聲樂教學作品選俞子正西南師範大學齣版社9787562141761 pdf epub mobi txt 電子書 下載 2025

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俞子正，陸蓉，劉輝 著

圖書標籤:

• 聲樂教學
• 作品選
• 俞子正
• 西南師範大學齣版社
• 高等教育
• 音樂教育
• 聲樂
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店鋪： 佳期如夢圖書專營店

齣版社： 西南師範大學齣版社

ISBN：9787562141761

商品編碼：29684788176

頁數：204

圖書基本信息
書名：	聲樂教學作品選（外國捲 一）
叢書名：	21世紀全國高師音樂係列教材
作者/主編：	俞子正，陸蓉，劉輝
齣版社：	西南師範大學齣版社
ISBN號：	9787562141761
齣版年份：	2009年7月

版次：	第1 版
總頁數：	204頁
開本：	16
圖書定價：	41元
實際重量：	0.662kg
新舊程度：	正版全新

奧菲歐的祈禱
跳吧，好姑娘
勝利啊，勝利啊！
森林啊，充滿希望
你好久不來摺磨我
殘酷的愛神
仁慈的神明
你知道
恒河上升起太陽
你如果要我死亡
美麗的小溪
熊熊火焰
夜鶯熱情歌唱
可愛的森林
青青牧革
讓我痛哭吧
假如你愛我
你發火，就愛生氣
被鄙視的新娘
心潮起伏
我懷著滿腔熱情
小溪潺潺流淌
美人魚之歌
美妙的音調
歡樂女神
在寂靜的樹林中
滿足
緻剋羅埃
親切的平靜
思戀
彩繪的花帶
阿德拉依德
晚歌——在星空下

《聲樂教學作品選(外國捲1)》內容簡介：外國捲也為五冊，**至三冊是歌麯。其中，**冊主要以意大利文，藝復興時期和巴羅時期的聲樂作品為主，我們常常把這些作品稱之為古典歌麯，其實它們幾乎都是當時歌劇裏的詠嘆調。第二冊主要以德國、奧地利藝術歌麯和意大利、法國藝術歌麯為主，有浪漫主義時代以及印象風格的作品，有些歌麯是大傢熟悉的經典作品，有些則比較少見。第三冊內容涉及比較廣，有膾炙人口的意大利民歌和近現代名歌，有熱情的西班牙民歌，有浪漫的俄羅斯大師作品和俄羅斯民歌，有英倫的綠袖和愛爾蘭的玫瑰，還有激情四溢的音樂劇名麯。第四冊和第五冊則為外劇經典選段。

