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姜秦丰 著

图书标签:

• 乐理学
• 音乐理论
• 姜秦丰
• 西南师范大学出版社
• 考研
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• 教材
• 音乐
• 9787562169895
• 乐理教程

店铺： 一碧万顷图书专营店

出版社： 西南师范大学出版社

ISBN：9787562169895

商品编码：29542789889

页数：187

图书基本信息
书名：	乐理教程
丛书名：
作者/主编：	姜秦丰
出版社：	西南师范大学出版社
ISBN号：	9787562169895
出版年份：	2014年8月

版次：	第1 版
总页数：	187页
开本：	16
图书定价：	32元
实际重量：	0.259kg
新旧程度：	正版全新

第一章 音及音高
第一节 音乐声学常识
第二节 乐音体系
第三节 音的分组
第四节 音域和音区

第二章 五线谱记谱法
第一节 记谱法概述
第二节 谱表
第三节 音符休止符
第四节 音符时值的特殊划分
第五节 谱号及各种谱表
第六节 变音记号
第七节 节奏节拍
第八节 音值组合法

第三章 音程
第一节 音程的基本概念
第二节 自然音程与变化音程
第三节 单音程与复音程
第四节 音程的转位
第五节 音程识别与构成的方法
第六节 等音程
第七节 协和音程与不协和音程

第四章 和弦
第一节 三和弦
第二节 七和弦
第三节 和弦的识别与构成
第四节 和弦的各种变化形式
第五节 等和弦

第五章 大调式和小调式
第一节 调式
第二节 大小调式的调式音级
第三节 大调式
第四节 小调式
第五节 调号
第六节 大小调的比较
第七节 调式分析

第六章 中国民族调式
第一节 五声调式
第二节 六声调式
第三节 七声调式
第四节 中国民族调式的调式分析

第七章 调式中的音程
第一节 自然调式中的音程
第二节 和声调式中的音程
第三节 不稳定音程的解决

第八章 调式中的和弦
第一节 调式中和弦的级数及标记
第二节 自然调式中的三和弦
第三节 和声调式中的三和弦
第四节 调式中的七和弦
第五节 属七和弦与导七和弦的解决

第九章 中古调式
第一节 中古调式的七种类别
第二节 中古调式的调式色彩
第三节 中古调式记谱中的调号问题

第十章 变音体系
第一节 调式变音的类别
第二节 半音音阶
第三节 全音音阶

第十一章 转调和移调
第一节 调的关系
第二节 转调
第三节 移调

第十二章 音律
第一节 五度相生律
第二节 纯律
第三节 十二平均律
第四节 三种律制的应用

第十三章 装饰音及省略记号
第一节 装饰音
第二节 省略记号

第十四章 演奏法记号及音乐术语
第一节 演奏法记号
第二节 音乐的速度
第三节 音乐的力度
第四节 常用表情术语

附录
附录1 曲式
附录2 其他音阶
附录3 中国传统音乐理论简介
附录4 熟练掌握和弦转位结构的方法
附录5 基本节奏型名称
附录6 和弦连接分析中的功能标记
附录7 和声功能及其进行的一般逻辑

　《乐理教程/21世纪全国高师音乐系列教材》共14章，包括记谱法常识、音程、和弦、调式、律学常识、转调、移调等乐理知识，在概念、定义上尽力做到准确而精炼。并有自己独特的创新：1.用表格来体现乐理中富于规律性的内容；2.首次在乐理教材中使用“实验”这种学习方法；3.注重知识点之间循序渐进的关联，从已掌握的知识中自然引入新的内容。4.为配合视唱练耳教学，设置了和弦改错题，加深学生对和弦等知识的理解。
　　《乐理教程/21世纪全国高师音乐系列教材》适合音乐各专业专科以上学生使用。

