上海戏剧学院规划建设教材：尤氏舞台语言训练法 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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吕岩 著

图书标签:

• 舞台语言
• 表演教学
• 戏剧教育
• 上海戏剧学院
• 尤氏训练法
• 语音训练
• 形体训练
• 表演技巧
• 教材
• 高等教育

出版社： 文化艺术出版社

ISBN：9787503953224

版次：1

商品编码：10969933

包装：平装

开本：16开

出版时间：2012-01-01

页数：120

内容简介

《上海戏剧学院规划建设教材：尤氏舞台语言训练法》是上海戏剧学院规划建设教材之一，全书共分三章，主要介绍了嗓音的调整，如何获得饱满的发声，培养嗓音技巧，深化嗓音的专业素质，舞台发声的训练等有关内容。本书可供戏剧爱好者参考。

目录

第一章 嗓音的调整
第一节 声音的产生
第二节 改善共鸣
第三节 “适中”的发声
第四节 如何获得饱满的发声

第二章 培养嗓音技巧
第一节 论音色
第二节 音高音域
第三节 力度音域
第四节 深化嗓音的专业素质

第三章 舞台发声的训练
第一节 谈谈演员嗓音的戏剧性
第二节 从技巧走向表现力
第三节 再谈响度
第四节 造型和发声及语言训练

前言/序言

《百年学府的剧场探索：中国现当代戏剧的舞台实践与理论》 本书以中国近现代戏剧发展为主线，深入剖析了自清末民初“新剧”萌芽至当代戏剧多元化探索历程中的关键阶段、代表人物及其理论贡献。它并非聚焦于某一时期的具体技术流派，而是着眼于宏观的艺术思潮演变，为读者构建一个理解中国戏剧如何吸收外来养分、熔铸民族特色、最终形成自身独特舞台美学的知识框架。 第一部分：新剧的诞生与早期探索（1900-1930年代初） 本部分追溯了中国现代戏剧的起源，从早期的文明戏、活报剧到受日本和欧洲影响的“话剧”定型。重点探讨了林语堂、欧阳予倩、田汉等先驱者在戏剧内容、表演观念和舞台形式上的早期革新。 文明戏的遗产与局限： 分析了传统戏曲对早期话剧在叙事结构和表演节奏上留下的影响，以及“文明戏”试图通过舞台批判社会现象的初步尝试。 “剧协”的成立与理论的引入： 详细介绍了“南社”、“南国社”等团体在上海的活动，他们如何有意识地引入易卜生、契诃夫等欧洲现实主义戏剧理论，并尝试将其应用于中文语境。特别关注了早期对“写实主义”的理解与本土化过程中的偏差与突破。 舞台语言的初级构建： 这一时期的演员面临的挑战是如何在继承传统声腔韵白的基础上，建立一套符合现代生活情境的“口语化”表演规范。本书考察了早期剧目中对情感宣泄和人物塑造的尝试，展现了演员在“说人话”与“演戏”之间的挣扎与探索。 第二部分：现实主义的深化与战争年代的洗礼（1930年代中叶-1949） 随着社会矛盾的加剧，戏剧承担了更强烈的社会责任感。本阶段是现实主义表演体系在中国的确立期，也是舞台艺术与民族解放运动紧密结合的时期。 “左翼戏剧家联盟”的理论影响： 探讨了马克思主义美学思想对中国戏剧的深刻塑造。