音樂批評的五種哲學視角 音樂 書籍 pdf epub mobi txt 電子書 下載 2025

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店鋪： 蔚藍書店

齣版社： 西南師範大學齣版社

ISBN：9787562189794

商品編碼：29724979090

商品基本信息，請以下列介紹為準
商品名稱：	音樂批評的五種哲學視角 音樂 書籍
作者：	(美)查爾斯·羅森等著
定價：	48.0
齣版社：	西南師範大學齣版社
齣版日期：
ISBN：	9787562189794
印次：
版次：
裝幀：	精裝
開本：	32開

內容簡介

本書主要內容包括：影響：剽竊抄襲與靈感啓示；學術性音樂批評的現狀；作為後康德批判的浪漫主義音樂——古典主義、浪漫主義與符號的概念；音樂批評：踐行與瀆職。

書籍簡介：聲音的結構與意義：當代音樂分析的理論前沿 書名：聲音的結構與意義：當代音樂分析的理論前沿 作者：[此處留空，請自行想象一位該領域學者的名字] 頁數：約 580 頁 裝幀：精裝/平裝可選 --- 內容概述： 《聲音的結構與意義：當代音樂分析的理論前沿》是一部旨在係統梳理和深入探討二十世紀中葉至今，音樂分析領域內湧現齣的主要理論範式、方法論革新以及核心概念的綜閤性學術專著。本書並非對某一特定音樂流派或風格的批評性評述，而是聚焦於“如何理解音樂結構”這一分析學的根本問題，跨越瞭傳統和聲與麯式分析的邊界，全麵引入瞭符號學、認知科學、信息理論、現象學以及後結構主義等多個學科的先進工具，為研究者提供瞭一套現代化的分析工具箱。 本書堅信，音樂分析不應局限於對樂譜錶層音高、節奏和和聲關係的機械記錄，而應深入探究聲音在時間維度上如何組織信息、建構意義，以及如何被聽者的大腦所認知和感知。因此，全書結構圍繞“結構構建”、“時間體驗”、“意義生成”三大核心支柱展開。 --- 詳細章節導覽與核心主題： 第一部分：範式轉型與基礎重構（第 1 章 - 第 3 章） 第 1 章：從描述到解釋：分析學的學科定位重塑 本章迴顧瞭二戰後音樂理論教育與研究的幾次關鍵轉嚮，特彆是從十九世紀晚期基於德奧傳統（如李斯特學院學派）的分析模式，嚮更具普適性和抽象性的理論建構的過渡。重點討論瞭“形式”與“結構”概念的區分，並探討瞭“聽覺”在分析過程中的主體性地位。本章引入瞭對“分析的客觀性”的批判性審視，強調理論模型作為一種解釋性工具的局限性與必要性。 第 2 章：集閤論與非功能性組織：二十世紀音樂的分析基石 集中探討瞭集閤論（Set Theory）在無調性音樂分析中的核心作用。詳細講解瞭音高類（Pitch Classes, PC）、音高類集閤（Pitch Class Sets, PCS）的運算規則，如轉換（Transposition, T）、列錶（Inversion, I）、以及集閤類（Set Classes）的識彆與命名。隨後，本書將集閤論的邏輯框架延伸至節奏和時值組織的研究，探討如何利用集閤關係來揭示復雜節奏型內部的潛在對稱性或不對稱性，為分析序列主義、或受限製的作麯方法（如限製性規則作麯）提供瞭堅實的基礎。 第 3 章：時間即結構：音樂時間性的拓撲學視角 本章避開瞭對傳統“周期時間”的依賴，轉嚮對音樂時間體驗的非綫性、多層次結構研究。引入瞭拓撲學（Topology）的概念，探討音樂事件如何通過“鄰近性”（Proximity）和“連通性”（Connectivity）來構建敘事路徑。分析瞭諸如“停滯時間”、“加速時間”和“碎片化時間”等現象，並討論瞭這些時間結構如何影響聽眾對音樂進程的感知和記憶。 --- 第二部分：認知與信息處理：音樂的心理物理學（第 4 章 - 第 6 章） 第 4 章：感知湧現與模式識彆：認知美學在音樂分析中的應用 本部分是全書的重點之一，深入探討瞭心理聲學和認知心理學如何重塑我們對音樂“好聽”或“閤理”的理解。詳細介紹瞭格式塔心理學（Gestalt Psychology）在音樂分組（Grouping）、連續性（Continuation）和閉閤（Closure）原則上的具體應用。重點分析瞭聽覺流理論（Auditory Stream Segregation）如何解釋復調音樂中不同聲部獨立感知和追蹤的機製，尤其是在晚期極簡主義和聲部交織作品中的體現。 第 5 章：信息論與冗餘度分析：對音樂復雜性的量化 引入香農信息論（Shannon Information Theory）的概念，將音樂視為一種信息係統。探討瞭如何計算音樂材料的“熵”（Entropy），用以衡量其不可預測性（復雜性）。分析瞭“音樂的冗餘度”——即重復、可預測性與新穎性之間的平衡點——如何決定聽眾的投入程度和審美愉悅感。本章提供瞭計算和可視化音樂信息流的方法論，應用於分析拉赫瑪尼諾夫的宏大結構與韋伯恩的密集結構。 第 6 章：動機的意義場：符號學與語義結構 本書從符號學角度深入剖析瞭音樂動機（Motive）的生成與轉化。區分瞭“音位”（Phoneme，最小結構單位）、“語素”（Morpheme，結構單元）和“句法”（Syntax，組織規則）。重點分析瞭皮爾斯（Peirce）的三元符號模型（圖像、指示、象徵）在音樂語匯識彆中的潛力，探討瞭作麯傢如何通過預先設定的符號係統（或內隱的聽覺慣例）來構建意義的場域，使聽眾能夠解碼隱含的“敘事”或“關係”。 --- 第三部分：本體論與後結構：詮釋的邊界（第 7 章 - 第 9 章） 第 7 章：海登的“後結構”：間接性與缺失中心的分析 本章轉嚮對後結構主義思潮下音樂分析的審視。藉鑒德裏達（Derrida）的“延異”（Différance）概念，探討音樂結構中“延遲”和“差異”的構建方式。分析瞭“中心缺失”（Decentering）的現象，例如在德彪西晚期作品或某些極簡主義的循環結構中，尋找一個穩定的、可歸屬的和聲或節奏核心是如何被故意規避的，以及這種規避本身如何構成瞭一種新的結構邏輯。 第 8 章：現象學迴歸：聲音的存在性與臨在感 本章緻力於重新確立“聽”的本體論地位。以梅洛-龐蒂（Merleau-Ponty）的身體現象學為基礎，探討聽覺經驗如何與身體的運動感和空間感交織在一起。分析瞭“臨在感”（Presence）——聲音在當下空間中的即時體驗——在評估音樂效果中的作用。這一視角尤其適用於對電子音樂、聲音裝置藝術以及沉浸式音樂劇的分析，關注聲音的物質性如何直接作用於聽者。 第 9 章：係統復雜性與開放式分析 總結前八章的理論成果，提齣一種“開放式係統分析”的未來方嚮。該方法論主張分析模型必須具有適應性和自我修正能力，以應對當代音樂的跨媒介、跨文化特徵。探討瞭復雜適應係統（Complex Adaptive Systems, CAS）理論在模擬作麯傢決策樹和聽眾反應網絡中的應用潛力，預示著數據驅動的、多視角的分析未來。 --- 本書特色： 跨學科的深度融閤： 本書的核心價值在於將抽象的數學工具、精確的認知模型與深厚的哲學思辨有機結閤，提供瞭一種全麵且立體的音樂理解框架。 方法論的實用性： 每一理論介紹後，均配有詳細的“分析應用實例”小節，引導讀者將抽象概念轉化為具體的樂譜分析步驟。 對既有範式的批判性對話： 本書不僅介紹瞭新方法，更不迴避與傳統分析範式（如功能和聲分析）進行嚴格的、建設性的比較和辯論。 目標讀者： 音樂學、音樂理論、作麯技術、音樂認知科學等專業領域的高年級本科生、研究生及專業研究人員。同時，對於尋求深化理解當代音樂復雜性的資深演奏傢和作麯傢，本書亦是不可或缺的理論參考書。

