声乐教学作品选俞子正西南师范大学出版社9787562141761 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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俞子正，陆蓉，刘辉 著

图书标签:

• 声乐教学
• 作品选
• 俞子正
• 西南师范大学出版社
• 高等教育
• 音乐教育
• 声乐
• 教材
• 艺术类
• 音乐

店铺： 佳期如梦图书专营店

出版社： 西南师范大学出版社

ISBN：9787562141761

商品编码：29684788176

页数：204

图书基本信息
书名：	声乐教学作品选（外国卷 一）
丛书名：	21世纪全国高师音乐系列教材
作者/主编：	俞子正，陆蓉，刘辉
出版社：	西南师范大学出版社
ISBN号：	9787562141761
出版年份：	2009年7月

版次：	第1 版
总页数：	204页
开本：	16
图书定价：	41元
实际重量：	0.662kg
新旧程度：	正版全新

奥菲欧的祈祷
跳吧，好姑娘
胜利啊，胜利啊！
森林啊，充满希望
你好久不来折磨我
残酷的爱神
仁慈的神明
你知道
恒河上升起太阳
你如果要我死亡
美丽的小溪
熊熊火焰
夜莺热情歌唱
可爱的森林
青青牧革
让我痛哭吧
假如你爱我
你发火，就爱生气
被鄙视的新娘
心潮起伏
我怀着满腔热情
小溪潺潺流淌
美人鱼之歌
美妙的音调
欢乐女神
在寂静的树林中
满足
致克罗埃
亲切的平静
思恋
彩绘的花带
阿德拉依德
晚歌——在星空下

《声乐教学作品选(外国卷1)》内容简介：外国卷也为五册，**至三册是歌曲。其中，**册主要以意大利文，艺复兴时期和巴罗时期的声乐作品为主，我们常常把这些作品称之为古典歌曲，其实它们几乎都是当时歌剧里的咏叹调。第二册主要以德国、奥地利艺术歌曲和意大利、法国艺术歌曲为主，有浪漫主义时代以及印象风格的作品，有些歌曲是大家熟悉的经典作品，有些则比较少见。第三册内容涉及比较广，有脍炙人口的意大利民歌和近现代名歌，有热情的西班牙民歌，有浪漫的俄罗斯大师作品和俄罗斯民歌，有英伦的绿袖和爱尔兰的玫瑰，还有激情四溢的音乐剧名曲。第四册和第五册则为外剧经典选段。