重点分析了集体主义叙事、英雄人物塑造以及如何通过舞台揭露阶级压迫的艺术手法。 表演体系的成熟： 考察了在抗战背景下，戏剧工作者如何实践和发展更具深度的内心体验派表演。这不仅包括对斯坦尼斯拉夫斯基体系的有限引入（侧重于“体验”而非系统的“方法”），更重要的是如何将这种体验与中国人民的集体情感相融合。例如，如何通过形体训练来表达革命的激情与坚韧，如何处理舞台上的“情感爆发点”。 民族化形式的探索： 分析了在抗战时期，许多剧团为了深入民间和军队，如何在保持戏剧内核的基础上，借鉴戏曲的程式化元素，创造出更具生命力和适应性的舞台语汇，以实现“为工农兵服务”的目标。 第三部分：国家建设时期的规范化与样式探索（1950-1976） 新中国成立后，戏剧艺术被纳入国家文化建设的宏大叙事之中。本部分聚焦于新中国初期对“社会主义现实主义”的官方界定，以及由此产生的舞台实践的统一性与多样性。 “十七年”文学艺术的典范： 详细梳理了这一时期根据“十七年”文学作品改编的经典剧目（如《雷雨》、《日出》的重塑，以及大量反映工农生活的原创剧目）。分析了在统一的政治导向下，演员如何被训练去塑造“正面典型人物”，他们的情感表达、声音控制和舞台调度都趋于规范化。 声腔与形体的再平衡： 探讨了在国家大力发展戏曲现代化的背景下，话剧演员如何吸收京剧、地方戏的板式、身段和“气”的运用，以增强舞台的感染力，避免陷入平淡的“生活纪录片”模式。这是一种自上而下的对舞台美感的提升要求。 “革命浪漫主义”的兴起： 分析了在特定历史时期，戏剧如何开始尝试将英雄主义与浪漫色彩相结合，这在演员的表演强度和舞台的视觉呈现上提出了更高的要求，例如对英雄形象的理想化处理。 第四部分：改革开放后的多元回归与观念革新（1977至今） 随着思想禁锢的解除，中国戏剧迎来了空前的思想解放和艺术创新期。本部分分析了西方后现代思潮的涌入，以及本土戏剧家如何重新审视传统与现代的关系。 “先锋戏剧”的冲击： 详述了孟京辉、赖声川等一批戏剧人如何挑战既有的写实主义规范。本书探讨了“非生活化”表演的回归，例如对潜意识、象征主义和“去戏剧化”手法的运用。演员开始重新探索身体的极限和声音的非功能性表达。 对“表演方法”的反思： 随着更多西方表演理论的引进（如梅耶荷德的生物力学、格罗托夫斯基的“贫乏剧场”等），本土演员和教育者开始批判早期对单一“体验派”的僵化理解。重点分析了如何将这些新理论融入中国演员的训练体系，以应对更复杂、更具实验性的剧本需求。 当代舞台的语言探索： 探讨了当代戏剧中“身体剧场”、“肢体剧场”的兴起。强调了在没有传统叙事支撑的情况下，演员如何仅凭身体的调度、呼吸的控制和空间感来完成角色建构和情感传达。这标志着中国舞台语言从侧重于“说”的阶段，全面转向对“做”和“在场”的极致追求。 总结：中国戏剧舞台美学的未来走向 本书最后总结了百年历程中，中国戏剧舞台语言从模仿、适应到创造性转化的过程，强调了民族文化精神如何始终是中国戏剧艺术形态选择的内在驱动力。它提供了一个审视中国舞台实践的宏大视角，而非针对某一特定技术流派的细致操作手册。

