音乐批评的五种哲学视角 音乐 书籍 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

图书标签:

• 音乐批评
• 音乐哲学
• 哲学
• 音乐理论
• 文化研究
• 艺术评论
• 审美学
• 西方哲学
• 音乐史
• 文化批评

店铺： 蔚蓝书店

出版社： 西南师范大学出版社

ISBN：9787562189794

商品编码：29724979090

商品基本信息，请以下列介绍为准
商品名称：	音乐批评的五种哲学视角 音乐 书籍
作者：	(美)查尔斯·罗森等著
定价：	48.0
出版社：	西南师范大学出版社
出版日期：
ISBN：	9787562189794
印次：
版次：
装帧：	精装
开本：	32开

内容简介

本书主要内容包括：影响：剽窃抄袭与灵感启示；学术性音乐批评的现状；作为后康德批判的浪漫主义音乐——古典主义、浪漫主义与符号的概念；音乐批评：践行与渎职。

书籍简介：声音的结构与意义：当代音乐分析的理论前沿 书名：声音的结构与意义：当代音乐分析的理论前沿 作者：[此处留空，请自行想象一位该领域学者的名字] 页数：约 580 页 装帧：精装/平装可选 --- 内容概述： 《声音的结构与意义：当代音乐分析的理论前沿》是一部旨在系统梳理和深入探讨二十世纪中叶至今，音乐分析领域内涌现出的主要理论范式、方法论革新以及核心概念的综合性学术专著。本书并非对某一特定音乐流派或风格的批评性评述，而是聚焦于“如何理解音乐结构”这一分析学的根本问题，跨越了传统和声与曲式分析的边界，全面引入了符号学、认知科学、信息理论、现象学以及后结构主义等多个学科的先进工具，为研究者提供了一套现代化的分析工具箱。 本书坚信，音乐分析不应局限于对乐谱表层音高、节奏和和声关系的机械记录，而应深入探究声音在时间维度上如何组织信息、建构意义，以及如何被听者的大脑所认知和感知。因此，全书结构围绕“结构构建”、“时间体验”、“意义生成”三大核心支柱展开。 --- 详细章节导览与核心主题： 第一部分：范式转型与基础重构（第 1 章 - 第 3 章） 第 1 章：从描述到解释：分析学的学科定位重塑 本章回顾了二战后音乐理论教育与研究的几次关键转向，特别是从十九世纪晚期基于德奥传统（如李斯特学院学派）的分析模式，向更具普适性和抽象性的理论建构的过渡。重点讨论了“形式”与“结构”概念的区分，并探讨了“听觉”在分析过程中的主体性地位。本章引入了对“分析的客观性”的批判性审视，强调理论模型作为一种解释性工具的局限性与必要性。 第 2 章：集合论与非功能性组织：二十世纪音乐的分析基石 集中探讨了集合论（Set Theory）在无调性音乐分析中的核心作用。详细讲解了音高类（Pitch Classes, PC）、音高类集合（Pitch Class Sets, PCS）的运算规则，如转换（Transposition, T）、列表（Inversion, I）、以及集合类（Set Classes）的识别与命名。随后，本书将集合论的逻辑框架延伸至节奏和时值组织的研究，探讨如何利用集合关系来揭示复杂节奏型内部的潜在对称性或不对称性，为分析序列主义、或受限制的作曲方法（如限制性规则作曲）提供了坚实的基础。 第 3 章：时间即结构：音乐时间性的拓扑学视角 本章避开了对传统“周期时间”的依赖，转向对音乐时间体验的非线性、多层次结构研究。引入了拓扑学（Topology）的概念，探讨音乐事件如何通过“邻近性”（Proximity）和“连通性”（Connectivity）来构建叙事路径。分析了诸如“停滞时间”、“加速时间”和“碎片化时间”等现象，并讨论了这些时间结构如何影响听众对音乐进程的感知和记忆。 --- 第二部分：认知与信息处理：音乐的心理物理学（第 4 章 - 第 6 章） 第 4 章：感知涌现与模式识别：认知美学在音乐分析中的应用 本部分是全书的重点之一，深入探讨了心理声学和认知心理学如何重塑我们对音乐“好听”或“合理”的理解。详细介绍了格式塔心理学（Gestalt Psychology）在音乐分组（Grouping）、连续性（Continuation）和闭合（Closure）原则上的具体应用。重点分析了听觉流理论（Auditory Stream Segregation）如何解释复调音乐中不同声部独立感知和追踪的机制，尤其是在晚期极简主义和声部交织作品中的体现。 第 5 章：信息论与冗余度分析：对音乐复杂性的量化 引入香农信息论（Shannon Information Theory）的概念，将音乐视为一种信息系统。探讨了如何计算音乐材料的“熵”（Entropy），用以衡量其不可预测性（复杂性）。分析了“音乐的冗余度”——即重复、可预测性与新颖性之间的平衡点——如何决定听众的投入程度和审美愉悦感。本章提供了计算和可视化音乐信息流的方法论，应用于分析拉赫玛尼诺夫的宏大结构与韦伯恩的密集结构。 第 6 章：动机的意义场：符号学与语义结构 本书从符号学角度深入剖析了音乐动机（Motive）的生成与转化。区分了“音位”（Phoneme，最小结构单位）、“语素”（Morpheme，结构单元）和“句法”（Syntax，组织规则）。重点分析了皮尔斯（Peirce）的三元符号模型（图像、指示、象征）在音乐语汇识别中的潜力，探讨了作曲家如何通过预先设定的符号系统（或内隐的听觉惯例）来构建意义的场域，使听众能够解码隐含的“叙事”或“关系”。 --- 第三部分：本体论与后结构：诠释的边界（第 7 章 - 第 9 章） 第 7 章：海登的“后结构”：间接性与缺失中心的分析 本章转向对后结构主义思潮下音乐分析的审视。借鉴德里达（Derrida）的“延异”（Différance）概念，探讨音乐结构中“延迟”和“差异”的构建方式。分析了“中心缺失”（Decentering）的现象，例如在德彪西晚期作品或某些极简主义的循环结构中，寻找一个稳定的、可归属的和声或节奏核心是如何被故意规避的，以及这种规避本身如何构成了一种新的结构逻辑。 第 8 章：现象学回归：声音的存在性与临在感 本章致力于重新确立“听”的本体论地位。以梅洛-庞蒂（Merleau-Ponty）的身体现象学为基础，探讨听觉经验如何与身体的运动感和空间感交织在一起。分析了“临在感”（Presence）——声音在当下空间中的即时体验——在评估音乐效果中的作用。这一视角尤其适用于对电子音乐、声音装置艺术以及沉浸式音乐剧的分析，关注声音的物质性如何直接作用于听者。 第 9 章：系统复杂性与开放式分析 总结前八章的理论成果，提出一种“开放式系统分析”的未来方向。该方法论主张分析模型必须具有适应性和自我修正能力，以应对当代音乐的跨媒介、跨文化特征。探讨了复杂适应系统（Complex Adaptive Systems, CAS）理论在模拟作曲家决策树和听众反应网络中的应用潜力，预示着数据驱动的、多视角的分析未来。 --- 本书特色： 跨学科的深度融合： 本书的核心价值在于将抽象的数学工具、精确的认知模型与深厚的哲学思辨有机结合，提供了一种全面且立体的音乐理解框架。 方法论的实用性： 每一理论介绍后，均配有详细的“分析应用实例”小节，引导读者将抽象概念转化为具体的乐谱分析步骤。 对既有范式的批判性对话： 本书不仅介绍了新方法，更不回避与传统分析范式（如功能和声分析）进行严格的、建设性的比较和辩论。 目标读者： 音乐学、音乐理论、作曲技术、音乐认知科学等专业领域的高年级本科生、研究生及专业研究人员。同时，对于寻求深化理解当代音乐复杂性的资深演奏家和作曲家，本书亦是不可或缺的理论参考书。