評分☆☆☆☆☆

這本書的語言風格極其獨特，它帶著一種近乎詩意的嚴謹，讀起來有一種在冰窖裏生起火焰的感覺——冷靜、精確，但又蘊含著熾熱的思辨能量。我尤其欣賞作者對“情感”在哲學批評中地位的處理。它沒有像浪漫主義批評那樣把情感奉為圭臬，也沒有像某些極端客觀主義那樣將其完全排除。相反，作者精妙地探討瞭情感的“可言說性”與“不可言說性”之間的張力。他引用的那些案例，無論是對某位作麯傢生平的側麵描述，還是對某一特定樂章的微觀分析，都服務於他更宏大的哲學命題，而不是淪為獨立的音樂軼事。每次讀到他描述一種復雜的情緒如何在音響的物理性中被暫時“凝固”時，我都會有一種深深的敬畏感。這本書的價值在於，它提供瞭一種高度精煉、提煉後的理論框架，可以被靈活地應用到任何你熱愛的音樂形式上，無論它是歌劇、爵士還是實驗電子樂。它不是教你如何評論，而是讓你成為一個更深思熟慮的傾聽者。

評分☆☆☆☆☆

這本關於音樂批評哲學的書，真是讓人耳目一新。作者的切入點非常獨特，不像那些老生常談的音樂史或者技術分析，而是直接探討我們是如何“理解”音樂的。我記得書中有一段深入分析瞭現象學在音樂欣賞中的應用，那種描述感官體驗的文字，簡直就像把我的耳朵拉進瞭音樂本身。他沒有直接給齣“什麼是好的音樂”的答案，而是引導你去思考，在聆聽的時候，你的意識是如何與聲音結構互動的。這種內省式的探討，讓我對以往聽過的古典樂甚至一些現代作品都有瞭全新的感悟。以前聽巴赫，可能隻覺得結構精巧，現在讀完這本書，我能感覺到那種純粹的“存在感”，仿佛音樂就是時間本身被雕刻齣來的模樣。作者的文筆兼具學者的嚴謹和藝術傢的敏銳，在處理康德和尼采這些哲學巨匠的觀點時，也處理得遊刃有餘，沒有顯得晦澀難懂，反而讓原本高深的理論變得觸手可及。對於任何一個不僅僅想聽音樂，更想“知道自己為什麼會感動”的樂迷來說，這本書都是一次不可多得的洗禮。

評分☆☆☆☆☆

如果非要用一個詞來形容閱讀這本書的體驗，我會選擇“解構”。它像一把鋒利的手術刀，精準地剖開瞭我心中關於音樂美學的諸多“神聖”概念。我發現，那些我深信不疑的音樂“真理”——比如和聲的解決、鏇律的優美——在作者的審視下，都變成瞭曆史的産物，是特定文化權力結構下的産物。這種審視的力度非常強勁，毫不留情，但絕非僅僅是為瞭反叛而反叛。它更多的是在邀請讀者去參與到這場意義的再生産中去。尤其對社會學批評視角的闡述，讓我開始重新審視音樂會的禮儀、錄音技術的選擇，以及這些非音樂元素如何塑造瞭我們對音樂體驗的期待。這本書最寶貴的地方在於，它解放瞭我們對音樂的想象力，告訴我們，拒絕被既定的審美框架所束縛，本身就是一種創造性的自由。讀完後，我感覺自己像是掙脫瞭一個無形的枷鎖，看待音樂的視野一下子開闊瞭無數倍，不再被傳統的“好聽”或“難懂”的二元對立所睏擾。

評分☆☆☆☆☆

坦白講，我一開始翻開這本書時，對它能否真正提供有價值的見解是持懷疑態度的。畢竟，哲學和音樂批評這兩個領域，要找到一個既不膚淺又不過於枯燥的平衡點太難瞭。然而，這本書成功地做到瞭這一點，特彆是它對後結構主義視角下音樂意義的解構部分，簡直是道“思想的盛宴”。作者似乎並不滿足於描述音樂的“內容”，而是緻力於揭示符號係統是如何在文化中建構齣“音樂性”的。我印象特彆深刻的是他對“沉默”的討論，不是作為音樂的間斷，而是作為一種積極的、充滿張力的存在，這一點徹底顛覆瞭我對音樂結構的一些固有認知。讀到這些部分，我常常需要停下來，閤上書本，在腦海中重構一遍那些復雜的邏輯鏈條。它的論證過程如同精密的鍾錶，每一個齒輪——無論是索緒爾的影響，還是德裏達的痕跡理論——都咬閤得恰到妙處，最終指嚮一個令人信服的結論：我們所聽到的，遠比音符本身要復雜得多。這本書，絕不是一本可以隨便翻閱的休閑讀物，它要求讀者付齣專注和思考。

評分☆☆☆☆☆

作為一名有著多年實踐經驗的音樂人，我一直在尋找能夠橋接理論與創作的橋梁，而這本書恰好提供瞭這樣一座堅固的拱門。它沒有落入學院派批評的窠臼，用一堆隻有圈內人纔能理解的術語來故作高深。相反，作者通過對不同哲學流派的梳理，為我們提供瞭看待創作睏境的全新工具箱。比如說，書中探討海德格爾的“本真性”概念如何應用於即興演奏的瞬間判斷，這對我啓發極大。它不再是關於“彈得對不對”的技術問題，而是關於“在那個當下，我是否誠實地與我的創造衝動相遇”的本體論追問。作者在不同章節間切換的流暢度令人驚嘆，從分析十七世紀的對位法，一下子跳躍到當代電子音樂的無限循環結構，並且都能用統一的哲學框架來統攝。這種跨越時空的整閤能力，證明瞭作者深厚的學養。這本書不僅能提升你的批評素養，更能深刻地影響你的創作心態，讓你明白音樂行為本身就是一種深刻的哲學實踐。