中国戏曲通论（史论卷） pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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张庚，郭汉城 编

图书标签:

• 中国戏曲
• 戏曲史
• 戏曲理论
• 文化史
• 文学史
• 艺术史
• 中国文化
• 传统戏曲
• 史论
• 戏曲研究

出版社： 中国戏剧出版社

ISBN：9787104032830

版次：1

商品编码：10620461

包装：精装

开本：16开

出版时间：2010-11-01

用纸：胶版纸

页数：514

内容简介

《中国戏曲通论（史论卷）》主要内容包括：中国戏曲与中国社会；中国戏曲的人民性；戏曲的艺术形式；戏曲的艺术方法；戏曲文学；戏曲音乐；戏曲舞台美术；戏曲导演；戏曲与观众等。

目录

前言
第一章 中国戏曲与中国社会
第一节 自成体系的中国戏曲
一 中国戏曲与印度梵剧
二 中国戏曲的特殊道路
第二节 戏曲生存与延续的社会条件
一 城市对戏曲提高的作用
二 多种声腔的出现与声腔系统的形成
第三节 戏曲的全国化
一 戏曲的全国化趋势
二 全国化与地方化的关系
第四节 戏曲的现代化
一 戏曲能否迈出封建的铁门槛
二 戏曲要不要接受新事?
三 走向世界，走向未来

第二章 中国戏曲的人民性
第一节 人民性的涵义及性质
一 对戏曲遗产的总体认识
二 人民性的涵义
三 人民性的审美性质
第二节 古代戏曲的人民性
一 古代戏曲人民性的历史特征
二 古代戏曲人民性的审美特征
第三节 有关传统剧目人民性的几个问题
一 关于封建道德
二 关于历史真实与艺术真实
三 关于民族问题
第四节 当代戏曲的人民性
一 当代戏曲与人民的联系
二 当代戏曲人民性的发展

第三章 戏曲的艺术形式
第一节 诗、乐、舞的综合与戏曲形式的形成
一 诗歌、音乐、舞蹈的混合
二 诗歌、音乐、舞蹈的综合
三 戏曲形式的形成
第二节 戏曲形式的节奏性
一 节奏形式与节奏感
……

第四章 戏曲的艺术方法
第五章 戏曲文学
第六章 戏曲音乐
第七章 戏曲表演
第八章 戏曲舞台美术
第九章 戏曲导演
第十章 戏曲与观众
第十一章 戏曲的推陈出新

