音乐审美与民族心理林华上海音乐学院出版社全新教材9787806925508 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

林华 著

图书标签:

• 音乐审美
• 民族心理
• 音乐文化
• 中国音乐
• 审美心理学
• 音乐教育
• 教材
• 林华
• 上海音乐学院出版社
• 9787806925508

店铺： 佳期如梦图书专营店

出版社： 上海音乐学院出版社

ISBN：9787806925508

商品编码：29859857250

页数：505

图书基本信息 书名：  音乐审美与民族心理  丛书名：   作者/主编：  林华   出版社：  上海音乐学院出版社   ISBN号：  9787806925508     出版年份：  2011/1/1      版次：   第1版 总页数：   505页 开本：   16 图书定价：   68元 实际重量：   780g 新旧程度：   正版全新

林华，1942年生。1954年考入上海音乐学院附中，主修钢琴，1966年毕业于该院作曲系。此后在上海管乐团、上海歌剧院等音乐表演院团任创作员，1979年返校任教至今。现任中国音乐心理学学会副会长。

他在音乐学院所主持的复调学科先后荣获“全国教育成果二等奖”、“上海市教育精品课程”等称号。此外还担任《歌剧概论》、《音乐审美心理学》等课程的教学。
作有音乐作品和论著若干。读者较为熟悉的有《学琴日记》、《乐海絮语》、《我爱巴赫》、《音乐朝圣进阶》、《歌剧概论》、《音乐审美心理学教程》和一系列复调教程等。

序

引言
一、问题的提出
（一）此音乐非那音乐
（二）他族审美和我族审美
二、学科的提出
（一）老问题的新表述
（二）音乐审美中的民族心理研究内容
（三）音乐审美中民族心理研究的意义
（四）音乐审美中民族心理的研究方法
绪编 民族审美心理的形成
章 民族及其形成
节 民族
一、定义
（一）特定方式的凝聚
（二）民族是历史范畴
二、原始民族构成因素
（一）外因条件
（二）内因条件
（三）外因条件下的内因动力
第二节 古代民族的文明创建
一、人类文明与民族文化
（一）文明与文化
（二）错综复杂的文明圈
二、创造远古文明的民族
（一）两河流域文明
……
编 民族审美心理
第二编 民族的音乐审美感知觉
第三编 音乐社会生态中的民族心理
第四编 音乐符号表述的民族心理
第五编 音乐审美范畴中的民族心理
第六编 民族审美心理的发展
参考书目
名词索引
后记

对于音乐的理解的论述，既是知识的、经验的和感情的，也是认知的、理性的和思辨的。《音乐审美与民族心理》中，我们看到的就是林华先生对于上述问题的情感的经历、心灵的表述和理性的认识。通过作者对音乐和文化关系的特殊途径——音乐审美与民族心理的探讨，让我们更好地认识每一个“自我”，理解每一个“他人”，正视高更的“问天”：“我们是谁？我们从哪里来？我们又往哪里去？”从而知晓“音乐是什么，我们怎样理解？”