评分☆☆☆☆☆

坦白讲，我一开始翻开这本书时，对它能否真正提供有价值的见解是持怀疑态度的。毕竟，哲学和音乐批评这两个领域，要找到一个既不肤浅又不过于枯燥的平衡点太难了。然而，这本书成功地做到了这一点，特别是它对后结构主义视角下音乐意义的解构部分，简直是道“思想的盛宴”。作者似乎并不满足于描述音乐的“内容”，而是致力于揭示符号系统是如何在文化中建构出“音乐性”的。我印象特别深刻的是他对“沉默”的讨论，不是作为音乐的间断，而是作为一种积极的、充满张力的存在，这一点彻底颠覆了我对音乐结构的一些固有认知。读到这些部分，我常常需要停下来，合上书本，在脑海中重构一遍那些复杂的逻辑链条。它的论证过程如同精密的钟表，每一个齿轮——无论是索绪尔的影响，还是德里达的痕迹理论——都咬合得恰到妙处，最终指向一个令人信服的结论：我们所听到的，远比音符本身要复杂得多。这本书，绝不是一本可以随便翻阅的休闲读物，它要求读者付出专注和思考。

评分☆☆☆☆☆

如果非要用一个词来形容阅读这本书的体验，我会选择“解构”。它像一把锋利的手术刀，精准地剖开了我心中关于音乐美学的诸多“神圣”概念。我发现，那些我深信不疑的音乐“真理”——比如和声的解决、旋律的优美——在作者的审视下，都变成了历史的产物，是特定文化权力结构下的产物。这种审视的力度非常强劲，毫不留情，但绝非仅仅是为了反叛而反叛。它更多的是在邀请读者去参与到这场意义的再生产中去。尤其对社会学批评视角的阐述，让我开始重新审视音乐会的礼仪、录音技术的选择，以及这些非音乐元素如何塑造了我们对音乐体验的期待。这本书最宝贵的地方在于，它解放了我们对音乐的想象力，告诉我们，拒绝被既定的审美框架所束缚，本身就是一种创造性的自由。读完后，我感觉自己像是挣脱了一个无形的枷锁，看待音乐的视野一下子开阔了无数倍，不再被传统的“好听”或“难懂”的二元对立所困扰。

评分☆☆☆☆☆

这本书的语言风格极其独特，它带着一种近乎诗意的严谨，读起来有一种在冰窖里生起火焰的感觉——冷静、精确，但又蕴含着炽热的思辨能量。我尤其欣赏作者对“情感”在哲学批评中地位的处理。它没有像浪漫主义批评那样把情感奉为圭臬，也没有像某些极端客观主义那样将其完全排除。相反，作者精妙地探讨了情感的“可言说性”与“不可言说性”之间的张力。他引用的那些案例，无论是对某位作曲家生平的侧面描述，还是对某一特定乐章的微观分析，都服务于他更宏大的哲学命题，而不是沦为独立的音乐轶事。每次读到他描述一种复杂的情绪如何在音响的物理性中被暂时“凝固”时，我都会有一种深深的敬畏感。这本书的价值在于，它提供了一种高度精炼、提炼后的理论框架，可以被灵活地应用到任何你热爱的音乐形式上，无论它是歌剧、爵士还是实验电子乐。它不是教你如何评论，而是让你成为一个更深思熟虑的倾听者。

评分☆☆☆☆☆

作为一名有着多年实践经验的音乐人，我一直在寻找能够桥接理论与创作的桥梁，而这本书恰好提供了这样一座坚固的拱门。它没有落入学院派批评的窠臼，用一堆只有圈内人才能理解的术语来故作高深。相反，作者通过对不同哲学流派的梳理，为我们提供了看待创作困境的全新工具箱。比如说，书中探讨海德格尔的“本真性”概念如何应用于即兴演奏的瞬间判断，这对我启发极大。它不再是关于“弹得对不对”的技术问题，而是关于“在那个当下，我是否诚实地与我的创造冲动相遇”的本体论追问。作者在不同章节间切换的流畅度令人惊叹，从分析十七世纪的对位法，一下子跳跃到当代电子音乐的无限循环结构，并且都能用统一的哲学框架来统摄。这种跨越时空的整合能力，证明了作者深厚的学养。这本书不仅能提升你的批评素养，更能深刻地影响你的创作心态，让你明白音乐行为本身就是一种深刻的哲学实践。

评分☆☆☆☆☆

这本关于音乐批评哲学的书，真是让人耳目一新。作者的切入点非常独特，不像那些老生常谈的音乐史或者技术分析，而是直接探讨我们是如何“理解”音乐的。我记得书中有一段深入分析了现象学在音乐欣赏中的应用，那种描述感官体验的文字，简直就像把我的耳朵拉进了音乐本身。他没有直接给出“什么是好的音乐”的答案，而是引导你去思考，在聆听的时候，你的意识是如何与声音结构互动的。这种内省式的探讨，让我对以往听过的古典乐甚至一些现代作品都有了全新的感悟。以前听巴赫，可能只觉得结构精巧，现在读完这本书，我能感觉到那种纯粹的“存在感”，仿佛音乐就是时间本身被雕刻出来的模样。作者的文笔兼具学者的严谨和艺术家的敏锐，在处理康德和尼采这些哲学巨匠的观点时，也处理得游刃有余，没有显得晦涩难懂，反而让原本高深的理论变得触手可及。对于任何一个不仅仅想听音乐，更想“知道自己为什么会感动”的乐迷来说，这本书都是一次不可多得的洗礼。