止式时，作者不仅仅告诉你有哪些类型的终止式，还会分析为什么某些终止式能带来稳定感，而另一些则会产生紧张感。这种“知其然，更知其所以然”的讲解方式，让我豁然开朗，也让我对和声的理解不再是机械的记忆，而是上升到了艺术欣赏的层面。我甚至会时不时地停下来，回味一下自己正在听的音乐，试着去分析其中的和声走向，这种成就感是前所未有的。这本书，真的让我对和声学产生了浓厚的兴趣，也为我打开了音乐创作的大门。

评分☆☆☆☆☆

作为一名长期在爵士乐领域摸爬滚打的乐手，我一直以来都觉得和声是爵士乐的灵魂所在，没有扎实和声基础，就如同没有根基的高楼，永远无法建立起真正的深度和广度。所以，当我看到《和声学教程》这本书时，便毫不犹豫地入手了。这本书带给我的惊喜，远超我的预期。它并没有局限于古典和声的范畴，而是将目光投向了更广阔的音乐世界，尤其是对现代音乐，包括爵士乐、流行乐中的和声运用，都有非常独到的见解和详细的分析。作者在书中对各种色彩和弦、转位和弦的讲解，让我耳目一新。我过去在演奏中常常依赖经验和感觉，虽然也能奏出一些动听的乐句，但总感觉少了点系统性的支撑。这本书恰恰弥补了我的这一短板。它不仅解释了这些和弦的功能和用法，还深入探讨了它们如何为旋律增加层次感和表现力。我特别喜欢书中关于“和声连接”的部分，作者提出了几种非常实用的连接方法，让我能够更自如地在不同的和弦之间切换，创作出更流畅、更具感染力的音乐。而且，书中还提供了一些非常实用的练习，让我能够将理论知识转化为实际的演奏技巧。每次练习完，我都会感觉自己在音乐理解上又上了一个台阶。这本书，无疑是我音乐道路上的一位良师益友，它让我的演奏更加丰富，也让我的创作更加自信。

评分☆☆☆☆☆

作为一个对古典音乐情有独钟的爱好者，我总是在聆听大师们的作品时，被那些宏大、细腻、充满情感的音乐所打动。然而，在欣赏之余，我也常常困惑于，是什么样的力量，让这些音乐如此富有层次和感染力？《和声学教程》这本书，就像一把钥匙，为我打开了理解这一切的门。我尤其欣赏作者在书中对“和声的织体”和“和声的色彩”的深入剖析。书中不仅仅是讲解了基本的和弦构成，更着重于探讨不同和弦组合在一起时所产生的微妙变化，以及这些变化如何影响音乐的情感表达。我曾经对那些复杂的、不常听到的和弦感到畏惧，但读了这本书之后，我才明白，原来它们并非无迹可寻，而是有着自己独特的“性格”和“功能”。作者通过大量的巴洛克、古典以及浪漫时期的乐谱片段，细致地分析了作曲家们是如何运用和声来营造氛围、塑造人物形象，甚至推动情节发展的。例如，书中对莫扎特和贝多芬作品中某些转调手法的分析，简直是精彩绝伦，让我如醍醐灌顶。我开始意识到，和声不仅仅是“伴奏”，更是音乐的“语言”，是作曲家用来诉说情感、构建世界的重要工具。读完这本书，我再回过头去听那些熟悉的古典乐章，感觉完全不一样了，仿佛能听到更多隐藏在旋律之下的信息，音乐的深度和美感也随之提升。

评分☆☆☆☆☆

一直以来，我对音乐理论的认知都停留在“旋律+节奏”的简单构成上，感觉和声就像是高高在上的艺术殿堂，我这类普通爱好者难以企及。直到我偶然间接触到了《和声学教程》。说实话，一开始我对它并没有抱太大的希望，想着可能和以前看过的其他教材一样，充斥着各种术语和公式，读起来索然无味。但事实证明，我的顾虑是多余的。这本书的叙述方式极其的亲切和接地气，仿佛一位耐心细致的长者，用最浅显易懂的语言，带领你一步步走进和声的世界。作者在讲解每一个概念时，都会结合生活中的例子，或者用非常直观的比喻来帮助我们理解。比如，在讲解“和弦的功能”时，作者并没有直接抛出“主、属、下属”这些概念，而是先从“家的感觉”、“旅行的动力”这些通俗易懂的比喻入手，让我瞬间明白了和弦在音乐中扮演的角色。更让我惊喜的是，书中还提供了很多互动性的设计，例如一些填空题、选择题，以及一些需要自己动手去分析和编写的小练习。这些练习的设计非常巧妙，既不会让人感到枯燥，又能有效地巩固所学知识。通过这些练习，我不仅掌握了和声的理论，还学会了如何去“听”出音乐中的和声。现在，当我再听一首熟悉的歌曲时，我不再是盲目地欣赏旋律，而是能够隐约感受到背后那些默默支撑着旋律的和声线条，这种感觉真的很奇妙。