阳关三叠 音乐 书籍 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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店铺： 蔚蓝书店

出版社： 人民音乐出版社

ISBN：9787103054321

商品编码：29724934734

商品基本信息，请以下列介绍为准
商品名称：	阳关三叠 音乐 书籍
作者：	张肖虎
定价：	25.0
出版社：	人民音乐出版社
出版日期：	2017-11-01
ISBN：	9787103054321
印次：
版次：	1
装帧：	平装-胶订
开本：	大16开

内容简介

《阳关三叠》为中国十大古琴曲之一。张肖虎先生于20世纪40年代创作了古曲《阳关三叠》的钢琴版本，这作品问世至今，只有手抄版本，还未曾正式印刷出版，实为遗憾。出版此作品，既可以将一部中国钢琴作品铭记于世，同时也丰富了中国作曲家钢琴曲库。

弦歌不辍：中国古典器乐的意境与传承 一部深入探索中国传统音乐精髓，勾勒其历史流变、哲学内涵与艺术表现的恢弘巨著。 本书并非聚焦于某一部具体的器乐作品，而是以一种宏阔的视角，为读者构建起一座认识和理解中国古典器乐世界的知识殿堂。我们旨在揭示那些流淌在丝竹管弦之中的文化基因、历史沉淀与审美理想，展现中国音乐家如何在方寸指尖与有限音符中，描绘出无限的自然山河与人生况味。 第一编：声之源起——历史的脉络与哲思的底色 本篇追溯中国古典音乐的源头活水。从远古的磬声、埙音，到周代的雅乐制度，探讨音乐如何在礼乐文明中确立其社会功能与规范。我们将详细剖析“中正平和”的儒家思想如何塑造了中国古典音乐的结构与精神，以及道家对“大音希声”、“自然天成”的追求如何渗透到音乐的审美取向之中。 重点章节将集中探讨汉魏六朝的乐律学发展，例如对“七声”与“十二律”的严密构建，以及这些理论如何指导了后续乐器的制造与演奏技法。我们不只是罗列年代事件，而是深入分析这些历史节点如何催生了独特的音乐形态，例如琴学的兴起与文人精神的结合，以及琵琶等外来乐器本土化的历程。本书力求展现，中国古典音乐的演进，始终与国家兴衰、士人阶层的精神追求紧密相连。 第二编：器之万象——经典乐器的形制、技法与精神 中国古典器乐家族庞大而精妙，本编将对最具代表性的几类乐器进行深入的个案研究，解析其构造的精妙与音色的独特性。 古琴专论： 琴，被誉为“中国音乐的灵魂”。我们将详细剖析古琴的形制（如“凤舌”、“雁足”的象征意义），着重阐述其核心技法——吟、猱、绰、注等，以及这些技法如何服务于“以微知著”的艺术表达。琴曲的“减字谱”并非简单的记谱方式，它承载着演奏者对意境的理解，本书将解析如何从谱面上解读出深藏的“弦外之音”。 丝竹管弦的交响： 对筝、笛、箫、二胡等乐器的分析将侧重于其音色对自然意象的模拟（如风声、水流、鸟鸣）。例如，洞箫的“气音”如何营造出空灵幽远的氛围；而二胡在近代的发展，如何在其传统基础上，拓展了歌唱性的表达深度。我们还会探讨民乐合奏的组织规律，如“主旋律与和声织体”的构建方式，它与西方和声学的差异与独到之处。 第三编：乐之意境——写意山水与人文情怀 中国古典音乐的核心魅力在于“写意”而非“写实”。本篇是本书的理论高潮，旨在阐释中国音乐如何构建起一个与山水、情志相连的精神世界。 意境的解析： 我们将分析中国音乐中常见的情感母题，如“高山流水遇知音”的知交之情、“秋江夜泊”的孤寂清冷感，以及“月夜听泉”的空灵禅意。这些意境并非通过明确的音高关系直接表达，而是依赖于节奏的疏密、音色的虚实、旋律线的起伏与留白的运用。 “留白”的艺术： 本章将深入探讨音乐中的“空间”概念。中国审美推崇“计白当黑”，在音乐中即是运用大量的休止符和弱拍处理，制造出听觉上的“空”。这种空，并非虚无，而是为听众的心灵留出想象和感悟的空间。 演奏的“气”与“韵”： 技巧的极致是“无我之境”。本书将探讨传统演奏家们所追求的“韵味”，这是一种难以量化的审美标准，它关乎演奏者对生命的体验和对音乐哲学的参悟。 第四编：流变与新生——近现代的传承与探索 古典音乐并非一潭死水，它在历史的激荡中不断与时代对话。本篇关注近现代中国器乐所经历的挑战、改编与创新。 我们将审视西方音乐体系对中国传统乐律和记谱法的冲击与影响，以及老一辈音乐家如何应对这种文化交融。例如，民乐团的建立、新乐器的研发（如高胡的诞生），以及在民族音乐学家的努力下，濒临失传的传统曲目如何被抢救和记录。 最后，本书将展望当代中国器乐的未来方向：如何在坚守传统审美内核的前提下，运用现代的演奏理念和创作手法，使古老的旋律焕发出新的生命力，实现真正的“古为今用，洋为中用”的和谐统一。 本书适合对象： 音乐学研究者、民族器乐演奏者、对中国传统文化与哲学有浓厚兴趣的普通读者。通过阅读本书，读者将能跨越演奏的门槛，直抵中国古典音乐的精神腹地，领略其深邃而悠远的美学魅力。