《音乐的色彩与律动：20世纪西方键盘作品赏析》 一、引言：穿越时空的键盘回响 音乐，作为人类情感最直接的载体之一，其形式与风格的演变，如同历史长河中的浪花，不断涌现出新的面貌。键盘乐器，从巴赫时代的严谨对位，到浪漫主义时期的激情抒发，再到20世纪的无限探索，始终站在音乐创新的前沿。 本书《音乐的色彩与律动：20世纪西方键盘作品赏析》，旨在带领读者深入探究20世纪西方键盘音乐的恢宏图景。我们聚焦于这一时期（约1900年至2000年）涌现出的、在和声、节奏、织体乃至演奏技法上都具有革命性突破的作品。我们将避开传统学院派的固定框架，转而关注那些如何打破既有规范，构建全新音乐语言的杰出作曲家及其代表作。 本书的叙事结构并非简单的年代罗列，而是以主题和风格流派为经纬，勾勒出20世纪音乐思潮的内在联系与相互影响。我们相信，理解这些作品，不仅需要专业的音乐知识，更需要一种开放的心态，去拥抱那些挑战听觉习惯的“不和谐音”与“怪诞节奏”。 二、印象主义的余晖与新古典主义的回归 20世纪初，德彪西（Claude Debussy）和拉威尔（Maurice Ravel）所奠定的印象主义风格，以其对音色和氛围的极致追求，为键盘音乐带来了如梦似幻的色彩。这些作品不再强调宏大的结构叙事，而是专注于捕捉瞬间的光影与水波的流转。 2.1 印象派的声画意境： 我们将详细分析德彪西的《前奏曲》（Préludes）系列。这些短小的乐章，如同精心雕琢的微缩景观，探讨了如何利用非传统和弦（如九和弦、十一和弦）和独特的踏板运用，制造出“朦胧”的听觉效果。例如，《亚麻色头发的少女》中那种轻柔的琶音织体，是如何在听者心中描绘出柔和的田园风光的。 2.2 新古典主义的理性之光： 面对印象主义的过度感性化，以斯特拉文斯基（Igor Stravinsky）为代表的新古典主义者，重新审视巴赫和莫扎特的清晰结构和平衡感，但注入了20世纪特有的尖锐节奏和疏离的音色。我们将剖析斯特拉文斯基为钢琴创作的那些充满“机械感”和“新巴洛克”风格的作品，探讨其如何通过对位法的变形使用和严格的节奏模进，在古典的骨架上搭建起现代的肌理。 三、无调性与序列主义的逻辑革命 20世纪音乐史上最重大的转折点之一，无疑是“第二维也纳乐派”对传统调性体系的彻底颠覆。 3.1 荀伯格与十二音技法： 舍恩伯格（Arnold Schoenberg）发明的十二音体系，是一种旨在确保所有十二个音高在乐曲中获得同等地位的作曲方法。本书将以其《钢琴曲，作品11》（Op. 11）和随后的序列作品为例，阐释“音列”的构建、旋转（逆行、倒影）及其在结构组织中的核心作用。这不是对“旋律”的放弃，而是对声音逻辑的重塑。 3.2 韦伯恩的极端精炼： 相较于勋伯格的内心挣扎和贝尔格的浪漫色彩，韦伯恩（Anton Webern）将序列主义推向了极致的简洁与空灵。他的作品常被描述为“点描主义”，每一个音符都具有独立的、不可替代的地位。我们将探讨其作品中稀疏的织体、精确的力度标记，以及如何通过音区和时值的对比，创造出一种近乎禅意的听觉体验。 四、节奏的解放与多重时间感 如果说和声的变革是20世纪音乐的表象，那么节奏的解放则是其深层动力。作曲家们开始质疑传统的四四拍或三拍子的束缚，追求更自由、更复杂的节奏结构。 4.1 巴托克的民间音乐根源： 匈牙利作曲家巴托克（Béla Bartók）的作品，是将民间音乐的原始动力引入音乐殿堂的典范。他的键盘作品，如《户外》（Out of Doors）组曲，大量运用了“不对称拍号”（如5/8, 7/8）和民谣中的复杂节奏模进。这些节奏不仅是速度的变化，更是情感张力的核心来源。我们将对比分析他如何将匈牙利、罗马尼亚等地的民族节奏，转化为具有普适性的现代音乐语言。 4.2 协奏性与复调节奏： 另一类作品则侧重于节奏的“复调化”，即在同一时间段内，不同声部以完全不同的节奏模式进行对话，从而制造出一种时间感上的错位与碰撞。这要求演奏者具备极高的节奏独立性和清晰度。 五、音色与演奏技法的创新 20世纪的钢琴不再仅仅是一个“击弦乐器”，它被视为一个可以发出无限音响可能性的“音响发生器”。 5.1 拓展音域与特殊技巧： 钢琴的低音区被挖掘到前所未有的深度，高音区则被推向近乎刺耳的极限。更重要的是，演奏技法被彻底拓宽：使用手肘、前臂触键，模仿打击乐器的敲击声，甚至要求在琴弦上直接演奏。我们将分析这些“非常规”演奏法在作品中是如何服务于作曲家的意图的，它们是哗众取宠的噱头，还是结构性的必要组成部分。 5.2 极简主义的呼吸： 进入20世纪下半叶，以雷奇（Steve Reich）和菲利普·格拉斯（Philip Glass）为代表的极简主义（Minimalism）对键盘音乐产生了深远影响。他们摒弃了复杂的和声冲突，转而采用材料的缓慢、渐进式变化。重复（Repetition）成为核心，通过微小的相位差（Phasing）或材料的增减，创造出一种催眠般的、冥想式的听觉体验。这本书将深入探讨极简主义作品的“过程美学”，即作品本身就是一部持续演变的过程记录。 六、结语：面向未来的聆听 20世纪的键盘音乐，是一部充满矛盾、探索与颠覆的历史。它包含了对传统美的缅怀，对社会动荡的回应，以及对人类听觉极限的不断试探。本书所选作品，横跨了印象、新古典、序列、十二音、东欧民族主义及极简主义等多个流派，旨在提供一个多维度的视角。理解这些作品，意味着我们必须学会“倾听沉默”，欣赏不和谐音背后的逻辑，并最终认识到，音乐的生命力，正源于其永不停止的求变精神。本书期望成为读者探索这片广阔而迷人音乐疆域的可靠向导。

评分☆☆☆☆☆

这本书的阅读体验，最让我感到惊喜的是它所蕴含的那种对音乐艺术的无限热爱与敬畏之情。尽管文字内容非常专业和技术化，但字里行间始终流淌着一种对“美”的追求和对“人声”潜能的探索欲。作者在描述一些技巧练习时，不仅仅是在指导“怎么做”，更是在引导我们去感受“为什么要这样做”，去体会声音的呼吸、振动与共鸣所带来的生命力。这种情感的共鸣，是冰冷的技术手册无法给予的。读到某些篇章，我仿佛能听到作者在录音棚里耐心地指导学生调整呼吸的语气，感受到他对每一个音符、每一个乐句背后蕴含的情感张力的执着。这种人文关怀与技术指导的完美结合，让我在学习声乐技术的过程中，没有迷失在枯燥的机械训练里，反而更加坚定了自己对歌唱艺术的初心与热情。这本书不仅教会了我“如何教唱”，更重要的是，它提醒了我“为何而唱”。

