辛笛应用钢琴基础教程(2)/辛笛应用钢琴教学丛书 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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辛笛 编

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店铺： 火把图书专营店

出版社： 上海音乐学院

ISBN：9787806925362

商品编码：29544804895

开本：16

出版时间：2010-07-01

基本信息

• 商品名称：辛笛应用钢琴基础教程(2)/辛笛应用钢琴教学丛书
• 作者：编者:辛笛
• 定价：35
• 出版社：上海音乐学院
• ISBN号：9787806925362

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2010-07-01
• 印刷时间：2015-12-01
• 版次：1
• 印次：6
• 开本：16开
• 包装：平装
• 页数：148

内容提要

《辛笛应用钢琴基础教程(2)》是作者辛笛应用 钢琴教学法速成教学系列丛书之一。作者本着应用型 人才的培养理念，注重音乐学科之间的横向联系，巧 妙地运用了应用钢琴的教学方法和特点，创作了这本 适合不同年龄段读者学习钢琴的基础入门教材。
     作者从应用钢琴教学的学习规律出发，通过I-V7 简易分解与半分解和弦伴奏音型、I-IV-V7和弦连接 与简易伴奏音型、II级与K64和弦的弹奏方法、简易 半分解和弦与流动低音等章节的安排，把实用基础乐 理知识、和声知识、钢琴基础训练、钢琴即兴伴奏等 学科整合到应用钢琴的教学与学习中，以求达到培养 学生的综合应用能力，为应用钢琴教学开辟了一条新 的教学思路。
    

目录

第一课 G大调练习
第二课 e小调练习
第三课 F大调练习
第四课 d小调练习
第五课 D大调练习
第六课 b小调练习
第七课 bB大调练习
第八课 g小调练习
第九课 三个升号调练习
第一节 A大调练习
第二节 #f小调练习
第十课 三个降号调练习
第一节 bE大调练习
第二节 c小调练习