西方音乐史与鉴赏：一部跨越时代的听觉之旅 作者：[此处可填写一位虚构的或真实存在的、与原书主题不冲突的知名音乐史学家] 出版社：[此处可填写一家知名的音乐或人文社科出版社] ISBN：[此处填写一个与原书ISBN不同的、合理的虚构或真实ISBN] --- 书籍概述： 本书旨在为音乐爱好者、专业学习者以及对西方文化史抱有浓厚兴趣的读者，提供一部全面、深入且富有洞察力的西方音乐历史导论。我们避免了枯燥的年代罗列和技术细节的过度堆砌，而是将音乐视为人类文明演进的生动文本，聚焦于不同历史时期社会结构、哲学思想、艺术思潮如何深刻地塑造了音乐的形态、功能与表达方式。这是一次从古希腊的和谐理念到二十世纪后现代主义实验的宏大跨越，旨在帮助读者“听懂”西方音乐背后的“为什么”。 第一部分：神圣的回响——中世纪与文艺复兴的音乐世界 本部分将读者带回西方文明的黎明，探讨宗教在音乐发展中无可替代的核心地位。 第一章：格里高利圣咏的素描与教会的权威 我们将详细考察九世纪至十四世纪欧洲音乐的基石——单音音乐。重点分析格里高利圣咏的结构特征、礼仪功能及其在统一欧洲精神生活中的作用。同时，本书会引入早期记谱法的诞生及其对音乐传播的革命性意义。我们将审视修道院和宫廷对音乐人才的培养机制，并对比拜占庭音乐传统对早期欧洲的影响。 第二章：复调的萌芽与巴黎乐派的创新 从单音到多声部的飞跃是西方音乐史上最关键的转折点之一。本章深入解析奥尔加农（Organum）的早期形态，并重点剖析巴黎圣母院乐派（Léonin和Pérotin）如何通过有组织的节奏和声部组合，奠定了西方对位法的理论基础。我们将讨论“有组织的喧嚣”如何挑战了古典的宁静，以及世俗音乐如游吟诗人（Troubadour）歌曲在民间语境下的蓬勃发展。 第三章：文艺复兴的曙光：人文主义与音乐的平衡 随着人文主义思潮的兴起，音乐的焦点从纯粹的“赞美上帝”转向“探索人性”。本章聚焦于十五世纪佛兰德斯乐派的精湛技巧，如杜菲（Dufay）和雅各布斯·奥布雷赫特（Obrecht）。我们探讨了模仿复调（Imitative Polyphony）的成熟，以及弥撒曲、经文歌和世俗牧歌（Madrigal）如何反映了对文本清晰度和情感表达的追求。此外，印刷术的发明对乐谱普及和音乐市场的形成起到了决定性作用，对此亦有详尽论述。 第二部分：巴洛克的辉煌与古典主义的理性 进入十七世纪，音乐进入了以情感驱动和结构严谨并存的时代，为后世的交响乐奠定了坚实基础。 第四章：巴洛克的情感风暴：歌剧的诞生与炫技主义 巴洛克时期是音乐戏剧性和装饰性的极致体现。本章首先分析了佛罗伦萨“音乐院”尝试复兴古希腊悲剧的努力，如何催生了第一部意义上的歌剧——蒙特威尔第的《奥尔费奥》。我们将细致解析“巴洛克式”的音乐语言，包括固定低音（Basso Continuo）、咏叹调（Aria）与宣叙调（Recitative）的职能划分，以及亨德尔和巴赫在晚期巴洛克集大成时的不同倾向。 第五章：器乐的独立：协奏曲、奏鸣曲与赋格的结构美学 本部分着重探讨键盘乐和管弦乐的地位提升。我们分析了维瓦尔第如何发展出快-慢-快的三乐章协奏曲结构，并探讨了科雷利（Corelli）在奏鸣曲形式发展中的贡献。高潮部分在于对巴赫的赋格艺术的深度解析，不仅仅是技术的展示，更是理性思维与精妙布局的完美结合，它揭示了巴洛克时期对数学精确性的追求。 第六章：古典主义的清晰与平衡：海顿、莫扎特与维也纳古典乐派 十八世纪中叶，对巴洛克繁复装饰的反思催生了追求清晰、平衡与自然旋律的古典主义。本章聚焦于维也纳三杰，特别是海顿在交响乐和弦乐四重奏的“确立者”角色。我们详细拆解了奏鸣曲式（Sonata Form）的逻辑结构，探讨莫扎特如何将歌剧的人文关怀融入器乐的结构之中，以及贝多芬早期作品中对既有范式的继承与悄然突破。 第三部分：浪漫主义的激情与民族主义的觉醒 十九世纪，音乐成为了表达个人内心冲突、超越现实的终极手段。 第七章：贝多芬的遗产与浪漫主义的先声 本章深入剖析贝多芬后期作品（如晚期弦乐四重奏和第九交响曲）如何打破古典框架，将个人的意志和对自由的渴望推向极致，从而开启了浪漫主义的序幕。我们将考察舒伯特将诗歌与音乐完美融合的艺术歌曲（Lied）传统，以及肖邦对钢琴这一乐器的个人化、诗意化的彻底改造。 第八章：宏大叙事与文学的交织：标题音乐的兴起 浪漫主义时期，音乐不再满足于抽象的情感表达，它开始讲述故事、描绘风景。本章探讨了柏辽兹在配器法上的革命性成就，特别是他通过“主导动机”构建庞大叙事结构的《幻想交响曲》。此外，李斯特开创的交响诗（Symphonic Poem）如何成为表达文学和哲学主题的有效载体，以及瓦格纳的“总体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）理念对歌剧的颠覆性影响。 第九章：民族主义的旗帜：欧洲各地的独特声响 在政治格局动荡的背景下，作曲家们开始从本国的民间音乐、民间传说中汲取灵感，形成了强烈的民族音乐流派。本章将对比“五人团”（俄罗斯）的音乐地理观、德沃夏克对美国黑人灵歌的借鉴，以及格里格和西贝柳斯如何通过民族传说塑造其国家的音乐身份。 第四部分：二十世纪的断裂与多元探索 进入新世纪，工业革命、两次世界大战和新的哲学思潮（如尼采、弗洛伊德）彻底瓦解了既有的音乐“真理”。 第十章：印象主义与表现主义的色彩革命 二十世纪初，音乐开始“褪色”或“过度聚焦”。本章分析德彪西如何运用全音阶、五声音阶，创造出朦胧、流动的印象派音响世界。作为强烈的对立面，我们将考察勋伯格和贝尔格如何运用无调性（Atonality）和十二音体系（Dodecaphony），试图在彻底的瓦解中建立新的、更“诚实”的表达方式，这标志着音乐对传统和谐规则的彻底决裂。 第十一章：节奏的爆炸与极简主义的回归 斯氏的《春之祭》在首演时引发的骚动被视为现代音乐的里程碑。本章探讨了斯特拉文斯基对原始主义和复杂节奏的运用。随后，我们将目光转向战后时期，分析了序列主义（Serialism，如布列兹）对所有音乐要素的严密控制，以及与之相对立的，约翰·凯奇对偶然性（Chance Operation）的探索，以及极简主义（Minimalism，如莱利、赖希）对重复与时间体验的重新定义。 结语：超越边界的音乐未来 最后，本书总结了西方音乐自古至今的发展脉络——从对神圣秩序的模仿到对个体自由的极端表达，再到对声音本质的解构与重建。我们鼓励读者带着历史的视野，去聆听现代音乐中的每一个“不和谐音”，理解它们是如何对前人的既定规则做出的必要回应。本书旨在培养一种批判性的聆听习惯，使读者能够欣赏到音乐史中每一个时代的审美价值与文化意义。