前言/序言

煌煌书卷，史论赓续：一部未曾触及的戏曲宏观叙事 书名： 《中国戏曲通论（史论卷）》 内容提要： 本书并非《中国戏曲通论（史论卷）》，它是一部专注于清代中后期至民国初年的地方戏曲生态变迁与社会文化互动的深度研究。全书以宏大的历史视野和细微的田野考察相结合的方式，旨在描绘一个被传统“通论”叙事相对忽视的转型期戏曲图景。 本书的叙事轴线紧密围绕“变”与“守”的主题展开。它探讨了在晚清白银货币化加速、西方文化思潮涌入以及近代城市化进程的冲击下，传统戏曲艺术如何挣扎求存、自我革新，乃至最终催生出现代戏剧雏形的复杂过程。 第一编：晚清剧场的社会肌理与城市脉动 本编聚焦于1860年至1911年间，以上海、天津、广州为核心的近代都市剧场。 第一章：商业化浪潮下的梨园经济 传统戏班的组织结构在新的市场经济模式下发生了深刻变化。本章深入分析了“班主-票友-戏园”三位一体的经济链条如何重塑。我们细致考察了早期“票房”模式的兴起，以及它对戏曲商业运作的标准化影响。书中首次引入了对戏班财务记录的微观分析（基于有限的民间史料和档案），揭示了演员收入的波动性、服装道具的资产化趋势，以及戏园投资回报率的变化，以此佐证戏曲经济不再是封闭的宗族或行会体系，而是日益嵌入近代商业网络。 第二章：都市文化空间中的“看戏”礼仪 随着剧场从宗教、宗族场所逐步向公共商业空间转型，观众群体的构成也发生了根本性变化。本章着重探讨了士绅阶层、新兴买办阶层与普通市民在剧场中的并存与冲突。我们详细描绘了不同阶层观众对剧目选择、入座区域乃至“喝彩”方式的差异，论述了剧场如何成为近代城市阶层身份展示与互动博弈的复杂剧场。特别关注了女性观众进入剧场的历史节点及其对剧目内容和叙事取向的隐性影响。 第三章：剧目题材的“摩登”转向 晚清戏曲的创作不再局限于传统“才子佳人”或“忠义公案”。本章考察了戏曲对时事新闻、外国奇闻以及社会风俗改良议题的吸收。通过对大量存世的“时调小段”和“新编戏目”的文本细读，揭示了传统戏曲如何试图以“新”的面貌应对时代关切，以及这种“新”的边界在哪里，它与后来的“文明戏”之间存在哪些内在的逻辑关联。 第二编：地方声腔的地域性突围与艺术革新 本编将目光投向京剧“独大”叙事之外的广阔领域，聚焦于昆曲的衰微与“花部”声腔的繁荣在地域层面的具体表现。 第四章：南方声腔的都市化困境 重点剖析徽班进京的复杂性及其对地方原声腔的影响。本章侧重于弋阳腔、乱弹在长江中下游地区的流变，探讨了它们如何吸收外来元素，在保持本体风格的同时，适应更为喧闹、节奏更快的都市娱乐需求。书中详尽对比了同一题材在徽班与本地正字戏中的处理差异，阐释了审美取向的“地域性抵抗”。 第五章：粤剧的“南洋”辐射与艺术规范的建立 本章以粤剧为核心案例，论证地方戏曲如何在近代中国与海外华人社群之间建立起文化互动网络。我们研究了“文武生”角色的定型、“板式”的规范化以及“水袖”技巧的程式化过程。不同于将地方戏视为“原始”的观念，本章论证了粤剧在晚清时期已然形成一套成熟且具有强大生命力的艺术体系，其对本土叙事和表演哲学的坚持，构成了对北方主导文化的有效平衡。 第六章：音乐体系的“中西互鉴”实验 本编的学术创新点之一在于对戏曲伴奏音乐的考察。我们分析了在西方铜管乐器（如小号、萨克斯风）进入剧场后，民间乐师是如何将这些新乐器融入传统“丝竹”体系的。这种融合并非简单的叠加，而是对传统“板眼”和“腔调”节奏感和和声色彩的潜在改造。书中通过对部分戏曲“新声”乐谱的解读，试图量化这种早期中西音乐交融的程度和方向。 第三编：从戏曲到戏剧——“文明戏”的诞生与文化断裂 第三编探讨了辛亥革命前后，中国舞台艺术面对现代性挑战时，所经历的观念性突破与艺术形态的断裂。 第七章：“戏曲”的去魅化进程 本章深入剖析了知识分子群体对传统戏曲的批判，主要集中在“陈腐”、“迷信”和“不合时宜”的指控上。我们考察了林语堂、欧阳予倩等人在早期对戏曲艺术的“现代化”构想，以及他们如何借鉴西方写实主义美学，试图“净化”舞台。这并非对戏曲的“通论”，而是对特定知识分子群体文化立场转变的剖析。 第八章：舞台语言的革命：白话与口语 本书认为，“文明戏”的核心革命在于舞台语言的彻底世俗化。本章对比了传统戏曲高度凝练、充满典故的“戏白”与文明戏追求的“生活口语”。通过对早期文明戏剧本中对话场景的分析，我们揭示了这种转变如何直接影响了角色的心理深度和观众的代入感，从而为中国现代话剧的成熟奠定了语言基础。 第九章：梨园的“失落者”与转型期的命运 本编的尾声关注那些在剧场革命中被边缘化的群体。本章考察了老生、花旦等传统行当艺人在面对“文明戏”中“新角色”（如学生、军官）时的艺术适应性挑战，以及他们如何选择坚守传统剧目还是冒险投向新兴舞台。这部分内容充满了对个体命运的关怀，旨在弥补宏大史观下对底层艺人群体生存状态描写的不足。 结语：历史褶皱中的艺术生命力 本书的结论并非对戏曲艺术的终极判断，而是强调晚清至民初是戏曲艺术最具活力和冲突性的“断裂带”。这段时期的戏曲既是传统文化的巅峰回响，又是现代戏剧的萌芽温床。理解这一时期的复杂性，才能更全面地把握中国舞台艺术的百年流变。本书致力于提供一个多维、去中心化的历史视角，而非重复已有的宏观框架。

评分☆☆☆☆☆

这本《中国戏曲通论（史论卷）》的厚重感真是让人一上手就感受到它非同一般的学术分量。我本来是想找一本轻松入门的读物，结果被这本书的规模镇住了。它不像那种随便翻翻就能了解个大概的普及读物，更像是为戏曲研究的行家们精心打磨的工具书。每一页都塞满了密密麻麻的考据和严谨的论证，读起来需要高度集中的精神力，稍不留神就会漏掉一些关键的细节。比如它对不同历史时期戏曲形态演变的梳理，那种层层递进、抽丝剥茧的分析，让人不得不佩服作者在史料挖掘和梳理上的深厚功力。我特别留意了其中关于元明清三代戏曲体制变迁的部分，作者似乎对宫廷燕戏与民间戏班的互动关系有着独到的见解，但坦白说，对于一个业余爱好者来说，理解这些复杂的社会背景与艺术形式之间的互相牵制，确实需要反复咀嚼。这本书更像是地图，清晰地标示了戏曲历史的每一个重要节点和河流走向，但要真正“走”一遍，没有足够的时间和背景知识储备，恐怕会感觉寸步难行。它不是让你轻松领略戏曲之美的“导游手册”，而是摆在你面前的一份详尽的、需要认真研读的“史料地图集”。

