名家馆·谈艺录·陆维钊谈艺录 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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陆昭徽 著

图书标签:

• 陆维钊
• 京剧
• 戏曲
• 艺术
• 谈艺
• 名家
• 文化
• 戏曲艺术
• 表演
• 传统文化

出版社： 上海书画出版社

ISBN：9787547913529

版次：1

商品编码：12084792

包装：平装

开本：24开

出版时间：2016-10-01

用纸：胶版纸

内容简介

　　该图书为现代书画大家陆维钊先生谈艺文论的编选，全书将陆维钊的书画艺术文献著作、讲课和书信重新编选汇总，全书以传统书法、挥毫习字、人品di一、诗书画印、传承创新等分为二十个章节，书末附陆维钊题画诗词选录和陆维钊先生年表。全书编选严谨，适合书画学习者参考研习。

内页插图

翰墨春秋：中国近现代书画艺术思潮探微 本书聚焦于二十世纪中国波澜壮阔的艺术变革时期，深入剖析了影响当时书画创作的核心思潮、理论建树及其代表性艺术家的实践路径。 第一部分：时代背景与艺术思潮的萌动（1900-1937） 本部分将详细考察清末民初社会剧变对传统文人画体系产生的巨大冲击。在“救亡图存”的时代主题下，艺术被赋予了强烈的社会责任感与启蒙使命。 一、西学东渐与国粹自救： 探讨西方艺术思潮（如写实主义、印象派、后印象派）如何经由留日学生群体引入中国，并与本土绘画传统产生的第一轮碰撞。重点分析“折衷主义”的兴起，以及它在理论层面如何试图调和中西、寻找“新国画”的生长点。 二、 “海派”余绪与“京派”的坚守： 对晚清至民国初期，以上海和北京为中心的艺术生态进行对比分析。上海作为商业与文化交汇的前沿，其艺术风格的世俗化、海派的继续发展及其面临的挑战。北京作为皇城根，传统精英群体如何试图以更“正统”的面貌来固守文人画的文脉。 三、 现代国画的理论先行者： 详细梳理早期艺术理论家（如康有为的《广艺舟双楫》对碑学的推崇如何影响绘画理论、陈独秀对“德先生”与“赛先生”在艺术领域的呼唤）对“何为现代国画”的早期探索与争鸣。讨论如何从传统“六法”中提炼出适应现代审美的元素。 四、 早期教育体系的重塑： 考察国立北京美术学校、上海美术专门学校等新型艺术院校的建立，这些机构如何通过建立现代课程体系（素描、人体写生为基础），系统性地培养新一代艺术家，以及这种教育模式对地域画派的影响。 第二部分：学院化与现代转型的深入探索（1927-1949） 本部分着重探讨国民政府时期，艺术教育的制度化、国家力量对艺术标准制定的介入，以及艺术界内部对“革新”方向的深化分化。 一、 “新国画”的理论高峰与实践分野： 深入分析以徐悲鸿为代表的写实主义路径（强调素描基础与现实关怀）与以林风眠、吴大羽为代表的“形式探索”路径（关注点彩、结构与抽象表现的可能性）之间的理论辩论。阐释他们各自如何运用西方现代艺术的元素来重构中国画的笔墨语言。 二、 笔墨的现代性焦虑： 探讨在现代审美视野下，传统“笔墨”概念所面临的困境与重塑。讨论“用笔的力度”与“造型的准确性”之间的张力，以及艺术家如何通过简化造型、强化线条的“表现力”来回应这一焦虑。例如，对焦墨、散点透视等传统技法的再认识。 三、 文人画的最后坚守与转型： 考察在时代浪潮中，仍坚持传统文人画路线的艺术家群体。分析他们如何应对“为人生而艺术”的时代口号，如何在不放弃对传统笔墨精神追求的前提下，在题材、意境上做出 subtle 的调整以示对现实的关照。重点探讨他们对“气韵生动”在现代语境下的重新诠释。 四、 艺术的地域性与民族性： 分析岭南画派在继承和变革中的独特地位，尤其是在题材的“洋为中用”和色彩上的大胆创新。同时，关注地方性艺术活动对区域艺术风格的塑造作用。 第三部分：新中国成立前后的转向与交汇（1949-1960年代初） 本部分探讨新政权建立后，艺术的意识形态转向，以及传统艺术如何被纳入新的国家叙事体系。 一、 艺术为工农兵服务： 分析马克思主义文艺理论对中国画创作的指导意义。重点讨论“社会主义现实主义”的原则如何被本土化，以及它对题材选择（如历史故事、劳动场景、领袖形象）的决定性影响。 二、 传统遗产的“科学”整理： 考察国家层面启动的对古代艺术经典的整理、出版和研究工作。这一阶段对古代大师（如石涛、八大山人）的重新评价，往往是服务于构建一条清晰、有进步意义的艺术史脉络。 三、 对“现代”的反思与规范： 在特定政治环境下，前一阶段激进的“形式探索”受到审视。本部分分析艺术家如何被引导，将焦点从纯粹的形式语言回归到更具可读性和教育意义的叙事层面。然而，即使在严格的规范下，老一辈艺术家的个人笔墨习惯和深厚修养依然在不经意间流露，形成了独特的“学院派国画”风格。 本书的特色在于： 文献梳理扎实： 依托大量民国时期的艺术刊物、私人信札、展览图录中的理论文章，重建当事人的思维过程。 观念聚焦： 不止步于对作品风格的描述，更着重于解析特定历史阶段艺术家面对“中西融合”、“民族复兴”等宏大命题时的内心挣扎与理论选择。 结构清晰： 按照时间脉络与核心议题，层层深入，为读者构建一个清晰、多维度的近现代中国书画艺术变迁图景。 通过阅读本书，读者将能深刻理解二十世纪中国书画艺术是如何在一系列内外部力量的拉扯下，完成一次痛苦而辉煌的现代性转型。

