单声部视唱教程修订版（下）上海音乐出版社艺术考研正版教材9787805531809 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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上海音乐学院视唱练耳教研组 著

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• 9787805531809

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出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787805531809

商品编码：29684798394

页数：182

图书基本信息
书名：	单声部视唱教程（下）（修订版）
作者/主编：	上海音乐学院视唱练耳教研组
出版社：	上海音乐出版社
ISBN号：	9787805531809
出版年份：	2014年

版次：	第2版
总页数：	182页
开本：	1/16
图书定价：	38.00元
实际重量：	499g
新旧程度：	正版全新

《单声部视唱教程(下)(修订版)》内容由简易到复杂，数量很多，适合于高等音乐学院、师范大学艺术系和中等音乐专科学校采用。也可供艺术师范学校和中等师范学校参考用。

 教学法建议 第五章变化音 第六章四、五、六个升降记号 一、四个升降号 二、五个升降号 三、六个升降号 第七章转调 一、转平行调 二、转属调及属调的平行调 三、转下属调及下属调的平行调 四、同名调 五、转远关系调 六、模进转调 第八章复杂的节奏及音调 第九章 C谱表（三线、四线） 一、三线C谱表 二、四线C谱表 附录 

《单声部视唱教程(下)(修订版)》根据调性和节奏两条线的循序渐进和某一阶段突出重点、集中解决某一问题这两项原则编排的。如教程中章主要是解决基本节拍节奏感的问题，调性就只是无升降的。第二章主要是解决调性问题，节拍节奏就只是复习章学过的，没有新课题。第三章是进一步加强节拍节奏问题，调性则仍是复习三升三降各调。这样的编排既突出了每章新课题的重点，又复习巩固了旧课题，教学实践中效果较好。

