英皇钢琴考级教材英皇乐理1-5 体育类水平考试 音乐基础知识 艺术 艺术类考试 音乐类考 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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周诗蕾 著

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店铺： 弗洛拉图书专营店

出版社： 高等教育出版社

ISBN：9787040333022

商品编码：26284149159

包装：平装

开本：12k

出版时间：2012-02-01

商品参数

英皇钢琴考级教材英皇乐理1-5
	定价	56.00
	出版社	高等教育出版社
	版次	1
	出版时间	2012年02月
	开本	12k
	作者	周诗蕾
	装帧	平装
	页数
	字数
	ISBN编码	9787040333022
	重量

内容介绍

英皇乐理学习手册(1-5级)》作者参照“英皇考级乐理大纲”，将在“英皇考级”乐理1—5级的考试中出现的内容进行提纲式、要点式的总结和排序，提供了一些辅导学生和培训教师等方面的可行方法，并附上每级的模拟试题和参考答案，希望能以指导手册的形式为教师、家长和学生们提供一些帮助。

目录

第壹级

一、拍子与节奏Time and Rhythm

基础时值Basic time value

更多的时值More time value

小节线与拍号Bar line and time signature

五线谱上的音符 The note on the stave

休止符、延音线、附点音符Rests，Tie and Dotted notes

二、音高Pitch

高音谱号与低音谱号The Treble clef and Bass clef

临时记号与取消临时记号Accidentals and cancelling an Accidental

三、音阶Scales

半音和全音Semitone and tones

大调音阶的构成The major scale

音阶中的音级The degrees of a scale

四、音程Intervals

五、和弦Chords

主三和弦The tonic triad

六、节奏创作Rhythmic posin9

2个小节的节奏答句创作方式Twobars answerphrase

七、演奏指示Performance Directions

八、第壹级乐理考试模拟试题Grade l Model Exam Paper

*二级

一、音高Pitch

加线Ledger line

……

第三级

第四级

第五级

附录

好的，这是一本关于国际标准古典音乐演奏技巧与历史的图书简介，旨在为读者提供一个全面而深入的学习框架，与您提到的“英皇钢琴考级教材”及乐理、体育类考试的范畴形成鲜明对比。 --- 辉煌的键盘史诗：从巴洛克到二十一世纪的钢琴演奏艺术与大师研究 图书简介 本书并非专注于某一个特定音乐教育体系（如英皇考级）的等级划分或应试技巧，而是将目光投向浩瀚的古典音乐历史长河，聚焦于钢琴——这一西方音乐史上最伟大的乐器之一——的演奏美学、技术演变及其背后的文化土壤。本书的目标读者是严肃的钢琴学习者、音乐史研究者、音乐教师以及所有渴望超越考级曲目、真正理解古典音乐精髓的爱好者。 我们深入探讨的，是如何在尊重历史语境的前提下，运用现代演奏工具（钢琴）去诠释跨越四个世纪的音乐语言。 第一部：键盘乐器的起源与古典的奠基（巴洛克至早期古典主义） 本部分将带领读者回到钢琴尚未诞生的时代，追溯其前身——羽管键琴（Clavichord）和古钢琴（Harpsichord）的构造与发声原理。