评分☆☆☆☆☆

这本书的结构安排极具逻辑性和层次感，让人感觉作者对整个学科的脉络了如指掌。它不是简单地罗列知识点，而是构建了一个由浅入深、环环相扣的知识体系。开篇部分对基础理论的梳理非常扎实，如同为一座宏伟建筑打下了坚实的地基，为后续的高阶内容做好了充分的铺垫。随着阅读的深入，你会发现作者巧妙地将理论的探讨与大量的作品分析相互穿插。这种设计的好处在于，读者可以立刻将抽象的理论应用到具体的音乐作品中去验证和理解，极大地提高了学习的效率和兴趣。更令人称道的是，作者在讨论不同作品的教学处理时，总是能从“为什么这样教”的角度出发，深入剖析了教学决策背后的审美取向和技术考量。这种“教学意图先行”的叙述方式，极大地提升了这本书的专业价值，让它不仅仅是一本作品集，更像是一部关于“如何思考声乐教学”的思维指南。读完整套下来，我的知识结构得到了系统的梳理和重塑，受益匪浅。

评分☆☆☆☆☆

我必须提及这本书在引用和参考资料方面的严谨性。作为一本高等教育出版社出版的专业教材，其学术规范达到了极高的水准。无论是对古典声乐史的追溯，还是对特定声乐技巧的阐释，作者都非常审慎地标注了出处，确保了内容的权威性和可靠性。我注意到，书中的许多论断都建立在对前人研究成果的充分消化和批判性吸收之上，绝非简单的知识搬运工。这种严谨的态度，对于正在进行学术研究或者希望建立扎实知识体系的学生来说，简直是太重要了。此外，书中对一些教学法历史上的争论性话题的处理也十分老到，作者并没有回避那些尚未有定论的分歧，而是清晰地呈现了各方观点，引导读者形成自己的判断力，这才是真正的批判性思维培养。这种对学术诚信的坚持，使得这本书在我的书架上拥有了无可替代的地位，它不仅仅是学习资料，更是一本值得信赖的学术伙伴。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计简直是艺术品！封面采用了一种沉稳又不失典雅的深蓝色调，搭配着烫金的书名，在灯光下泛着低调而迷人的光泽。纸张的选择也非常考究，手感厚实，微微带有纹理，翻页时能听到那种令人愉悦的“沙沙”声，而不是廉价的纸张那种刺耳的摩擦感。内页的排版布局更是体现了出版社对细节的极致追求。字体清晰易读，字号大小适中，段落间的留白恰到好处，即便长时间阅读也不会感到视觉疲劳。尤其值得称赞的是，对于那些重要的理论阐述和历史背景介绍部分，作者似乎运用了一种更精致的字体或略微不同的排版，使得重点信息能够自然地跳脱出来，引导读者的注意力。装订方面，采用的是线装，这不仅保证了书籍的耐用性，更重要的是，当摊开阅读时，书本能够平整地打开，不用担心书脊被压坏，这对于需要经常翻阅参考的学习资料来说，简直是太贴心了。整体来看，这本书的实体制作水平，完全配得上它所承载的专业内容，拿在手里就有一种被珍视的感觉，这无疑为阅读体验增添了极大的愉悦感。

评分☆☆☆☆☆

阅读这本书的过程，就像是跟随一位经验丰富、见解独到的导师进行一次深度对话。作者的叙述方式非常平易近人，尽管主题涉及专业的声乐理论和教学实践，但每一个复杂的概念都会被拆解成清晰、易于理解的小块，并通过生动的比喻或现实的案例进行阐释。我特别欣赏作者在处理不同历史时期或不同声乐流派的比较分析时所展现出的那种平衡感——既不偏颇任何一方，又能精准指出它们各自的优势与局限。书中穿插的那些教学案例，简直是教科书级别的示范，它们不是空洞的理论说教，而是基于多年一线教学经验的提炼，充满了烟火气和实操性。比如，在讲解气息支撑时，他描述的那个“像弹簧一样收放”的感觉，让我这个长期受困于气息不稳的练习者豁然开朗。阅读这些章节时，我常常需要停下来，不仅是思考，更是忍不住要起身模仿和实践，那种知行合一的阅读体验，是很多纯理论书籍无法提供的。这本书真正做到了将学术的深度与教学的温度完美融合。