音乐理论与实践的广阔天地：深入探索音乐的构建与表达 本书旨在为音乐学习者提供一套全面、系统且富有启发性的音乐理论基础，涵盖了从最基础的音高概念到复杂的和声进行与曲式分析等多个层面。它不仅仅是一本理论的教科书，更是一座连接音乐知识与实际演奏、创作的桥梁。 第一部分：音乐的基石——音高、节奏与节拍 本书伊始，将带领读者深入理解音乐的“原子”——音高。我们将详细探讨十二平均律的构成原理，音程的精确计算与听辨训练。不同调式（大小调、五声调式乃至中国传统调式）的音高体系将被细致剖析，帮助学习者建立清晰的调性感知。 节奏与节拍是音乐的“骨架”。我们将从最原始的节拍概念入手，阐述拍号的选择如何影响音乐的情绪与律动。附点、休止符的准确书写与演奏规范将得到充分讲解。复节奏、复拍子等进阶节奏型的分析，旨在培养读者对复杂时间结构的驾御能力。我们特别强调节奏的“内化”过程，即如何通过身体感知而非仅仅依赖视觉符号来掌握节奏的精准性。 第二部分：和声的色彩——和弦的构造与功能 和声是赋予音乐深度与色彩的关键要素。本书对和声学的讲解遵循循序渐进的原则。首先，是三和弦的构建，包括大、小、增、减和弦的性质与转位。接着，深入探讨七和弦及九和弦等构成更丰富的和声色彩。 功能和声体系是理解西方音乐发展脉络的核心。我们将聚焦于主、属、下属三和弦的功能性差异及其在调性进行中的作用。导和弦、副属和弦等经过和弦的引入，将揭示音乐如何通过“色彩变化”来制造紧张与释放。对功能和声的深入理解，使得听者不再是被动接收旋律，而是能预见和声的走向。 在和声的练习部分，本书提供了大量的四部和声写作范例，要求学习者不仅要遵循严格的平行五八度禁忌，更要注重和声进行在音乐语汇上的连贯性与美感。 第三部分：旋律的线条与织体 旋律是音乐的“灵魂”。本书探讨了旋律线条的构成规律，包括乐句的划分、乐汇的组织，以及如何通过音区、音程关系来塑造流畅或跳跃的旋律。我们分析了不同时期作曲家（如巴洛克时期与浪漫主义时期）在旋律创作上的风格差异。 织体，即音乐声部的组合方式，决定了音乐的厚度与密度。从单音音乐（Monophony）到主调音乐（Homophony）的演变，再到复调音乐（Polyphony）的巅峰——如巴赫赋格的严谨结构，本书将系统解析各种织体类型。特别是在复调织体的分析中，我们将详细展示对位法的基本技巧，如模仿、卡农和赋格等，培养读者对多声部独立运动的辨识能力。 第四部分：曲式结构与音乐分析 音乐作品的结构如同建筑的蓝图。本书系统梳理了从最简单的二部曲式、三部曲式，到回旋曲式、奏鸣曲式等复杂结构。 奏鸣曲式作为古典主义音乐的核心形式，其呈示部、展开部和再现部的内部逻辑将作为重点讲解对象。展开部的“离调”与“冲突”，再现部的“解决”与“统一”，是分析的难点也是乐趣所在。此外，变奏曲、赋格曲等特定曲式的内在规律也将被逐一剖析。 通过对这些结构的分析，学习者能够超越单纯的音符识别，进入到对作曲家构思意图的理解层面，从而提升视奏、演奏和创作的水平。 第五部分：调性之外的探索与音乐实践 随着音乐语言的扩展，本书最后引入了对调性外音乐的初步探讨，包括半音阶、全音阶的使用，以及对十二音体系的概览，帮助学习者理解二十世纪音乐的新面貌。 在实践层面，本书强调理论与听觉的结合。我们内置了大量的听辨练习模块，要求学习者在听到一段音乐时，能够即时判断其调性、和弦性质、节奏复杂度乃至曲式片段。理论的学习不是为了禁锢创作，而是为了提供更自由的表达工具。 本书的编写风格力求清晰、准确，避免过度学术化导致的枯燥，同时保证其严谨性足以应对高等级的音乐专业考试与深入研究需求。它是一份陪伴学习者从入门走向精通的实用工具书。

评分☆☆☆☆☆

我是在准备专业考试的压力下接触到这本教材的，坦率地说，一开始我对厚厚的乐理书都有点望而却步，总觉得内容会晦涩难懂，充满术语的泥沼。但这本书的文字风格却出乎我的意料，它没有采用那种高高在上的学术腔调，而是像一位经验丰富的前辈在跟你娓娓道来。特别是关于配器法的那几个章节，讲得极其细致，不仅解释了每种乐器的音域和音色特点，还给出了非常实用的配器建议，这在其他教材里很少见到如此详尽的讨论。我感觉作者对教学过程中的难点有着深刻的理解，总能在最容易产生困惑的地方提前设置“知识点提示”或“易错辨析”，简直是量身定制的考前突击良方。更值得称赞的是，它在概念的界定上非常严谨，力求消除不同流派之间可能产生的理解偏差，这对于需要参加严格考试的学生来说至关重要。翻阅过程中，我发现排版设计也十分用心，重要的公式和定义都加粗或用方框突出，使得复习时重点一目了然，省去了自己整理笔记的大量时间。对于需要系统、深入掌握乐理知识的人来说，这本书的深度和广度都非常令人信服。