理解这些乐器如何塑造了巴赫、亨德尔等早期大师的音乐思维。 核心内容聚焦： 1. “触键即发声”的革命： 详细解析击弦钢琴（Pianoforte）的发明，及其在音色动态（Piano-Forte）上对音乐表达的根本性突破。这与仅强调音高、音色的早期乐器有着本质区别。 2. 指法的历史演变： 研究早期演奏家如何应对键盘布局和指法限制。例如，巴赫时代常用的指法与十九世纪李斯特的“解放”指法之间的差异，以及这种差异对乐曲处理的影响。我们不会涉及考级要求的固定指法，而是探讨风格性指法的合理选择。 3. 巴洛克时期的复调艺术与演奏： 重点剖析《平均律钢琴曲集》的结构、对位法在演奏中的“线条感”处理。这要求演奏者在多个声部间建立清晰的逻辑关系，而非仅仅区分主旋律与伴奏。我们探讨如何使用触键的轻重变化来描绘赋格中的“对话”，而非依赖踏板效果。 第二部：古典主义的清晰与浪漫的激情（古典主义至浪漫主义中叶） 古典主义音乐追求的清晰结构、平衡的比例，与浪漫主义时期对个人情感的极致释放形成鲜明对比。本书将细致分析演奏者如何驾驭这两种截然不同的审美范式。 核心内容聚焦： 1. 海顿与莫扎特的结构清晰性： 探讨奏鸣曲式在演奏中的“戏剧性”处理。如何通过节奏的微妙弹性（Rubato的早期形态）来强调结构的关键转折点，保持旋律的歌唱性，同时避免浪漫主义的过度渲染。 2. 贝多芬：古典的终结与浪漫的序曲： 深入分析贝多芬钢琴作品中蕴含的英雄主义精神与对钢琴性能的极限探索。我们将探讨他对踏板使用的创新，以及演奏者如何平衡力度对比与音色的颗粒感。 3. 肖邦与李斯特的钢琴语言： 这一章节专注于“钢琴诗人”如何将民族特色与个人天赋融入键盘演奏。我们研究肖邦作品中“歌唱性（Cantabile）”的内在要求，以及李斯特为追求宏大音响效果而发展的革命性技巧（如双音跑动、八度连奏）。这里，重点是如何不以牺牲音乐的精致性为代价来展现炫技。 第三部：钢琴演奏技艺的深化与现代声音的探索（晚期浪漫至二十世纪） 随着钢琴制作技术的成熟，音板的延展性增强，演奏家得以探索更广阔的音域和更复杂的和声色彩。 核心内容聚焦： 1. 德彪西与印象主义的和声色彩： 分析印象派音乐对钢琴音色“渗透性”的要求。这与德奥体系的清晰颗粒感截然不同。我们研究如何运用踏板创造“模糊的色彩层”，如何处理五声音阶和全音阶带来的非传统和声关系。 2. 二十世纪的现代主义与先锋探索： 涵盖巴托克、斯特拉文斯基等作曲家对键盘演奏技法的挑战。这包括节奏的复杂化、使用不协和音程的恰当处理，以及对钢琴本身作为“打击乐器”潜能的挖掘。这部分内容将完全超越传统的“悦耳”标准，进入对声音本质的探究。 3. 演奏中的“历史知情”： 如何在演奏一首巴赫的赋格时，参考羽管键琴的音色特点，指导现代钢琴的触键方式；在演奏勃拉姆斯时，参考其对前人风格的继承与反思。这是一种跨越时代壁垒的对话。 本书的独特价值（区别于考级教材） 本书不提供任何分级的练习曲目清单，不关注“通过考试”所需的标准答案。相反，它致力于培养读者的批判性听觉与分析能力： 强调“风格意识”： 告知读者在面对不同时代的作品时，应采取何种不同的触键速度、踏板使用哲学和节奏处理方式。 技术即表达： 将钢琴技术视为实现音乐思想的工具，而非孤立的“技术训练”。例如，探讨如何通过加强手指的独立性来更好地展现复杂的对位线条，而非仅仅为了完成琶音练习。 深入的文献研究： 引用大量作曲家书信、早期乐谱注释、以及权威演奏家的访谈记录，为读者提供一手资料支撑，引导读者形成自己的演奏见解。 本书是献给所有希望深入挖掘钢琴音乐灵魂的求知者的深度指南。它要求读者不仅会“弹奏”音符，更要懂得“聆听”历史。

