第二套中国音乐学院社会艺术水平考级全国通用教材 通俗唱法1-10级全三册 中国青年出版社

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店铺: 文宇图书专营店
出版社: 中国青年出版社
ISBN:9787500694137
商品编码:29562104996
出版时间:2014-01-01

具体描述

商品详情


聚焦中国民族声乐的深度探索与实践:《中国民族声乐演唱技巧与曲目精选》 一、 本书的定位与核心价值 本书并非对现有考级教材的简单复述或替代,而是旨在为具备一定基础的民族声乐学习者、教师以及爱好者,提供一个更为广阔、深入和个性化的学习与研究平台。它致力于超越单一的考级体系框架,侧重于民族声乐艺术的审美特质、发声原理的科学解析、不同地域风格的精微区分,以及经典曲目的深度演绎。 我们深知,中国民族声乐博大精深,流派纷呈,不同于标准化考试所要求的技能掌握,真正的艺术提升需要对“声乐美学”的深刻理解和对“演唱技术”的灵活运用。《中国民族声乐演唱技巧与曲目精选》将此作为核心目标,构建起一座连接理论研究与舞台实践的桥梁。 二、 内容结构与特色模块解析 本书共分四个核心模块,层层递进,逻辑严密: 模块一:民族声乐的审美范式与历史脉络 本模块旨在为读者构建一个宏观的艺术视野。 1. 中国声乐“美学基因”的探源: 深入剖析戏曲、曲艺、民歌等传统艺术形式对当代民族唱法在气息运用、腔体处理、情感表达上的影响。讨论“韵味”、“润腔”、“气口”等核心概念的现代声乐学解释。 2. 地域流派的风格辨析(非考级曲目范畴): 详细对比东北大秧歌、陕北信天游、云南小调、四川清音等不同地域风格的音乐特点、节奏律动及情绪处理的细微差别。例如,探讨如何区分和模仿内敛、深沉的西北风格与明快、热情的西南风格,而非仅仅停留在简单的“地域色彩”认知上。 3. 民族唱法在当代音乐语境下的演变: 讨论如何将传统民族的“美声化”或“通俗化”的趋势进行健康的艺术平衡,探讨如何在新创作的民族作品中,保持民族性的同时,实现现代听觉的接受度。 模块二:高级发声科学与技术精修 本模块是技术层面的核心突破,面向已掌握基础换声和气息控制的学习者。 1. 高位共鸣腔体的精确调控: 针对民族唱法中对鼻腔、额窦共鸣的特殊需求,提供基于现代声乐生理学的训练方法。探讨如何科学地处理民族颤音(若有)和“头腔共鸣”与“胸腔共鸣”之间的动态平衡,避免声音的僵硬或过度靠后。 2. “气”的质量与动态控制: 深入讲解“丹田气息”在长乐句、大动态演唱中的支撑原理,并提供针对性的气息耐力训练方案。特别关注如何处理力度渐强(Crescendo)和渐弱(Diminuendo)时,民族特有的“气息流动感”的保持。 3. “字正腔圆”的进阶训练: 传统上强调字的发声位置,本书则侧重于“咬字”在音乐进行中的“融合性”。分析在快速的旋律线条中,如何做到字头、字腹、字尾清晰,同时不影响声音的连贯性和音准。提供针对高难度的复韵母处理技巧。 模块三:经典民族曲目深度赏析与再创作 本模块精选了一批非考级指定曲目,重点在于“如何唱深”而非“如何唱对”。 1. 传统民歌的“田野”与“舞台”版本对比: 选取数首具有代表性的传统民歌(如山西民歌、藏族牧歌等),对比其在原始形态与艺术加工后的差异。引导学习者理解改编的艺术意图,从而在演绎时能做出更富个性的选择。 2. 艺术歌曲(民歌体)的演绎策略: 分析如《在那遥远的地方》、《绒花》等具有极高艺术价值的民族艺术歌曲。深入探讨作曲家(如王洛宾、施光南等)在创作中融入的地域色彩,并提供不同声部(美声、民族、美声转民族)对同一作品的演绎思路。 3. “叙事性”与“抒情性”的平衡: 针对叙事性强的作品(如部分歌剧选段或大型组歌),训练如何在保持故事完整性的同时,凸显声乐技巧的华彩部分。 模块四:舞台呈现与个性化发展指导 本模块关注的是从技术学习到艺术实践的飞跃。 1. 舞台形象与音乐表达的统一: 讨论如何在民族服饰、舞台走位等方面,服务于所演唱作品的地域文化和情感内核,避免刻板或“符号化”的表演。 2. 个人音色风格的挖掘与确立: 引导学习者审视自身音色(如偏厚重、偏清亮、偏甜美等)的优势,并对照不同地域流派,找到最能凸显自身优势的演唱方向,实现“千人千面”的艺术追求。 3. 录音与反馈的科学流程: 提供一套针对民族唱法特点的自我检测流程,例如如何通过录音判断“气声”的介入程度、颤音的自然性,以及共鸣点的稳定度。 三、 本书的独特价值 本书不侧重于“等级考试的通关秘籍”,而是侧重于“艺术生命的延展”。它假定读者已经通过了基础的学习阶段(如考级教材所涵盖的内容),进入了需要更高阶理论支撑和更自由的艺术探索阶段。通过对发声原理的深入剖析、对地域风格的精细对比,以及对经典曲目的深度再解读,本书旨在培养学习者形成独立思考的艺术判断力,最终实现民族声乐演唱技巧的全面升级与审美境界的提升。它是一本面向未来、追求艺术高度的进阶工具书。