评分☆☆☆☆☆

这本书的篇幅和所涵盖的史料之广博，令我感到既敬畏又有些望而却步。它似乎把中国戏曲从萌芽到成熟过程中所有重要的理论争鸣、体制更迭、以及地域性风格的碰撞，都一一纳入了版图。它提供的视角是自上而下的、宏观的，旨在描绘一幅全景式的历史画卷。我尝试着去对比不同历史时期官方对戏曲管理政策的变迁，书中对此的梳理极为细致入微，展示了权力结构是如何潜移默化地塑造艺术面貌的。这种史论的结合，展现了极高的学术水准。然而，正是因为这种极度的全面性，导致任何一个单一的题材，在书中都不会被深入到“令人满足”的程度，它更像是一个巨大的索引和框架，告诉你“在哪里可以找到更深入的答案”。它像一块巨大的知识矿脉，蕴藏着无尽的财富，但需要挖掘者具备极强的定向能力和足够的精力和时间，才能将这些矿石提炼成有价值的知识。

评分☆☆☆☆☆

坦率地说，初翻这本书时，我感觉自己像是一个误入了高等数学课堂的初中生，那些专有名词、那些复杂的历史人物关系网，如同密集的符号阵列，让人眼花缭乱。这本书的文字风格是典型的学院派，精确、克制，几乎没有华丽的辞藻或引人入胜的叙事技巧。它追求的是信息的密度和论述的准确性，而不是阅读的愉悦度。比如，当作者在分析某个流派的形成时，往往不会用通俗的比喻来解释其艺术特点，而是直接切入其音律结构、表演规范的变异，这对我来说，理解门槛很高。我不得不承认，我只能挑着自己感兴趣的、并且已经有一定基础的章节去啃食。这本书的价值在于其深度和广度，它无疑是中国戏曲史研究领域的一座里程碑，是未来研究者绕不开的参考系。但作为一本面向“大众”的通论，它在可读性上确实做了很大的牺牲，更像是留给后学者的“作业指导书”，而不是茶余饭后的谈资。

评分☆☆☆☆☆

这本书的结构安排堪称精妙，其逻辑之严密，让人不得不承认这是一部耗费了数十年心血的巨著。它不是按照剧目好坏来排序，而是完全以时间线索和理论框架为纲。我特别喜欢它在论述某一特定历史时期（比如宋元之际）的戏曲理论时，会同时引用当时的文学批评、社会风俗志乃至官方文献，这种多维度的交叉印证，构建了一个极为坚实的论证基础。当我读到某一章节时，会惊叹于作者如何将看似不相关的史料碎片，通过一个清晰的理论视角串联起来，形成一个有说服力的论断。然而，正是这种宏大叙事下的精微解剖，使得阅读的节奏非常快不起来。比如在讨论某个早期声腔的形成时，作者会花上十几页来对比不同抄本中的细微差异，这对我来说，需要的更多是耐心和学术背景的支撑。这本书更像是一座需要专业工具才能进入的图书馆，它提供了所有钥匙，但你需要知道如何使用它们来解锁特定的知识库。

评分☆☆☆☆☆

阅读这本书的过程，体验感非常复杂，它更像是在攀登一座学术的高峰，每向上爬升一截，视野就开阔一分，但随之而来的，是呼吸的急促和体力的透支。我最欣赏的是它那种近乎苛刻的史学态度。作者似乎对任何流于表面的概括都抱持着警惕，总是试图追溯到最原始的文本和最确凿的证据。我尝试着去理解其中关于“腔调体系”的溯源部分，那涉及到的跨剧种、跨地域的音乐理论和声腔演变，简直是一团复杂的线团。书里呈现的并非是戏曲艺术光鲜亮丽的舞台呈现，而是其深埋地下的骨骼结构。它毫不留情地揭示了艺术发展中的断裂、妥协与偶然性，这让那些我们习以为常的“经典”变得不再那么神圣和一气呵成。这种“去魅”的过程，对于真正想深入了解戏曲“是如何成为它现在这个样子的”的读者来说，是极其宝贵的。但对于我这种只是想欣赏几出好戏的普通观众而言，偶尔会觉得太过沉重，需要中途停下来，去看点轻松的资料来“换换脑子”。

评分☆☆☆☆☆

内容可以看看，但书的版式实在不喜欢，太大

评分☆☆☆☆☆

好书

评分☆☆☆☆☆

戏曲的理论，有洛地先生足矣。

评分☆☆☆☆☆

附带说一句，章诒和参加了这书的写作。

评分☆☆☆☆☆

很好

评分☆☆☆☆☆

版本不错 就是封面有点脏 但不影响 整体满意

评分☆☆☆☆☆

从艺术角度探讨中国戏曲，涉及到戏曲发展的文学、音乐、表演、导演等各个方面。对了解戏曲发展概况很有帮助。

评分☆☆☆☆☆

这套书体例非常好，适合搞戏曲的人阅读

评分☆☆☆☆☆

戏曲的理论，有洛地先生足矣。