评分☆☆☆☆☆

这本书的名字给我一种“包罗万象”的感觉，我抱着试试看的心态去探索，结果却发现它比我预期的要“精”很多。首先，它在“英皇钢琴考级教材”这块做得非常扎实，但它并没有把考级当成唯一目的，而是把它作为一个“引子”，引导读者去了解更深层次的音乐知识。我之前在学习乐理时，常常会遇到一些模棱两可的概念，比如为什么某个和弦在这个地方听起来是“解决”了，而换个地方又感觉“不安宁”。这本书通过大量具体的音乐片段，结合了不同时期的作曲家风格，非常清晰地解释了这些“为什么”。它甚至还会提到一些关于“乐感”的培养方法，比如如何去捕捉旋律的呼吸感，如何去体会和声的色彩变化，这些都是我在其他教材里很少看到的。而当我看到“体育类水平考试”时，我有点摸不着头脑，但读进去之后才发现，作者的视角非常独特。他将音乐的节奏、速度、力度与体育运动中的动态和表现力进行类比，让我从身体的运动感知去理解音乐的能量流动。例如，在描述进行曲时，他会联系到步伐的整齐和前进的动力；在形容跳跃的音符时，他会比喻成运动员的轻盈跳跃。这种跨界解读，让原本抽象的音乐概念变得具象化，也让我对音乐的体验更加立体。至于“音乐基础知识”和“艺术类考试”的部分，它也不是简单的知识罗列，而是更侧重于音乐在艺术整体中的地位和作用。他会探讨音乐如何与其他艺术形式互动，比如电影配乐如何烘托情绪，戏剧中的音乐如何推动情节。这种宏观的视角，让我不再局限于孤立地看待音乐，而是能理解它作为一种表达方式在更广阔的艺术领域中的价值。这本书的语言风格也很特别，它不像是一本刻板的教科书，更像是朋友间的交流，充满了启发性和引导性。

评分☆☆☆☆☆

这本书的书名，尤其是“体育类水平考试”和“艺术类考试”这些字眼，让我感到非常好奇，因为它打破了我对音乐教材的固有印象。我原本以为它会是一本严肃的乐理书，但翻开后，我发现它更像是一场音乐的“发现之旅”。在“英皇钢琴考级教材”的部分，它并非简单地堆砌考级内容，而是将乐理知识融入到对经典音乐作品的分析中。我一直觉得乐理很难，但这本书用了很多生动的比喻，比如把和弦的进行比作一段故事的起伏，把旋律的走向比作一条河流的蜿蜒。它还引用了大量不同风格的音乐片段，让我能够直观地感受到乐理知识在实际音乐中的应用。而“体育类水平考试”这个章节，我一开始以为会与音乐关系不大，但作者却巧妙地将音乐的“律动感”、“节奏感”与体育运动中的“协调性”、“力量感”联系起来。他会通过描述运动员的奔跑、跳跃来类比音乐的速度和力量变化，让我从身体的体验去感受音乐的动态。这种跨界的解读方式，极大地拓展了我对音乐的理解维度。至于“音乐基础知识”以及“艺术”的探讨，这本书做得非常深入。它不仅讲解了音乐的基本要素，还探讨了音乐在更广泛的艺术领域中的地位和作用，比如音乐如何与其他艺术形式相互影响，以及音乐的审美价值。它鼓励读者去思考音乐的情感表达能力，以及音乐在文化中的意义。这本书的写作风格非常流畅，它不是那种死板的教科书，而是更像一位经验丰富的音乐家在分享他的心得体会，让我读起来既增长了知识，又充满了乐趣。

评分☆☆☆☆☆

拿到这本书，我第一反应是它名字的“跨界”程度有点惊人，尤其是“体育类水平考试”这个说法，让我很好奇里面到底会有什么内容。结果一翻开，发现它在“英皇钢琴考级教材”这块的处理方式非常巧妙。它并没有把乐理知识讲得像一本枯燥的字典，而是通过很多实际的音乐片段，去让你“听”懂乐理。比如，在讲到调性的时候，它不会简单地告诉你什么是“大调”和“小调”，而是会让你听一段明亮欢快的曲子，告诉你这就是大调的感觉，再听一段忧伤的曲子，告诉你这就是小调的感觉。这种“听”与“学”结合的方式，让我对乐理的理解不再是空洞的理论，而是有了实际的感受。而“体育类水平考试”部分，我原本以为会比较牵强，但作者竟然能把音乐的“力量感”和“速度感”与体育项目中的“爆发力”和“冲刺速度”联系起来，甚至还提到一些音乐的“协调性”对于身体协调性的影响。虽然不是真的要去做体育测试，但这种类比让我对音乐的动态和节奏有了更直观的理解，也让我感受到音乐的活力。关于“音乐基础知识”和“艺术”的阐述，更是让我眼前一亮。它不再是局限于音乐本身，而是将音乐视为一种更广阔的艺术表达方式，探讨了音乐与其他艺术门类在情感表达、形式构成等方面的共通之处。比如，它会对比音乐的“音色”与绘画的“色彩”，音乐的“节奏”与舞蹈的“律动”，让我对音乐的理解上升到了一个全新的维度。这本书的语言风格也很有感染力，它不像一本刻板的教科书，而是像一位充满热情的老师在跟你分享他对音乐的热爱，让你在学习的过程中充满动力。