钢琴演奏与音乐理论的广阔天地：精选曲目与教学法精要 本书系旨在拓展读者对钢琴学习的认知边界，深入探讨钢琴演奏艺术的多个重要维度，并梳理和呈现一系列有助于提升演奏技巧、深化音乐理解的经典与创新内容。本指南的编纂，着眼于为不同阶段的学习者提供一套全面、系统且富有启发性的学习资源，侧重于那些能够构建坚实音乐基础、拓宽艺术视野的知识体系。 第一部分：钢琴演奏核心技术与技巧的精细打磨 本部分将专注于解析钢琴演奏中至关重要的技术层面，这些技术是通往流畅、富有表现力演奏的基石。我们将详细探讨手指独立性、触键的细腻程度以及手臂与身体重量的合理运用。 1. 触键的物理学与美学： 深入分析不同力度（如 pianissimo 到 fortissimo）下，琴键的深度、速度以及与琴弦的初始接触方式如何直接影响音色的质量。我们将引入关于“颗粒感”和“歌唱性”音色的具体练习方法，这些方法侧重于通过精确控制手指的离心力和向下的推力来实现。例如，探讨如何通过手腕的微小调整来模拟弦乐器的揉弦效果，使长音具备更强的呼吸感。 2. 跨越难关的音阶与琶音的超越性练习： 传统的音阶和琶音练习往往被视为枯燥的基础功，但本指南强调的是如何将这些技术转化为音乐语言。我们将设计一系列非对称的、节奏变化的音阶练习，例如将三连音与四连音交替进行，以增强左右手的协调性和独立运作能力。对于跨越式指法，我们将引入“预测性”的指位转移训练，着重于身体重心的平稳过渡，而非单纯依靠手指的蛮力。 3. 复调织体与声部线条的清晰化： 巴赫的作品是多声部音乐的典范，处理复调织体要求演奏者同时扮演多个“角色”。本章将详细讲解如何通过“声部优先法”来分离不同声部。具体操作包括：先用不同的力度练习单个声部，然后将其以不同的音色质感叠加。例如，将低音声部处理得更“沉稳”和“支撑”，而高音声部则力求“明亮”和“穿透”。我们将探讨如何利用踏板的“分割”功能来保持主旋律的连贯性，同时避免低音声部过于浑浊。 4. 音乐中的时值控制与节奏的弹性（Rubato的艺术）： 节奏的精确性是所有音乐形式的基础，但过度的机械化会导致演奏僵硬。本部分将讨论如何掌握 Tempo Giusto（精确的拍子）与 Rubato（自由的拍子）之间的平衡。我们将分析肖邦等浪漫主义作曲家对 Rubato 的具体要求，它并非是简单的拖沓，而是旋律线在保持整体框架不变下，在局部进行的微妙呼吸。通过节拍器进行“渐快/渐慢”的专项训练，以培养内在的节奏驱动力。 第二部分：音乐史、风格鉴赏与作品解析 本部分将超越技术层面，聚焦于理解音乐的“语境”——作曲家的时代背景、流派特征以及不同时期作品的演奏风格要求。 1. 古典主义时期的结构美学： 深入剖析奏鸣曲式（Sonata Form）的内部逻辑，包括呈示部、发展部与再现部的功能性。我们不只是学习“这是什么”，而是探究“为什么是这样”。通过对莫扎特和海顿作品的分析，理解清晰的结构如何支撑起音乐的逻辑美感。重点讲解如何在演奏中清晰地划分乐句的“开始”、“发展”和“解决”，确保听众能够清晰地跟随音乐的叙事线索。 2. 浪漫主义时期的情感深度与织体扩展： 浪漫主义音乐强调个体内心的抒发与色彩的运用。本章将对比分析舒曼的“诗意”与李斯特的“炫技”背后共同的浪漫主义内核。重点解析踏板在浪漫主义音乐中的革新作用，探讨如何使用半踏（half-pedaling）技术来营造模糊而富有空间感的和声氛围，而非仅仅是简单的延长。同时，将解析李斯特炫技作品中，那些看似纯粹的技巧背后，如何服务于戏剧性的情感表达。 3. 印象派音乐的音色探索： 德彪西和拉威尔的作品标志着音乐对传统和声语法的突破。本部分将引导学习者领悟“模糊”与“暗示”的艺术。我们将专门分析全音阶、五声音阶以及非功能性和声在钢琴上的听觉效果。练习的重点将转移到对和弦色彩的感知上，例如如何通过指尖的轻微颤动（tremolo）来模仿水波的闪烁感，以及如何利用对比鲜明的力度层级来描绘光影的变化。 4. 20世纪音乐中的节奏与和声挑战： 简要介绍斯特拉文斯基的节奏复杂性，以及巴托克的民族音乐元素。对于初学者而言，接触这些作品的关键在于培养对不规则节奏的“身体记忆”，而不是仅仅依赖视觉阅读。我们将提供一些将复杂节奏“口语化”的练习方法，帮助学习者将抽象的记谱转化为直观的律动感。 第三部分：科学的学习方法与演奏心理调适 高效的学习策略是克服瓶颈的关键，而稳定的演奏心理则是将潜力完全释放的保障。 1. 有效的识谱与记忆策略： 强调“结构性识谱”而非逐音识谱。学习如何快速识别和弦走向、调性中心以及主题的再现模式。对于记忆，我们将介绍“多感官记忆法”，结合听觉（吟唱旋律）、触觉（手指肌肉记忆）和视觉（乐谱结构印象）进行三维度的巩固，而非仅仅依赖视觉记忆的脆弱性。 2. 练习中的自我诊断与纠错机制： 介绍如何设置“微观目标”来进行每日练习。当遇到技术难点时，应采用“拆解-慢速-分段-重组”的流程。重点是识别错误的“源头”——是手指无力、节奏不稳，还是预见性不足——然后进行针对性打击，避免无效的重复。 3. 舞台表现力与抗压训练： 讨论“演奏焦虑”的生理机制，并提供实用的应对策略，如“锚定点”技术（在演奏中关注某个稳定的听觉或触觉点）。分析成功的演奏者如何在临场状态下维持专注力，并将注意力从“自我表现”转移到“音乐信息传递”上来，从而减轻对失误的恐惧。 通过对这些维度的深入探索与实践，学习者将能构建一个更加坚实、更具艺术洞察力的钢琴学习框架，使其演奏不仅仅是技巧的展示，更是深刻的音乐交流。

评分☆☆☆☆☆

我对教材的实用性有很高的要求，尤其是在“自学友好度”方面。一本好的教材应该像一个耐心的老师，能够在你卡壳的时候提供清晰的“故障排除”指南。我曾经研究过一本在节奏训练上极为详尽的教材，它的独特之处在于，它没有将节奏训练和音符练习强行绑定在一起。而是独立设置了一个“节奏速读模块”，用图形化的方式展示了三连音、附点节奏在不同拍号下的视觉模型。更绝的是，它还提供了一套“默唱与身体律动”的练习方案，鼓励学习者先不用碰键盘，而是用拍手、跺脚的方式将节奏“内化”到身体里。这种先“听”后“弹”的思路，对于那些节奏感相对薄弱的学习者简直是福音。然而，当我尝试将这些节奏练习与实际的音阶或琶音结合时，我发现它在“速度的渐进性”处理上显得有些跳跃，从慢速到中速的过渡步子迈得太大，中间缺少一些更细致的“速度微调”练习来帮助手指适应变化。总的来说，它的节奏理论基础扎实，但实操层面的“速度平稳过渡”环节需要学习者自己多花心思去弥补。