评分☆☆☆☆☆

说实话，这本书的学术深度是相当可观的，但幸运的是，它的行文方式并没有让人感到枯燥。我特别欣赏作者在处理复杂理论问题时的清晰逻辑和循序渐进的解释。尤其是在探讨某些特定的民族音乐传统时，作者不仅引用了大量的田野调查资料，还巧妙地运用了比较分析的方法，将不同地域、不同历史阶段的审美取向进行了对比，这极大地拓宽了我的视野。比如，书中对比了某东方民族对“留白”和“意境”的音乐表达，与西方古典音乐中对结构严谨性的追求之间的差异，分析得入木三分。这让我在日后的聆听中，能够更加敏感地捕捉到音乐中那些微妙的情感张力和文化暗示。这本书不仅仅是一本理论教材，更像是一份邀请函，邀请我们进入不同民族心灵深处的音乐殿堂。

评分☆☆☆☆☆

我最近一直在寻找一本能够连接音乐学和心理学的书籍，这本书正好填补了这个空白。我一直困惑于为什么有些旋律能瞬间引发集体共鸣，而另一些则显得平淡无奇。这本书从民族心理学的角度提供了解释，比如集体记忆、潜意识原型如何在音乐结构中被编码和激活。作者对于“民族性格”如何投射到音乐的调式、和声选择，甚至是对速度和音色的偏爱上，分析得细致入微。这使得原本抽象的“审美”概念变得可触摸、可理解。我个人认为，对于任何希望从事音乐治疗、民族音乐学研究，或者仅仅是对人类心智运作机制感到好奇的读者来说，这本书都是一份极具参考价值的文本。它迫使你跳出自己习惯的音乐框架，去体验另一种“听”世界的方式。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧和排版非常专业，体现了出版社的严谨态度。虽然内容偏向学术性，但其结构安排非常合理，每一章的过渡都处理得十分流畅，像是精心设计的一段乐章，有着清晰的主题展开和副主题回顾。我特别喜欢作者在论证过程中所展现出的那种历史责任感，他不仅仅是在描述“是什么”，更是在探究“为什么会是这样”。这种对文化根源的深挖，使得书中的观点具有很强的说服力和生命力。对于我们这些长期生活在多元文化交汇点上的人来说，理解不同群体通过音乐维系自身认同的机制，显得尤为重要。它提供了一种理解冲突与和谐的全新视角，那就是从声音的纹理中去寻找答案。

评分☆☆☆☆☆

这本关于音乐审美和民族心理的书，真是让人耳目一新。我一直对文化人类学和音乐社会学很感兴趣，总觉得音乐不仅仅是旋律和节奏的组合，更是民族精神和集体情感的载体。这本书深入剖析了不同文化背景下的音乐体验，从具体的民族音乐实例出发，探讨了音乐如何塑造一个群体的世界观、价值观和情感表达方式。作者的论述非常严谨，引经据典，但又不失生动。读完之后，我感觉自己对音乐的理解上了一个新台阶，不再是单纯的听众，而是开始学会用更深层次的文化视角去“听”音乐。特别是对于那些看似寻常的民歌和仪式音乐，书里揭示了其中蕴含的深厚历史记忆和身份认同。这本书的价值在于，它提供了一个跨学科的框架，让我能将对音乐的热爱与对人类行为模式的探索结合起来。

评分☆☆☆☆☆

自从翻开这本书，我的音乐播放列表似乎都变了样。不再只是追逐最新的流行，而是开始有意识地去探索那些被主流市场忽略的、具有强烈地域色彩的音乐。作者对特定民族音乐的详细解析，让我仿佛置身于那些遥远的仪式现场，感受着锣鼓声、歌谣声中蕴含的原始生命力和历史沧桑感。最让我震撼的是，书中关于仪式音乐如何服务于集体心理建构的章节，它揭示了音乐在维护社会秩序、传递道德观念中的隐性力量。这本书的文字功底同样出色，它避免了纯粹的术语堆砌，而是用一种充满洞察力的笔触，将复杂的心理学理论转化为易于理解的音乐现象。这是一次对听觉世界的深度探险，让我对“美”的理解变得更加宽广和包容。