评分☆☆☆☆☆

这套书名确实有点绕，但当我真正翻开它，我惊喜地发现，它并不是我之前想象的那样，塞满了枯燥的乐理公式和考级大纲。相反，它更像是一位耐心且经验丰富的音乐导师，循序渐进地引导我走进音乐的世界。我一直对乐理感到畏惧，总觉得那些五线谱、调性、和弦就像天书一样难以理解。但这本书巧妙地将抽象的乐理知识融入到生动有趣的音乐案例中，比如通过分析我喜欢的流行歌曲的旋律走向，来解释音阶的构成；通过讲解经典名曲的结构，来阐述乐句和段落的逻辑。这种“学以致用”的方式，让我不再是被动地记忆，而是主动地去感受和理解音乐的内在规律。更让我惊喜的是，书中穿插了许多与体育、艺术相关的跨界内容。我本来以为“体育类水平考试”只是个噱头，没想到作者竟然能将音乐的节奏、力度、速度与体育运动中的协调性、爆发力、耐力巧妙地联系起来，甚至还给出了一些练习建议，让我能从身体运动的感受去理解音乐的律动。而关于“音乐基础知识”的部分，更是将那些原本枯燥的名词解释得生动形象，比如用“颜色”来比喻音色，用“建筑”来类比曲式结构，让我对音乐有了全新的认识。这本书的编排设计也十分人性化，每一章都配有大量的例题和练习，并且答案解析非常详细，能及时纠正我的错误，加深我的理解。我尤其喜欢书中关于“艺术”和“艺术类考试”的章节，作者不仅仅局限于音乐本身，而是将音乐置于更广阔的艺术视野中去审视，探讨了音乐与其他艺术形式的联系和区别，以及如何在艺术创作中运用音乐的元素。这对于我这样一个对艺术充满好奇，但又缺乏系统学习的人来说，无疑是一份宝贵的启示。我原本以为自己只是想应付一下钢琴考级，现在看来，这本书已经让我萌生了更深入学习音乐的念头。

评分☆☆☆☆☆

说实话，一开始被这书名里的“体育类水平考试”和“艺术类考试”吸引住了，总觉得里面会有什么新奇的视角。读下来之后，果然没让我失望，它确实在尝试打破传统音乐学习的界限。关于“英皇乐理1-5”，这本书并不是简单地复述考级大纲，而是把每个知识点都分解得非常细致，并且给出了很多不同风格的例子。我尤其喜欢它在讲解和声时，会引用一些古典音乐和现代流行音乐的片段，让我能够清晰地对比出不同时代的和声特点，也更容易理解和声的“功能性”。比如，在讲到属和弦解决到主和弦时，它不会停留在理论层面，而是会播放一段乐曲，让你直接“听”出那种“稳定感”的来源。而“体育类水平考试”的部分，作者的想象力真的非常丰富。他用音乐的“节奏”和“速度”来类比体育运动中的“节奏感”和“爆发力”，比如描述篮球运动员的运球节奏，或者田径运动员冲刺时的速度感，然后将这些感受巧妙地与音乐的节拍和速度变化联系起来。我以前从来没想过，音乐的学习可以和身体的运动体验结合得如此紧密，这让我在练习钢琴时，也能感受到一种更自然的律动。至于“音乐基础知识”和“艺术”，这本书的讲解非常有深度，它不只是告诉你“是什么”，更是告诉你“为什么”以及“如何去做”。它会探讨音乐的“表现力”究竟体现在哪里，比如旋律的起伏、节奏的强弱、音色的变化等等，这些都与“艺术”的本质有着千丝万缕的联系。作者还鼓励读者去思考音乐在不同艺术门类中的作用，比如绘画的色彩与音乐的音色，雕塑的形态与音乐的结构。这种开放性的探讨，让我觉得这本书不仅仅是一本学习资料，更像是一次艺术的探索之旅。