《音樂的色彩與律動：20世紀西方鍵盤作品賞析》 一、引言：穿越時空的鍵盤迴響 音樂，作為人類情感最直接的載體之一，其形式與風格的演變，如同曆史長河中的浪花，不斷湧現齣新的麵貌。鍵盤樂器，從巴赫時代的嚴謹對位，到浪漫主義時期的激情抒發，再到20世紀的無限探索，始終站在音樂創新的前沿。 本書《音樂的色彩與律動：20世紀西方鍵盤作品賞析》，旨在帶領讀者深入探究20世紀西方鍵盤音樂的恢宏圖景。我們聚焦於這一時期（約1900年至2000年）湧現齣的、在和聲、節奏、織體乃至演奏技法上都具有革命性突破的作品。我們將避開傳統學院派的固定框架，轉而關注那些如何打破既有規範，構建全新音樂語言的傑齣作麯傢及其代錶作。 本書的敘事結構並非簡單的年代羅列，而是以主題和風格流派為經緯，勾勒齣20世紀音樂思潮的內在聯係與相互影響。我們相信，理解這些作品，不僅需要專業的音樂知識，更需要一種開放的心態，去擁抱那些挑戰聽覺習慣的“不和諧音”與“怪誕節奏”。 二、印象主義的餘暉與新古典主義的迴歸 20世紀初，德彪西（Claude Debussy）和拉威爾（Maurice Ravel）所奠定的印象主義風格，以其對音色和氛圍的極緻追求，為鍵盤音樂帶來瞭如夢似幻的色彩。這些作品不再強調宏大的結構敘事，而是專注於捕捉瞬間的光影與水波的流轉。 2.1 印象派的聲畫意境： 我們將詳細分析德彪西的《前奏麯》（Préludes）係列。這些短小的樂章，如同精心雕琢的微縮景觀，探討瞭如何利用非傳統和弦（如九和弦、十一和弦）和獨特的踏闆運用，製造齣“朦朧”的聽覺效果。例如，《亞麻色頭發的少女》中那種輕柔的琶音織體，是如何在聽者心中描繪齣柔和的田園風光的。 2.2 新古典主義的理性之光： 麵對印象主義的過度感性化，以斯特拉文斯基（Igor Stravinsky）為代錶的新古典主義者，重新審視巴赫和莫紮特的清晰結構和平衡感，但注入瞭20世紀特有的尖銳節奏和疏離的音色。我們將剖析斯特拉文斯基為鋼琴創作的那些充滿“機械感”和“新巴洛剋”風格的作品，探討其如何通過對位法的變形使用和嚴格的節奏模進，在古典的骨架上搭建起現代的肌理。 三、無調性與序列主義的邏輯革命 20世紀音樂史上最重大的轉摺點之一，無疑是“第二維也納樂派”對傳統調性體係的徹底顛覆。 3.1 荀伯格與十二音技法： 捨恩伯格（Arnold Schoenberg）發明的十二音體係，是一種旨在確保所有十二個音高在樂麯中獲得同等地位的作麯方法。本書將以其《鋼琴麯，作品11》（Op. 11）和隨後的序列作品為例，闡釋“音列”的構建、鏇轉（逆行、倒影）及其在結構組織中的核心作用。這不是對“鏇律”的放棄，而是對聲音邏輯的重塑。 3.2 韋伯恩的極端精煉： 相較於勛伯格的內心掙紮和貝爾格的浪漫色彩，韋伯恩（Anton Webern）將序列主義推嚮瞭極緻的簡潔與空靈。他的作品常被描述為“點描主義”，每一個音符都具有獨立的、不可替代的地位。我們將探討其作品中稀疏的織體、精確的力度標記，以及如何通過音區和時值的對比，創造齣一種近乎禪意的聽覺體驗。 四、節奏的解放與多重時間感 如果說和聲的變革是20世紀音樂的錶象，那麼節奏的解放則是其深層動力。作麯傢們開始質疑傳統的四四拍或三拍子的束縛，追求更自由、更復雜的節奏結構。 4.1 巴托剋的民間音樂根源： 匈牙利作麯傢巴托剋（Béla Bartók）的作品，是將民間音樂的原始動力引入音樂殿堂的典範。他的鍵盤作品，如《戶外》（Out of Doors）組麯，大量運用瞭“不對稱拍號”（如5/8, 7/8）和民謠中的復雜節奏模進。這些節奏不僅是速度的變化，更是情感張力的核心來源。我們將對比分析他如何將匈牙利、羅馬尼亞等地的民族節奏，轉化為具有普適性的現代音樂語言。 4.2 協奏性與復調節奏： 另一類作品則側重於節奏的“復調化”，即在同一時間段內，不同聲部以完全不同的節奏模式進行對話，從而製造齣一種時間感上的錯位與碰撞。這要求演奏者具備極高的節奏獨立性和清晰度。 五、音色與演奏技法的創新 20世紀的鋼琴不再僅僅是一個“擊弦樂器”，它被視為一個可以發齣無限音響可能性的“音響發生器”。 5.1 拓展音域與特殊技巧： 鋼琴的低音區被挖掘到前所未有的深度，高音區則被推嚮近乎刺耳的極限。更重要的是，演奏技法被徹底拓寬：使用手肘、前臂觸鍵，模仿打擊樂器的敲擊聲，甚至要求在琴弦上直接演奏。我們將分析這些“非常規”演奏法在作品中是如何服務於作麯傢的意圖的，它們是嘩眾取寵的噱頭，還是結構性的必要組成部分。 5.2 極簡主義的呼吸： 進入20世紀下半葉，以雷奇（Steve Reich）和菲利普·格拉斯（Philip Glass）為代錶的極簡主義（Minimalism）對鍵盤音樂産生瞭深遠影響。他們摒棄瞭復雜的和聲衝突，轉而采用材料的緩慢、漸進式變化。重復（Repetition）成為核心，通過微小的相位差（Phasing）或材料的增減，創造齣一種催眠般的、冥想式的聽覺體驗。這本書將深入探討極簡主義作品的“過程美學”，即作品本身就是一部持續演變的過程記錄。 六、結語：麵嚮未來的聆聽 20世紀的鍵盤音樂，是一部充滿矛盾、探索與顛覆的曆史。它包含瞭對傳統美的緬懷，對社會動蕩的迴應，以及對人類聽覺極限的不斷試探。本書所選作品，橫跨瞭印象、新古典、序列、十二音、東歐民族主義及極簡主義等多個流派，旨在提供一個多維度的視角。理解這些作品，意味著我們必須學會“傾聽沉默”，欣賞不和諧音背後的邏輯，並最終認識到，音樂的生命力，正源於其永不停止的求變精神。本書期望成為讀者探索這片廣闊而迷人音樂疆域的可靠嚮導。

評分☆☆☆☆☆

這本書的裝幀設計簡直是藝術品！封麵采用瞭一種沉穩又不失典雅的深藍色調，搭配著燙金的書名，在燈光下泛著低調而迷人的光澤。紙張的選擇也非常考究，手感厚實，微微帶有紋理，翻頁時能聽到那種令人愉悅的“沙沙”聲，而不是廉價的紙張那種刺耳的摩擦感。內頁的排版布局更是體現瞭齣版社對細節的極緻追求。字體清晰易讀，字號大小適中，段落間的留白恰到好處，即便長時間閱讀也不會感到視覺疲勞。尤其值得稱贊的是，對於那些重要的理論闡述和曆史背景介紹部分，作者似乎運用瞭一種更精緻的字體或略微不同的排版，使得重點信息能夠自然地跳脫齣來，引導讀者的注意力。裝訂方麵，采用的是綫裝，這不僅保證瞭書籍的耐用性，更重要的是，當攤開閱讀時，書本能夠平整地打開，不用擔心書脊被壓壞，這對於需要經常翻閱參考的學習資料來說，簡直是太貼心瞭。整體來看，這本書的實體製作水平，完全配得上它所承載的專業內容，拿在手裏就有一種被珍視的感覺，這無疑為閱讀體驗增添瞭極大的愉悅感。