评分☆☆☆☆☆

这本关于“音乐”的书，坦白说，比我预想的要厚重得多。初拿到手，那种装帧的质感就透着一股沉静的力量，仿佛一捧经过时间打磨的旧木料。我原本以为会是那种轻快的、普及性的音乐入门读物，能给我一些当下流行的曲风解析，或者是一些大师生平的八卦轶事。然而，翻开第一页，我就意识到我可能错估了它的深度。它似乎更专注于探讨音乐结构背后的哲学思辨，那些关于音符、节奏和和声如何构建起人类情感共鸣的机制，被作者用一种近乎于数学推导的方式娓娓道来。尤其是在论述“静默”在音乐叙事中的作用时，作者的笔触异常细腻，他不仅仅是在描述“没有声音”，而是在探讨声音的缺席如何反衬出存在的意义。我花了整整一个下午，对着书里的一个关于十二平均律变调的图表反复揣摩，感觉自己像个学徒，在窥探一个古老而严谨的宇宙法则。这本书不适合速读，它需要你沉下心来，让文字慢慢渗透，就像品一杯需要醒酒的陈年佳酿，每一次呼吸的间隙，都能感受到它在你心底激荡出的回响。它更像是一部严肃的学术专著，而不是茶余饭后的谈资。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计本身就充满了一种反叛的意味，与它内里讨论的主题形成了有趣的张力。封面设计极为简洁，几乎没有任何装饰性的图案，只用了极浅的底色和一种类似雕刻的字体，显得十分内敛。然而，当你真正深入阅读时，会发现作者的观点是极其激进的。他毫不留情地批判了当代音乐市场对“可消费性”的过度追求，认为这种趋势正在扼杀音乐的“不可替代性”。他用了一整章的篇幅来讨论“即兴”的价值，将它提升到了一种近乎于精神自由的层面，认为只有在完全的自由状态下，音乐才真正意义上诞生，而所有预设的谱面和规则，都是对这种自由的束缚。这种观点对我这个习惯了在既定框架内工作的“老派”创作者来说，无疑是一剂强心针，也带来了一定的焦虑——我们是否太过依赖那些安全的、被验证过的模式了？读完这部分，我立刻去翻出了一些我尘封已久的、未经打磨的草稿，试图从中重新找回那种“未完成的勇气”。

评分☆☆☆☆☆

我买这本书的初衷，其实是为了寻找一些灵感，毕竟我的日常工作接触的都是一些比较偏向视觉艺术的东西，想通过听觉的艺术来拓宽一下创作的边界。说实话，这本书在“如何聆听”这个层面上给我的冲击是最大的。它颠覆了我以往那种被动接受音乐的方式。作者并不关心你喜欢什么风格，他关注的是你“如何”在听。他详细拆解了不同文化背景下，人们对“韵律”的感知差异，比如东方音乐中那种趋向于流动的、不强调固定节拍的特性，与西方古典乐中那种严谨的、以小节线为锚点的结构之间的本质区别。最让我感到惊喜的是，书中穿插了大量关于乐器制作的工艺描述，那种对木材、金属共振特性的精妙把握，让人联想到工匠精神的极致体现。我甚至开始思考，一块好的小提琴音板，和一块能承载深刻思想的画布，在某种意义上，是不是遵循着相似的物理和美学原则。这本书的语言是克制而精确的，它没有过多的华丽辞藻，但每一个用词都像音符一样，精准地落在它该在的位置上，产生最理想的谐振。

评分☆☆☆☆☆

从阅读的体验来看，这本书的排版风格似乎更倾向于十九世纪的学术出版物，字距适中，页边距宽裕，这使得阅读起来眼睛不会感到疲劳，非常适合长时间的沉浸。不过，我发现书中对女性作曲家的提及显得异常稀少，即便是那些在历史上做出过突出贡献的先驱人物，也只是寥寥数笔带过，这在如此一部雄心勃勃的音乐史观梳理中，是一个明显的疏漏，也反映了某种时代局限性，或者说是作者自身的选择性聚焦。我期待在后续的重印版本中，能看到对这一块进行更平衡和深入的补充。总体而言，这本书是一次精神上的远足，它迫使你离开舒适区，去探索那些你可能从未察觉的、潜藏在听觉世界深处的复杂结构和深层意义。它不是一本能让你“学会”音乐的书，而是一本能让你“重新理解”自己与声音关系的工具书，对于任何一个对声音艺术抱有敬畏之心的人来说，都是一次值得投入精力的阅读旅程。

评分☆☆☆☆☆

我必须承认，这本书的某些章节，比如关于20世纪中叶前卫音乐运动的梳理，对我来说略显晦涩。作者引用了大量我并不熟悉的德语和意大利语的音乐理论术语，虽然书后附有详尽的注释，但阅读过程仍然需要频繁地停下来查阅，这使得整体的阅读节奏被打断了好几次。我更偏爱它在探讨“声音景观”的那几章内容。作者描述了城市环境中的噪音如何被艺术地重构，以及自然界中风声、水流声是如何构成一种非人为的、但同样具有结构性的“音乐”。他似乎在努力模糊“噪音”与“音乐”之间的界限，强调所有被人类感知到的振动，都可以被纳入美学的范畴进行审视。这让我开始用一种全新的耳朵去听通勤路上的地铁轰鸣声，不再是厌烦，而是在其中寻找那些重复的、富有节奏感的部分。这本书的价值不在于提供答案，而在于它提供了一种全新的“提问”方式，引导读者去挑战自己对日常经验的预设。