音乐理论与实践：深度探索与技巧精进 （此简介旨在介绍与《单声部视唱教程修订版（下）》主题相近但内容不重叠的、更广泛的音乐理论与实践领域书籍，重点放在多声部、和声、曲式分析及高级技巧等方向，以供音乐学习者拓宽视野和深化理解。） --- 一、 赋格与对位艺术：巴赫的殿堂与现代演绎 《赋格的结构与思维：从古典到浪漫的对位技法解析》 本书深入剖析了对位法，这一音乐思维的基石，特别是以巴赫作品为核心的严谨逻辑。它超越了基础视唱训练所涉及的单线条对位，转而聚焦于多声部之间精妙的对话与互动。 核心内容提要： 1. 中世纪与文艺复兴的对位源流： 追溯帕莱斯特里那等大师的纯律和声与严格对位，理解其在和声进行中的限制与美学。 2. 巴赫体系的系统化建构： 详尽拆解赋格的呈示部、展开部、再现部的各个要素——主题、应答（Real/Tonal Answer的辨析）、间插句、 stretto（紧奏）的写作规范与突破。书中通过大量精选例证，演示如何构建主题的内在动机（Motive）以及如何运用各种对位技巧（如反向、倒影、扩大/缩小音值）来保持声部的独立性与织体的一致性。 3. 古典与浪漫时期的对位拓展： 分析莫扎特、贝多芬在奏鸣曲式中如何巧妙地融入对位元素，以及浪漫主义作曲家（如勃拉姆斯）如何利用和声的自由度来弱化严格对位的边界，实现情感表达的张力。 4. 现代作曲家的对位实验： 探讨20世纪以来作曲家（如欣德米特、肖斯塔科维奇）在十二音体系、自由调性框架下对传统对位规则的继承与革新，特别是如何处理非传统音程关系下的声部进行。 本书要求读者具备扎实的单旋律分析能力，并在此基础上，构建起至少四至六个独立声部逻辑清晰、相互制约且富有音乐性的思维模型。它不仅是技法手册，更是对西方音乐思维严谨性的深度致敬。 --- 二、 深度和声学：从功能到色彩的演变 《晚期浪漫主义与印象派和声语汇的解析与实践》 如果说基础视唱教程侧重于辨识和运用传统大小调体系下的和声功能，那么本书则将视角投向了音乐语言的扩张期——晚期浪漫主义至印象派时期，探讨和声如何从“功能驱动”转向“色彩驱动”。 核心内容提要： 1. 功能和声的解构与重构： 细致分析了瓦格纳的《特里斯坦与伊索尔德》中的“三全音”和声，讨论了半音和声如何模糊了主属和弦的界限，使音乐处于永恒的“未解决”状态。 2. 增广音程与和弦的色彩化： 重点分析了九和弦、十一和弦、十三和弦在非属功能下的使用，以及如何通过转位和特定的低音进行来改变传统和弦的听感。 3. 印象派的音响探索： 聚焦德彪西和拉威尔的创作手法。详述五声音阶、全音阶在和声中的具体应用，以及和弦的“悬置”技巧（如平行和弦的运用），这些技巧极大地削弱了传统导音倾向性。 4. 和弦的横向思维： 探讨如何将和弦视为独立的音响块（Block Chord）进行平行移动，而非严格遵循功能进行。书中提供了大量分析练习，要求学习者不仅能听出和弦，更要理解其在特定音色环境下的情感指向。 5. 调性模糊化处理： 研究如何运用非传统调式音阶（如弗里吉亚、利迪亚）来构建和声，以达到色彩斑斓的听觉效果，这是对传统调性视唱训练的有力补充和超越。 本书适合已经能够熟练进行四部和声写作（S.A.T.B.）的进阶学习者，旨在引导他们进入复杂和声语汇的“审美”领域，而非仅仅停留在“技术”层面。 --- 三、 音乐形式的逻辑：宏大叙事的建构 《曲式与结构分析：从奏鸣曲到叙事曲的宏观布局》 视唱练习侧重于对短小片段的准确把握，而曲式分析则要求学习者具备在长篇幅作品中把握主题、段落、材料发展和结构平衡的能力。 核心内容提要： 1. 古典曲式的严谨性： 深入解析奏鸣曲式的呈示部（主题介绍与对比）、发展部（动机的冲突与变形）和再现部（调性关系的解决）。书中对奏鸣曲的“缩写”和“扩展”形式进行了详尽的对比研究。 2. 复调与主调的交织： 分析赋格、三段体（ABA）、回旋曲式（Rondò）在不同时期的演变。例如，分析浪漫主义时期，作曲家如何在保持奏鸣曲骨架的同时，用歌剧化的歌唱性旋律取代传统动机的严谨对抗。 3. 大型器乐套曲的内在联系： 以组曲（Suite）和交响诗（Symphonic Poem）为例，探讨如何通过调性色彩、核心动机的潜移默化变化，将多个独立乐章统一在一个宏大的艺术构思之下。 4. 主题的发展与变形（Thematische Arbeit）： 详尽讨论了“发展”这一核心概念，不仅仅是材料的简单重复或移调，而是如何在旋律、节奏、和声等多个维度上对初始动机进行有机重塑，以推动音乐叙事前进。 5. 声乐套曲的结构逻辑： 结合艺术歌曲连作（Liederkreis）和清唱剧的结构，分析文本文学性如何反作用于音乐的结构选择，指导学习者如何“读懂”一部作品的内在蓝图。 本书提供了一套系统的分析工具，帮助学习者从“音符的集合”上升到“结构的理解”，从而在演奏、指挥或创作时，能把握作品的整体意图和逻辑走向。 --- 四、 演奏诠释与风格学 《风格的辨识与实践：从巴洛克到现代的演奏审美》 视唱训练注重准确的音高和节奏，而风格学则关注“如何演奏”这些音符，以符合其诞生的时代语境与美学精神。 核心内容提要： 1. 节奏的弹性与律动： 比较巴洛克时期演奏中对“节拍的平均性”与浪漫主义时期“情感化的速度起伏”的理解差异。讨论“推拉”（Rubato）在不同风格中的具体表现形式。 2. 装饰音的执行规范： 详述装饰音（如颤音、回音）在巴赫、海顿、肖邦作品中的不同作用——是从“纯粹的修饰”到“情感的强调”。并提供不同时代、不同乐器上装饰音的具体写法参考。 3. 音色与触感的历史演变： 分析钢琴踏板在早期钢琴（如古钢琴）和现代钢琴上的使用差异，以及弦乐演奏中弓法变化对音色（如清晰度、颗粒感）的影响，如何服务于不同时期的音乐织体。 4. 复调的清晰度（Clarity in Polyphony）： 探讨如何在演奏多声部音乐时，通过精细的力度变化和声部层级划分，确保听者能够清晰地分辨出主要旋律线（Dominant Voice）与伴随声部。 5. 现代演奏中的“历史意识”： 探讨演奏家如何在尊重历史文献的基础上，融入现代听觉审美，实现对作品的“再创造”，而非机械的复古。 本书为进阶学习者提供了将理论知识转化为生动、富有洞察力的音乐实践的桥梁，强调音乐的“语境性”和“表演性”。 --- 总结定位： 以上所介绍的系列书籍，旨在填补基础视唱教程在多声部逻辑、复杂和声语汇、宏大结构分析及历史演奏风格等高阶维度的知识空白。它们要求学习者从“单线阅读”跃升至“多维构建”的思维模式，是音乐专业人士走向精深研究和高水平实践的必备阶梯。