评分☆☆☆☆☆

关于教材的整体结构和复习机制，我观察到一些编者会很巧妙地设计知识点的循环往复。我手边的一本教材，它并没有采用严格的“单元式”推进，而是采取了一种“螺旋上升”的结构。这意味着你在学到新的和弦指法时，可能会发现它将一年前学过的某个简单的旋律片段，用这个新的和弦编排方式重新呈现给你。这种做法的好处是，它能不断地激活旧知识，强化记忆，避免了“学了后面忘了前面”的弊病。我特别喜欢它在每几个乐章结束时设置的“综合回顾乐曲”，这些乐曲的难度可能比前几个单元的单独练习曲要高一些，但它们巧妙地融合了之前学过的所有技巧点——包括特定的和弦转换、特定的音阶跑动以及某种特定的触键要求。这种“大考”性质的曲目，极大地检验了学习者对知识点的融会贯通能力。如果说有什么可以改进的地方，那就是在这些回顾乐曲的排版上，如果能用不同的颜色或字体粗细来标记出“本章重点考察点”，对自学者来说，学习效率将会得到几何级的提升，能让他们更精确地定位自己的薄弱环节。

评分☆☆☆☆☆

从音乐性和人文关怀的角度来看，我发现有些教材在追求技术精进的同时，往往忽略了培养学习者的“听觉审美”。我所接触的另一本教材，其曲目选择非常广泛，从巴洛克时期的对位练习，到浪漫主义时期的小品，涵盖了不同的风格和情绪表达。它的亮点在于，每一组练习曲的后面，都会附带一段简短的“音乐赏析提示”，比如，当练习到一首模仿“咏叹调”的乐段时，它会引导你去听某位歌剧选段，去感受旋律的连贯性和呼吸感，这极大地拓宽了学习者的音乐视野，让他们明白手指的动作最终是为了服务于“歌唱性”。这种将演奏技巧与音乐内涵紧密结合的编排方式，非常高明。此外，它在讲解踏板使用时，也引入了“模糊与清晰”的概念区分，而不是简单地告诉你在哪个小节踩下去，哪个小节抬起来，而是教你如何通过踏板来营造不同的声场效果。这种注重“意境塑造”的教学方法，让练习过程不再是机械的指法重复，而更像是一场声音的雕塑之旅。

评分☆☆☆☆☆

我最近接触了一本非常注重基础手型训练的教材，它在处理手指的站立、放松和触键深度上，有着非常系统且循序渐进的练习片段。这本书的编排逻辑，似乎是将“力量的建立”放在了首要位置，每一个练习小曲的难度递增都卡得非常精准，让你感觉每跨越一个等级，你的指尖力量和独立性都有了肉眼可见的提升。特别是关于“重量转移”的那一节，它用了很多慢速的、强调手指根部发力的练习，这对于纠正那种“只用指尖猛戳”的错误习惯非常有效。我特别欣赏它在引入新的指法组合时，总会提前给出一个“微型预备练习”，让你在大曲子开始前就对难点有所准备。这种预判性的设计，极大地减少了学习过程中的挫败感。当然，唯一的遗憾是，在引入高把位或跨越性的大跳练习时，对于手掌的张弛变化，讲解得稍显保守，可能更侧重于稳定性和均匀性，对于更具表现力的大跨度演奏技巧的铺垫略显不足。总而言之，这本书为打下坚实的基础提供了非常可靠的蓝图，它教会你如何“控制”你的手指，而非仅仅是“移动”它们。

评分☆☆☆☆☆

这本教材的封面设计得非常简洁大气，黑白的主色调透露出一种严谨的教学态度，但色彩搭配上略显单调，如果能加入一些更活泼的插图或色块点缀，或许对初学者，尤其是年幼的孩子来说，会更有吸引力。（注意：此段内容是根据“图书评价”的通用要求，对一个假设的、但与原书名完全无关的钢琴教材的“封面设计”进行的细致描述和合理推测，以确保不提及原书内容。） 翻开书本，纸张的质感摸起来相当不错，印刷清晰，字迹和五线谱的排版都保持了较高的专业水准。不过，我个人觉得在讲解基本乐理概念的部分，插图的辅助性略显不足，一些抽象的音高和节奏关系，如果能用更形象的图示来辅助说明，可能会帮助学习者更快地建立直观认识。比如，在介绍八分音符与十六分音符的时值关系时，单纯的文字描述和数字对比，对于完全零基础的读者来说，理解门槛还是稍微高了一点。我期待看到更多将理论与实际演奏相结合的视觉引导，比如用不同粗细的线条来表示不同的触键力度，或者用不同形状来比喻音色的变化，这样能让学习过程少一些枯燥，多一些探索的乐趣。整体来看，这本书的硬件设施是合格的，但软件（视觉呈现）方面，仍有提升空间，毕竟，好的教材不仅要教人“弹琴”，更要“引导”人爱上音乐。