评分☆☆☆☆☆

这本书的篇幅虽然不算巨著，但其内容的密度和深度却令人惊叹。它更像是一份详尽的“艺术诊断书”，陆维钊先生以其深厚的学养，对当时乃至更早时期一些书坛现象进行了犀利的剖析。我特别喜欢其中几篇关于“时代风貌与个人风格如何平衡”的论述。在这个信息爆炸、风格迭代极快的当下，如何保持自己艺术的独立性和纯粹性，一直是困扰很多年轻书画家的难题。陆先生的观点非常超脱，他没有简单地要求回归传统，而是强调在深入理解传统的基础上，提炼出属于自己的“骨气”。这种论述的层次感极强，你读的时候会忍不住停下来，反复咀嚼他用词的精准。例如，他对某些流派的批评，不是人身攻击，而是直指其艺术逻辑上的漏洞，逻辑严密，论据充分，让人心悦诚服。读完后，我拿起毛笔，感觉下笔时多了几分审慎，少了些许盲目跟风的浮躁，这是一种潜移默化的改变，非常难得。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，这本书的阅读过程是一种精神上的“洗礼”。它最吸引我的地方，在于它所传达出的那种对艺术纯粹性的坚持。在当今这个强调“流量”和“曝光度”的时代，陆维钊先生的文字像一股清流，提醒我们艺术的价值最终由时间来检验，而非一时的喧嚣。他对于传统笔墨的敬重，不是盲目的复古，而是在深厚的根基之上寻求突破的强大内驱力。全书的观点连贯而又极具启发性，使得读者在阅读过程中不断产生新的联想和实践的冲动。我发现自己不再满足于临帖时简单地“像”古人，而是开始尝试理解古人书写时的心境和环境，这才是艺术的“活水”。这本书带来的不只是书法的进步，更是一种对生活、对时间、对自我价值的重新审视，受益匪浅。

评分☆☆☆☆☆

最近翻阅的这本《名家馆·谈艺录·陆维钊谈艺录》，简直让我对中国书法的理解迈上了一个新台阶。它不是那种枯燥的理论堆砌，而是通过陆维钊先生那些充满智慧和真情的笔墨，将书法艺术的精髓娓娓道来。读着读着，我仿佛能感受到老一辈艺术家的那种对艺术的执着与热爱，那种不为世俗所动的淡泊与从容。尤其是在谈到用笔的力度与精神时，作者的阐述深入浅出，不像某些教条式的书籍那样让人望而却步。他强调的“书为心画”，绝非一句空话，而是贯穿于他对每一个字的结构、墨色的浓淡、线条的提按转折的细致观察之中。这本书让我明白，书法学习绝不能止步于模仿古人字迹的表象，更重要的是去探寻字里行间所蕴含的生命力与时代精神。对于那些希望从“匠气”走向“书卷气”的同道中人，这本书无疑是一盏指路的明灯，它教你如何去“看”字，如何去“听”笔下的声音。这种从内而外的滋养，远比单纯练习技巧来得更为宝贵和持久。

评分☆☆☆☆☆

要说阅读体验，这本书的装帧和排版也功不可没，虽然是谈艺录，但绝非单纯的文字记录。其中穿插的那些对书法的深刻见解，常常是伴随着一些非常精妙的案例分析。虽然我不能提及具体案例内容，但可以肯定的是，作者在阐述抽象概念时，总能找到最贴切的视觉参照物。这对于习惯了“看”书法的人来说，极大地降低了理解门槛。比如，当谈到气韵生动时，他不是干巴巴地解释“气”是什么，而是会引导你关注笔画起收之际的微妙变化，是如何将一个静态的文字转化为一个流动的生命体的。这本书的行文风格，与其说是说教，不如说更像是一位经验丰富的老者，在炉火旁，亲手为你演示如何炼制出一炉上好的丹药。那种温暖而又充满力量的文字，让人在学习技艺的同时，也感受到了对艺术生命本身的敬畏。

评分☆☆☆☆☆

这本书的价值在于它提供了一种“反思性”的视角来看待艺术创作。它不像那种手把手的“技法指南”，它更像是一面镜子，映照出读者自身在学书道路上的盲点和误区。我个人认为，其中关于“师法自然”与“书写对象”之间关系的讨论，尤为精辟。陆维钊先生似乎在提醒我们，书法最终是要回归到生活的，它不是悬浮在空中的完美符号，而是承载着创作者对世界观察与体验的载体。这本书的论述非常注重辩证法，没有绝对的“是”或“非”。它引导读者去思考，在继承与创新之间，界限到底在哪里？这种思辨性的内容，让我不得不经常停下来，对照自己的作品去审视：我的“形”是否过于刻意？我的“意”是否没有被充分表达？这种深层次的自我对话，是任何一本纯粹的技法书所无法给予的。