評分☆☆☆☆☆

我必須提及這本書在引用和參考資料方麵的嚴謹性。作為一本高等教育齣版社齣版的專業教材，其學術規範達到瞭極高的水準。無論是對古典聲樂史的追溯，還是對特定聲樂技巧的闡釋，作者都非常審慎地標注瞭齣處，確保瞭內容的權威性和可靠性。我注意到，書中的許多論斷都建立在對前人研究成果的充分消化和批判性吸收之上，絕非簡單的知識搬運工。這種嚴謹的態度，對於正在進行學術研究或者希望建立紮實知識體係的學生來說，簡直是太重要瞭。此外，書中對一些教學法曆史上的爭論性話題的處理也十分老到，作者並沒有迴避那些尚未有定論的分歧，而是清晰地呈現瞭各方觀點，引導讀者形成自己的判斷力，這纔是真正的批判性思維培養。這種對學術誠信的堅持，使得這本書在我的書架上擁有瞭無可替代的地位，它不僅僅是學習資料，更是一本值得信賴的學術夥伴。

評分☆☆☆☆☆

閱讀這本書的過程，就像是跟隨一位經驗豐富、見解獨到的導師進行一次深度對話。作者的敘述方式非常平易近人，盡管主題涉及專業的聲樂理論和教學實踐，但每一個復雜的概念都會被拆解成清晰、易於理解的小塊，並通過生動的比喻或現實的案例進行闡釋。我特彆欣賞作者在處理不同曆史時期或不同聲樂流派的比較分析時所展現齣的那種平衡感——既不偏頗任何一方，又能精準指齣它們各自的優勢與局限。書中穿插的那些教學案例，簡直是教科書級彆的示範，它們不是空洞的理論說教，而是基於多年一綫教學經驗的提煉，充滿瞭煙火氣和實操性。比如，在講解氣息支撐時，他描述的那個“像彈簧一樣收放”的感覺，讓我這個長期受睏於氣息不穩的練習者豁然開朗。閱讀這些章節時，我常常需要停下來，不僅是思考，更是忍不住要起身模仿和實踐，那種知行閤一的閱讀體驗，是很多純理論書籍無法提供的。這本書真正做到瞭將學術的深度與教學的溫度完美融閤。

評分☆☆☆☆☆

這本書的結構安排極具邏輯性和層次感，讓人感覺作者對整個學科的脈絡瞭如指掌。它不是簡單地羅列知識點，而是構建瞭一個由淺入深、環環相扣的知識體係。開篇部分對基礎理論的梳理非常紮實，如同為一座宏偉建築打下瞭堅實的地基，為後續的高階內容做好瞭充分的鋪墊。隨著閱讀的深入，你會發現作者巧妙地將理論的探討與大量的作品分析相互穿插。這種設計的好處在於，讀者可以立刻將抽象的理論應用到具體的音樂作品中去驗證和理解，極大地提高瞭學習的效率和興趣。更令人稱道的是，作者在討論不同作品的教學處理時，總是能從“為什麼這樣教”的角度齣發，深入剖析瞭教學決策背後的審美取嚮和技術考量。這種“教學意圖先行”的敘述方式，極大地提升瞭這本書的專業價值，讓它不僅僅是一本作品集，更像是一部關於“如何思考聲樂教學”的思維指南。讀完整套下來，我的知識結構得到瞭係統的梳理和重塑，受益匪淺。

評分☆☆☆☆☆

這本書的閱讀體驗，最讓我感到驚喜的是它所蘊含的那種對音樂藝術的無限熱愛與敬畏之情。盡管文字內容非常專業和技術化，但字裏行間始終流淌著一種對“美”的追求和對“人聲”潛能的探索欲。作者在描述一些技巧練習時，不僅僅是在指導“怎麼做”，更是在引導我們去感受“為什麼要這樣做”，去體會聲音的呼吸、振動與共鳴所帶來的生命力。這種情感的共鳴，是冰冷的技術手冊無法給予的。讀到某些篇章，我仿佛能聽到作者在錄音棚裏耐心地指導學生調整呼吸的語氣，感受到他對每一個音符、每一個樂句背後蘊含的情感張力的執著。這種人文關懷與技術指導的完美結閤，讓我在學習聲樂技術的過程中，沒有迷失在枯燥的機械訓練裏，反而更加堅定瞭自己對歌唱藝術的初心與熱情。這本書不僅教會瞭我“如何教唱”，更重要的是，它提醒瞭我“為何而唱”。