评分☆☆☆☆☆

我是一个对细节非常挑剔的读者，尤其在专业书籍上，我无法容忍任何模糊不清或前后矛盾的地方。这本教材在术语的统一性和概念的清晰度上做得近乎完美。例如，在区分“和弦转位”和“和弦外音”时，作者使用了非常精确且易于区分的图示和文字定义，彻底解决了困扰我多年的一个细微概念混淆。而且，它的参考书目部分也做得非常专业，列举了大量经典的外文原版著作和重要的国内研究成果，为有志于进一步深造的读者指明了方向。这体现了作者不仅是知识的传授者，更是学术规范的维护者。在学习过程中，我发现书中的许多图表和记谱示例都经过了仔细的校对，几乎找不到印刷错误或记谱疏漏。这种对学术严谨性的坚守，是衡量一本优秀教材的基石。对于想建立起一个扎实、无懈可击的乐理知识体系的读者而言，选择这本教材，绝对是做出了最稳健、最可靠的投资。它提供的知识体系是如此的坚固，足以支撑未来任何复杂的音乐研究。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我买过好几本乐理教材，但很多都像是一个冷冰冰的工具箱，里面塞满了各种规格的螺丝和扳手，但没人教你怎么组装家具。这本教材给我的感觉就完全不同，它充满了“人情味”和“音乐感”。作者似乎非常了解我们这些学音乐的人，知道我们的大脑更习惯于听觉和情感的输入，而非纯粹的逻辑推演。因此，书中的许多理论阐述都伴随着对听觉效果的描述，比如“当这个和弦解决到主和弦时，会产生一种强烈的回归感和安定感”，这种描述直接作用于我的经验层面。尤其是对“旋律写作”和“织体”的探讨，非常细腻，提供了大量如何避免陈词滥调、创造新意的具体方法，这对于提升我的作曲实践水平帮助极大。它不像一些理论著作那样高高在上，而是积极鼓励读者去实践、去创作。这本书更像是一份邀请函，邀请我们进入音乐家和作曲家的思维世界，去感受他们是如何将抽象的规则转化为动人的旋律和和声的。

评分☆☆☆☆☆

这本书的系统性构建是其最大的亮点之一，它巧妙地将音乐理论的各个分支——从基础的音高、节奏，到高级的对位法和复调写作——编织成一张严密的网。我最喜欢它处理“音乐分析”这一块的方式，它不是简单地罗列分析步骤，而是引导读者去思考“为什么是这样”，从而培养我们真正的音乐理解能力。例如，在分析奏鸣曲式时，它不仅画出了典型的结构图，还结合了不同历史时期的实例对比，揭示了曲式结构在发展中的动态变化。这让我意识到，乐理并非一成不变的教条，而是服务于音乐表达的工具。对于长期学习音乐的人来说，这种从“知其然”到“知其所以然”的跨越是至关重要的。此外，书中对一些非主流或边缘的乐理现象也有所涉及，显示出作者扎实的学术功底和广博的知识面，这使得这本书在面对复杂的、跨越时代的音乐作品时，依然能够提供有力的分析武器。每读完一个章节，我都有种豁然开朗的感觉，仿佛打开了一扇通往音乐更深层结构的大门。

评分☆☆☆☆☆

这套教材的编排真是别出心裁，从基础的和声学概念讲起，循序渐进地过渡到复杂的曲式分析，逻辑性极强。尤其是对每一个乐理知识点的讲解，作者都力求深入浅出，即便是初学者也能很快抓住核心。书中穿插了大量生动的音乐实例，让我对抽象的乐理规则有了更直观的认识。比如，在讲解调式转换时，不再是枯燥的公式堆砌，而是结合了具体的巴赫作品片段进行剖析，这种“理论联系实际”的做法，极大地激发了我的学习兴趣。而且，编排上非常注重实践应用，很多练习题的设计都紧贴音乐实践的需求，比如要求对特定风格的音乐进行和声配器分析，这对于我们这些想从事音乐创作或演奏的人来说，无疑是宝贵的财富。我特别欣赏它对近现代音乐理论的关注，不像一些老旧教材只停留在古典时期，这本书的视野更开阔，为理解当代音乐作品提供了必要的理论工具。封面设计也挺朴实的，虽然不花哨，但透着一股严谨和专业的气质，拿在手里就让人感觉踏实可靠。这本书绝对是音乐学子案头必备的工具书，它的价值远超教材本身，更像是一位耐心的、博学的导师在身旁指导。