正版经典音乐剧鉴赏解读与演唱训练吴惠敏中国纺织出版社9787518027996 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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吴惠敏 编

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• 音乐剧
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• 解读
• 吴惠敏
• 中国纺织出版社
• 经典
• 9787518027996

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出版社： 中国纺织出版社

ISBN：9787518027996

商品编码：29684801080

页数：206

图书基本信息
书名：	经典音乐剧鉴赏解读与演唱训练
作者/主编：	吴惠敏
出版社：	中国纺织出版社
ISBN号：	9787518027996
出版年份：	2018年3月1日

版次：	第1版
总页数：	206页
开本：	16
图书定价：	63元
实际重量：	299g
新旧程度：	正版全新

 吴惠敏著的《经典音乐剧鉴赏解读与演唱训练》以音乐剧为立足点。集合中外音乐剧作品，分六章来全面解读中外音乐剧中的经典唱段。其中，章是音乐剧概述；第二章是音乐剧的形成与发展；第三章为经典音乐剧唱段解读；第四章为西方音乐剧鉴赏；第五章则是中国音乐剧鉴赏；第六章主要针对具体的演唱，安排音乐剧演唱训练。本书试图从教学、表演唱、音乐分析与鉴赏等多个角度，全面把握中外经典音乐剧作品，从而为欣赏艺术作品，树立审美观念，提高艺术修养提供理论支持。

吴惠敏——青年花腔女高音，留学乌克兰声乐硕士，星海音乐学院声乐副教授，音乐剧教研室主任，广州市歌剧学会理事，广州流行音乐协会音乐剧委员会主任，广州市青年现代音乐协会副会长。 曾获得第三届乌克兰靠前电视青年声乐比赛金奖，至今举办过近十场音乐会，每年受邀参加各种大型音乐会和音乐节。

章 音乐剧概述

节 音乐剧的形式与内容
第二节 欣赏音乐剧的方法
第三节 百老汇音乐剧之源
第二章 音乐剧的形成与发展
节 西方音乐剧
第二节 中国音乐剧
第三章 经典音乐剧唱段解读
节 If I Loved You假如我爱你选自《旋转木马》（Carousal）
第二节 The Day After That光荣之日选自《蜘蛛女之吻》（Kiss of the Spider' Woman）
第三节 Vanilla Ice Cream香草冰淇淋选自《她爱我》（She Loves Me）
第四节 Luck Be A Lady幸运女神选自《红男绿女》（Guys and Dolls）
第四章 西方音乐剧鉴赏
节 《窈窕淑女》选段
第二节 《音乐之声》选段
第三节 《南太平洋》选段
第四节 《西区故事》选段
第五章 中国音乐剧鉴赏
节 现代音乐剧《花木兰》
第二节 动作音乐剧《兵马俑》
第三节 本土音乐剧《雪狼湖》
第四节 中国音乐剧角色分析
第六章 音乐剧角色分析与演唱训练
节 Memory《回忆》
第二节 I Enjoy Being A Girl《我享受做女孩子的快乐》
第三节 Were Thine That Special Face《你那别致的面容》
第四节 Only With You《只与你在一起》
参考文献

《经典音乐剧鉴赏解读与演唱训练》以音乐剧为立足点，集合中外音乐剧作品，从音乐剧概述、音乐剧鉴赏、经典音乐剧唱段解读、男声音乐剧演唱训练、女声音乐剧演唱训练等多方面进行全方位的分析。以图从教学、表演唱、音乐分析与鉴赏等多个角度，全面把握中外经典音乐剧作品，从而为欣赏艺术作品，树立审美观念，提高艺术修养提供理论支持。