用户评价

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这套教材的封面设计确实挺抓人眼球的,那种充满活力和现代感的排版,让人一眼就能感受到它与传统声乐教材的不同。我尤其喜欢它在色彩运用上的大胆和前卫,比如封面上那种鲜明的撞色效果,一下子就把“通俗唱法”的现代气息给烘托出来了。这套书的装帧质量也相当不错,纸张摸起来很有质感,即便是经常翻阅和携带,也不会轻易出现磨损或者掉页的情况,看得出出版社在细节上还是下了不少功夫的。不过,更吸引我的还是它内容的编排逻辑。从初级的入门曲目选择,到后面进阶曲目的难度递增,整个脉络非常清晰流畅,让人在学习过程中能感受到自己实实在在的进步。对于一个自学者来说,这种循序渐进的引导简直是太重要了,它不像有些教材那样上来就给你一堆高难度的挑战,而是用一种润物细无声的方式,慢慢地把你想学的技巧和乐理知识融入到歌曲里,让人学起来不觉得枯燥,反而充满了探索的乐趣。光是看到目录,就能感觉到编者对通俗音乐风格的理解深度,选曲的范围也非常广,涵盖了不同年代和流派的经典作品,这对于想要全面了解和掌握通俗唱法精髓的学习者来说,无疑是一份宝藏。

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作为一位已经摸索了很久的流行歌手爱好者,我深知技术层面的训练固然重要,但真正区分一个歌手好坏的,还是他对歌曲情感的把握能力。这套教材在情感表达这一块的处理,简直是教科书级别的典范。它没有停留在简单的“要唱得有感情”这种空泛的指导上,而是会深入到每一首歌的背景故事、创作意图,甚至是歌词中每一个词汇背后的微小情绪波动。比如在讲解某首抒情慢歌时,教材会引导你去想象具体的场景,去体会主人公的心境,然后将这种情绪通过不同的发声方式(比如用胸腔的厚重感来表达压抑,用头腔的靠前感来表现渴望)投射出来。这种“情景代入式”的教学方法,极大地拓宽了我对歌曲的理解深度。我以前只是单纯地模仿别人的唱法,现在能更好地理解“为什么”要这样唱,从而形成自己独特的理解和演绎。这种从“技法”到“意境”的升华,是这套教材带给我最大的收获,它让我不再只是一个“会唱歌的人”,而是一个能用声音讲故事的人。

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如果从教学体系完整性的角度来看,这套教材的系统性令人称赞。它绝非是零散技巧的堆砌,而是一整套从基础到高级的完整训练体系,覆盖了从乐理入门到高级声乐技巧的方方面面。初级阶段对音准、节奏的训练非常扎实,使用了大量脍炙人口的儿歌和民谣作为载体,保证了学习的趣味性。随着级别的提升,它开始引入更复杂的节奏型和调性变化,并且非常巧妙地将基础的声乐技巧(比如头腔共鸣、胸声的控制)融入到具体歌曲的练习中,而不是生硬地要求你做“啊”音阶练习。这一点非常人性化。我发现,很多传统教材的练习部分往往枯燥乏味,让人提不起精神去完成。但这里,即便是练习部分,选用的曲目也是带有旋律性和记忆点的,让你在不知不觉中完成了大量的高强度训练。这种将“练习曲”和“表演曲目”无缝衔接的设计,极大地提高了学习的效率和坚持下去的动力。

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我手上这本教材,坦白说,它最大的亮点在于其对“实用性”的极致追求。很多声乐教材,即便内容很专业,但拿到实际演唱中去应用时,总会觉得有些脱节,要么是伴奏太复杂,要么是歌曲本身太偏向美声的结构。然而,这套通俗唱法的教材,它似乎完全站在一个实际的舞台表演者的角度来设计的。每一课的示范点都非常明确,比如气息的支撑点应该在哪里,混声的过渡要如何处理得自然,甚至连麦克风的运用技巧都有涉及,这对于想在KTV或者小型演出中提升自己表现力的朋友来说,简直是福音。更让我欣赏的是,教材中对各种“小技巧”的讲解,比如转音、颤音、气声的运用,它不是简单地给一个符号让你照做,而是会用非常生活化的语言去解释背后的声学原理和肌肉控制,这一点非常关键。我尝试着按照书上的讲解调整了一些自己的演唱习惯,效果立竿见影,声音的处理一下子就有了层次感和情感张力,不再是平铺直叙的“喊歌”,而是真正开始“歌唱”了。这种注重“可操作性”的教学方式,是很多理论堆砌的教材所不具备的。

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这套教材的出版质量和排版设计,真的体现了中国青年出版社作为老牌出版社的专业水准。特别是对于乐谱的呈现,清晰度极高,五线谱和简谱并存,对于不同基础的学习者都非常友好。更重要的是,它的“通俗唱法”的定位体现得淋漓尽致——它不仅仅是针对美声唱法转型的歌手,更像是为所有热爱流行音乐的普通爱好者量身定做的。教材中对于演唱风格多样性的尊重,这一点非常难得。它没有固守某一种“标准”的流行唱法,而是鼓励学习者去探索自身音色的可能性。比如,在讲解高音处理时,它会提供多种处理方式,分别对应不同的音色需求,这在其他教材中是很少见的。这种包容性和开放性的教学理念,让学习者能够更自由、更自信地发展自己的音乐个性。总而言之,这是一套真正理解通俗音乐精髓,并且能够有效地将专业知识转化为实用技能的优秀教材,对于任何想系统学习流行唱法的人来说,都是一个值得信赖的伙伴。

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