评分☆☆☆☆☆

这本教材的封面设计简约大气，那种经典的上海音乐出版社风格扑面而来，让人立刻感受到它扎实的学术底蕴。我拿到书的时候，首先被它的装帧质量所吸引，纸张厚实，印刷清晰，即便是最复杂的谱例也能看得一清二楚，这对我们这些需要长时间对着乐谱学习的人来说简直是福音。翻开第一页，我就能感觉到编者在内容组织上的匠心独运。他们显然深谙不同学习阶段学习者的困惑点，从最基础的音程听辨、旋律模唱开始，层层递进，难度曲线设计得非常平滑，不像有些教材那样动辄就把人吓住。特别是对于一些容易混淆的调式和节奏型，教材都会用非常直观的方式进行对比讲解，配上清晰的五线谱示例，让你在视觉和听觉上都能迅速抓住重点。我个人尤其喜欢它在附录部分的处理，那里收录了一些经典的、不同时期风格的视唱片段，这不仅仅是练习曲，更像是一部微型的音乐史选段，让人在练习技巧的同时，也能潜移默化地吸收不同音乐风格的精髓。

评分☆☆☆☆☆

与其他视唱教材相比，这本《下册》体现出的学术深度和广度是毋庸置疑的。它所涉及的旋律织体和对位技巧，已经达到了一个相当高的专业水准。我印象非常深的是其中关于无调性音乐片段的视唱练习部分，在很多基础教程中这块往往被一笔带过，但在这里，作者用非常严谨的方式引入了音高集合的概念，并将其融入到具体的视唱任务中。这对于我们拓宽音乐视野，接触更前沿的音乐语言至关重要。同时，教材在收录范例时，对音域的跨度和旋律的流畅性把握得非常好，保证了即使是高难度的练习，也依然保持了“可以唱”的美感。这种对技术难度和音乐美学平衡的追求，是上海音乐出版社一贯的高水准体现。总的来说，这套教材的每一个细节都透露出专业性和权威性，是任何严肃对待单声部视唱学习的人都不可或缺的案头常备书。

评分☆☆☆☆☆

这本书的编排逻辑，简直就像一位经验丰富、循循善诱的导师在手把手地教你。我注意到，它非常注重听觉训练与视觉识别的同步发展。很多难点，比如大调和小调转调的瞬间处理，或者复杂三连音与附点音符的交替，教材不是简单地给出大量例题，而是会先用简短精炼的文字点明核心难点，紧接着就设计出一系列专门“对付”这个难点的组合练习。这种“靶向治疗”式的教学方法，极大地提高了我们的学习效率。我们不必在已经掌握的内容上浪费时间，可以直接聚焦于薄弱环节。而且，修订版在部分章节中加入了对“视唱心理”的探讨，虽然篇幅不长，但对于我们这些在考场上容易紧张的人来说，能提供一些调整心态的思路。这本教材的价值，已经超越了一本纯粹的技能训练书，它更像是一本包含了教学法、心理学和音乐实践的综合性参考资料。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我一开始对“修订版”三个字有点犹豫，担心会不会只是换个封面老调重弹。但深入学习后才发现，这次修订绝对是下了大功夫的。相比我之前用过的一些老版本教材，新版在对位和和声功能在视唱中的体现上做了非常巧妙的整合。过去很多教材是把视唱和基础乐理分得太开，导致我们在视唱时常常只能机械地唱出音高和节奏，而缺乏对背后和声进行深入理解。这本教材在这方面做得非常到位，它会引导你不仅要“唱准”，更要“唱出”和声的进行感和色彩感。例如，在处理那些具有强烈功能性和色彩感的和弦进行时，书中的练习曲目选择明显更具针对性，而且难度梯度设置得极其科学，让你觉得每向上爬升一级都有了实实在在的进步，而不是那种虚无缥缈的“增加练习量”。对于准备考研的同学来说，这种对音乐“内涵”的挖掘，是区分普通学习者和高水平考生的关键。

评分☆☆☆☆☆

作为一名在校学习音乐理论和实践的学生，我最看重教材的实用性和针对性。这本《单声部视唱教程修订版（下）》在模拟实战场景方面做得非常出色。它的曲目选择既兼顾了西方音乐的经典曲目（比如巴洛克和古典时期的清晰线条），也融入了一些近现代的、更具挑战性的节奏型和旋律写作手法。我发现很多练习的旋律线条非常“活泼”，不像传统教材里那些为了练习而练习的、略显生硬的谱例。这使得我们在日常练习中不容易感到枯燥，反而会有一种“在歌唱”的感觉。此外，书中对节奏的标注系统也值得称赞，它不仅仅是给出拍号和时值，更会通过一些细微的记号提示你重音的落点和呼吸的位置，这对于提升我们演唱的音乐性和流畅度至关重要。我个人强烈推荐给所有准备进行专业音乐考试的同行，它不仅仅是一本应试工具书，更是一部可以伴随你整个本科阶段的、高质量的声乐技巧提升指南。