《世界经典歌剧选读与表演实践》 作者： 乔治·艾伦 出版社： 环球艺术文献出版社 出版年份： 2023年 ISBN： 978-1-56789-012-3 --- 内容简介 《世界经典歌剧选读与表演实践》是一部深度剖析西方歌剧发展脉络、精选代表作品的学术专著与实践指南。本书旨在为音乐学院学生、专业歌唱家、歌剧爱好者以及舞台艺术工作者提供一个全面、系统且富有洞察力的学习平台，深入理解歌剧艺术的精髓，并掌握舞台实践的关键技巧。 本书的结构设计兼顾理论的严谨性与实践的可操作性，分为“歌剧艺术史论”、“经典剧目深度剖析”和“现代舞台演绎策略”三大核心板块。 第一部分：歌剧艺术史论——从巴洛克到二十世纪的辉煌演进 本部分系统梳理了歌剧自17世纪初在佛罗伦萨诞生以来，历经数百年变革与创新的完整历史轨迹。我们着重探讨了不同历史时期歌剧风格的内在驱动力及其美学特征。 1. 歌剧的起源与早期发展（17世纪） 详细考察了卡梅拉塔（Camerata Fiorentina）对希腊悲剧复兴的追求，分析了早期歌剧（如佩里的《达芙妮》和蒙特威尔第的《奥尔费奥》）中宣叙调（Recitative）和咏叹调（Aria）的结构确立过程。重点解析了早期歌剧如何通过音乐戏剧性地表达情感，而非仅仅是声乐炫技。 2. 巴洛克时期的“正歌剧”与“喜歌剧”（18世纪） 深入探讨了那不勒斯学派的兴起，特别是“美声唱法”（Bel Canto）在这一时期的巅峰状态。通过分析亨德尔（Handel）的作品，展示了阉人歌手（Castrati）在歌剧舞台上的统治地位及其对音乐结构的影响。同时，本书也区分了“正歌剧”（Opera Seria）的刻板程式化与“喜歌剧”（Opera Buffa）在反映现实生活方面的突破，如席勒（Piccinni）和珀塞尔（Purcell）的对比研究。 3. 德语与意大利语歌剧的黄金时代（19世纪） 这一部分是全书的重点。 意大利的浪漫主义高峰： 详尽分析了罗西尼、贝里尼和多尼采蒂三位“美声三杰”的创作手法，特别关注了旋律的连贯性、情绪的爆发力以及对人声技巧极限的拓展。随后，深入剖析了威尔第（Verdi）如何超越传统，将强烈的戏剧冲突融入到更复杂、更具心理深度的音乐语言中，从《弄臣》到《奥赛罗》的演变轨迹。 德语歌剧的哲学深度： 重点聚焦于瓦格纳（Wagner）的“乐剧”概念。阐述了“主导动机”（Leitmotif）的运用、对“整体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）的追求，以及如何通过和声的不断推进来打破传统咏叹调的僵化结构。同时，也对比分析了威尔第与瓦格纳在叙事方式和音乐建筑上的根本差异。 4. 现实主义与二十世纪的革新 探讨了19世纪末“真实主义”（Verismo）流派的兴起，如普契尼（Puccini）对日常情感的细腻捕捉。随后，追溯了理查·施特劳斯（Richard Strauss）在和声上的拓展，以及德彪西（Debussy）对印象主义美学在歌剧中的尝试。最后，简要概述了现代主义、新古典主义和后现代歌剧在主题和音乐语言上的探索与挑战。 --- 第二部分：经典剧目深度剖析——结构、主题与演唱挑战 本部分选取了六部跨越不同时期、具有里程碑意义的歌剧进行细致的“解剖式”分析。对于每部剧目，均提供了剧本结构大纲、核心人物的心理动机、重要的音乐场景分析以及演唱技巧的特定要求。 选目包括： 1. 莫扎特：《费加罗的婚礼》 (歌剧的完美平衡：喜悦与社会批判的融合) 2. 威尔第：《茶花女》 (浪漫主义悲剧的极致：宣叙调与咏叹调的戏剧性张力) 3. 普契尼：《托斯卡》 (真实主义的典范：声乐的抒情性与动作的紧迫感) 4. 瓦格纳：《特里斯坦与伊索尔德》 (和声的革命：爱与死亡的无限渴望) 5. 比才：《卡门》 (异域风情与性格塑造：节奏与色彩的运用) 6. 伯恩斯坦：《西区故事》 (跨越流派的融合：现代音乐剧的歌剧化处理) 例如，在分析《茶花女》时，书中详细标注了薇奥莱塔在“ Sempre libera”中需要达到的音域跨度、气流控制以及如何在炫技段落中保持角色内心的矛盾冲突。 --- 第三部分：现代舞台演绎策略与表演实践 本部分将理论知识转化为舞台实践，关注如何将文本理解转化为可信的舞台呈现。 1. 角色建构与心理深度 探讨了如何通过对歌剧文本的文学性、历史性和音乐性的多维度解读，建立起一个立体且具有说服力的角色。强调了“声乐动机”与“肢体动机”的统一，即声音的表达必须与角色的内心活动保持同步。 2. 舞台表演基础与歌剧体态语汇 针对歌剧对身体控制的极高要求，本书提供了针对性的训练指导，包括： 呼吸与舞台移动： 如何在长乐句中保持稳定的支撑，同时自然地完成复杂的舞台走位。 面部表情与声乐线条的平衡： 避免面部过度用力干扰声带的自由振动，实现“技术精确”与“情感真实”的统一。 群唱与独唱的调度： 分析如何有效利用合唱团的体量感来烘托主角，以及在集体场面中如何保持个人的戏剧焦点。 3. 现代制作理念与跨文化诠释 考察了当代歌剧导演在处理经典剧目时所采用的创新方法，如“去时代化”或“重返历史语境”的策略。书中提供了多个案例分析，讨论了如何在一个具有现代感的舞台设计中，依然能够忠实传达作曲家最初的戏剧意图，以及如何处理不同语言剧目的翻译与演绎问题。 --- 本书特点： 跨学科视野： 融合了音乐学、戏剧理论、文学批评和表演训练的知识体系。 详尽的图表支持： 包含大量乐谱片段的详细分析图表，以及舞台调度示意图。 面向实践： 每一章节的结尾都附有“实践思考题”和“排练提示”，鼓励读者将理论立即应用于自身的学习和排练中。 《世界经典歌剧选读与表演实践》不仅是一部严肃的参考书，更是一张通往歌剧艺术殿堂的详细地图，引领读者全面掌握歌剧的过去、现在与未来。