评分☆☆☆☆☆

这本书我是在朋友的推荐下翻开的，最初是冲着“上海戏剧学院”这几个字去的，总觉得名校的出品应该有其独到之处。拿到手才发现，这本教材的厚度确实让人有些敬畏。我本来是做一些舞台管理方面的工作，对舞台呈现的效果自然很关心，但对于“语言训练法”这类偏向演员内部技巧的内容，我一直有点敬而远之，总觉得那是台上的事，跟我这个幕后人员关系不大。然而，翻阅目录和前言时，我发现作者的论述非常系统和严谨，不像有些理论书那样空泛，而是给出了大量的具体案例和练习步骤。比如，它对气息控制的讲解，细致到连吸气时胸腔的扩展角度都有明确的指导，这让我这个外行人也感到非常震撼。我尤其欣赏它那种“拆解式”的教学结构，把复杂的语言表达技巧，一步步分解成可以量化的、可操作的单元，让人感觉即便是零基础的人也能按图索骥进行训练。整本书的排版设计也很有特色，大量留白和清晰的图示，使得阅读过程中的疲劳感大大降低。虽然我暂时还无法完全实践书中的所有内容，但光是阅读这些精妙的理论框架，对我理解舞台表演的内在逻辑就已经大有裨益了。

评分☆☆☆☆☆

我是一个对传统教材排版感到厌倦的读者，很多教材要么是密密麻麻的文字，要么是枯燥的黑白线条图。这本教材在视觉呈现上给我带来了惊喜。它在理论的阐述中穿插了许多非常精美且具有年代感的舞台设计手稿和演员训练场景的照片，虽然这些照片本身不直接解释语言的技巧，但它们营造了一种浓厚的学院氛围和历史厚重感。阅读时，我仿佛能闻到老剧场的木头味和油彩味。书中对于一些关键概念的定义和解释，通常采用一种非常清晰的“术语界定—原理阐释—实践建议”的三段式结构，保证了逻辑的严密性。我注意到，作者在引述前辈理论时，总会加上自己的理解和批判性的补充，使得内容既有传承性，又不失创新性。这种对学术规范的尊重和对实践的紧密结合，让这本书读起来既有“大学教科书”的权威感，又像是一位经验丰富的导师在耳边耐心指导。它不是那种看完一遍就能“融会贯通”的书，更像是一本需要反复翻阅、随时做笔记的工具书。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我拿到这本教材的时候，内心是带着一种“批判性审视”的态度的。毕竟，舞台语言的训练法这种东西，往往被各种流派和个人风格所垄断，很容易陷入“自说自话”的窠臼。我对这本书的期待值其实是比较保守的。但阅读下去后，我逐渐被其中强调的“本体性回归”的理念所吸引。它似乎并不执着于某一种特定的发音腔调或情感表达模式，而是致力于挖掘声音作为“身体工具”的潜能。我特别喜欢其中关于“共鸣点的建立与空间感”的论述，作者似乎在努力搭建一座桥梁，连接着演员的生理结构和他们想要投射出的情感空间。这种对“物理基础”的执着，使得理论不再是空中楼阁。我注意到书中有不少篇幅是关于如何通过身体的微调来影响声音的穿透力和质感，这对我理解声音在大型剧场中的传播规律非常有帮助。这本书的价值，在我看来，并不仅仅在于教人如何“演”，更在于教人如何“听”——听自己的声音，听环境对声音的反馈，从而实现更精妙的控制。这种内观的视角，是很多其他表演书籍里少见的深度。

评分☆☆☆☆☆

从一个长期关注表演艺术教育的观察者的角度来看，这本书的价值在于它提供了一种可被系统化、可被复制的训练路径，打破了传统上对“天赋”的过度依赖。我欣赏作者敢于将一些极度细微的“身体感觉”转化为清晰的文字描述，这需要极高的概括能力和对教学法的深刻理解。例如，对于“口腔开放度”的调整，书中不仅仅是说“要打开”，而是通过一系列参照物和自我检测的方法，让学习者能够精确地找到那个最佳的共鸣点。这本书的结构安排，体现了从“宏观感知”到“微观控制”的递进逻辑，非常符合人类学习新技能的规律。它不仅仅是一本针对学生的教材，对于有经验的指导教师来说，也是一本极好的校准和反思自己教学方法的参考书。它展现了一种科学、审慎且充满人文关怀的教育理念，即真正的舞台艺术，源于对身体的彻底理解和对语言的极致尊重。

评分☆☆☆☆☆

坦白讲，这本书的阅读难度并不低，它对读者的前期知识储备有一定的要求，尤其是在涉及到一些声学原理和运动生理学的交叉点时。但正因为这种“门槛”，才让真正有心钻研的人能从中汲取到更深层次的营养。我印象最深的是它对“节奏感”和“停顿的艺术”的处理。很多教材只是简单地强调了停顿的重要性，但这本书却深入分析了不同类型的停顿（如犹豫性停顿、呼吸性停顿、情绪爆发前的蓄力停顿）在舞台语言链条中所起到的不同功能。它甚至将这种节奏感与古典戏剧的韵律结构进行了对比分析，拓宽了我对“语言表达”的理解边界。我甚至开始反思，在日常交流中，我们有多少次的表达是基于本能的、未经打磨的“无效噪音”，而书中提供的训练，旨在将每一个发出的音节都赋予其应有的重量和目的性。这种对精准度的追求，是我在这本书中最受触动的方面。

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非常好的书!

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很棒的工具书，喜欢，物流也快！

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一家之言 适合参考

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一般

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买了很多，慢慢学习吧，书是正版的！

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送货速度再快点就好了，好在图书质量不错

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一般

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还没看 不错吧

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好。好。好。好。好。好。好