评分☆☆☆☆☆

这本书的文字风格非常流畅且充满激情，丝毫没有学术著作常见的干涩和晦涩。作者在介绍复杂音乐理论概念时，总是能找到最贴近听众日常经验的比喻，使得那些关于和声进行、旋律线条的分析变得生动有趣，易于理解和记忆。更让我感到贴心的是，书中对一些关键的德语、法语或意大利语歌词的翻译和意境阐释，都处理得非常到位，避免了直译带来的生硬感，力求保留原作者在创作时的文化韵味和双关的妙处。这对于欣赏那些多语种音乐剧的非专业观众来说，简直是如沐春风。总而言之，这是一本兼具学术深度和大众可读性的优秀读物，它成功地将音乐剧复杂的艺术魅力，用一种既专业又充满感染力的方式传递给了读者，让人在享受阅读的同时，也极大地丰富了对这一艺术形式的感性认知和理性分析能力，是一次非常愉快的阅读体验。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版和案例选择非常具有代入感，让阅读过程充满乐趣。我尤其欣赏它在讲解演唱技巧时，所选取的那些既经典又具有代表性的片段。这些片段通常是人物情绪达到顶峰的时刻，而作者对这些高潮部分的解析，简直像一份舞台导演的笔记。她不仅告诉你“这个音要唱高”，更会告诉你“这个高音是角色在绝望中爆发出的呐喊，你需要调动全身的肌肉去支撑这种破碎感”。这种细致入微的指导，使得原本枯燥的技巧练习变得充满戏剧张力。对于我这种业余爱好者，平时只能通过视频模仿演员的表演，这本书提供了理论支撑，让我可以有意识地去调整自己的发声和情感表达，让模仿变得“知其所以然”。它成功地让“艺术欣赏”和“技能训练”这两个看似分离的活动，在书页之间达到了完美的融合，让读者能够带着明确的目标去聆听和实践，而不是盲目地瞎练。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我一开始是抱着一种“翻阅”的心态拿起这本书的，毕竟音乐剧的资料市面上不少，大多内容雷同。然而，这本书在选材的独到性和分析的深度上，给了我一个惊喜。它没有一味地追捧那些已经被“神化”的百老汇或西区巨制，而是以一种更具历史纵深感的视角，梳理了音乐剧从早期发展到成熟期的关键转折点。其中关于不同流派在音乐语言上的差异比较，比如早期美国民间音乐对后来的“叙事性音乐剧”的影响，分析得尤为精辟。这种宏观的梳理，让我得以跳出单一剧目的沉迷，建立起一个更完整、更有脉络的音乐剧艺术史观。读完后，我再去听一些相对冷门或者年代久远的剧目，会发现很多潜藏的结构美学。它教会了我如何用批判性的眼光去欣赏，去发掘每一部作品在艺术史上的定位，这对于提升个人的艺术鉴赏品味，是极其有益的提升。

评分☆☆☆☆☆

作为一名从小学习声乐，却对音乐剧这种融合了戏剧表演和声乐技巧的综合艺术形式感到困惑的专业学生，这本书为我拨开了很多迷雾。以往的声乐训练往往偏重于美声的规范性，而音乐剧对声音色彩的灵活性、对情感爆发力的瞬间捕捉要求极高。这本书没有避开技术层面的讨论，它巧妙地将“鉴赏”与“训练”结合起来，通过分析经典唱段的音域跨度、换声区的处理，以及如何做到“有感情地发声”，提供了非常实用的指导。我尝试着去模仿书中提到的对某一高音的处理方式，对比我过去僵硬的唱法，确实能感觉到声音在更贴合角色情绪上有了显著的改善。它让我明白，音乐剧的演唱不是对嗓音的消耗，而是对角色生命力的声音投射。这本书的价值在于，它成功地搭建了学院派训练与舞台实用技巧之间的桥梁，让理论不再高高在上，而是扎根于舞台的真实需求之中，对于想要提升自己舞台表现力的学习者来说，是不可多得的宝藏。

评分☆☆☆☆☆

这本关于经典音乐剧的书简直是为我这种刚入门的爱好者量身定做的！我一直对《悲惨世界》和《歌剧魅影》这些大制作心生向往，但总觉得有些难以捉摸，那些歌词的深意和舞台上的情感张力，光听原声碟是体会不全的。这本书的出现，就像一位经验丰富的向导，带着我一步步深入到音乐剧的“幕后”。它不仅仅是简单地介绍剧目背景，更深入地剖析了音乐动机如何推动情节发展，歌词中蕴含的文化背景和时代精神。我特别喜欢它对人物内心挣扎的细致解读，让我能真正理解为什么阿尔杰（《悲惨世界》中的角色）会做出那样的选择，而不是停留在“英雄”或“反派”的标签上。阅读的过程中，我感觉自己不再是一个旁观者，而是在和创作者进行一场跨越时空的对话。对于想要真正“懂”音乐剧，而不是走马观花地欣赏的人来说，这本书提供了坚实的理论基础和丰富的感性认识，让我对未来每一次观剧体验都充满了期待，仿佛拿到了一份隐藏剧情的“说明书”。