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孙宝文编 著

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出版社： 中华书局有限公司

ISBN：9787101126990

商品编码：21297991078

出版时间：2017-09-01

作  者:孙宝文 编 定  价:32 出 版 社:中华书局有限公司 出版日期:2017年09月01日 页  数:24 装  帧:线装 ISBN:9787101126990 ●《何绍基楹联名品》无目录

内容简介

晚晴重臣曾国藩格外推崇何绍基的书法艺术。他曾在给诸弟一封家书中写道：“盖子贞之学，长于五事：一曰礼仪精，二曰汉书熟，三曰说文精，四曰各体诗好，五曰字好。此五事者，渠意皆欲有所传于后。以余观之，此三者余不甚精，不知深浅究竟何如，若字，则必传千古无疑也。诗亦远出时手之上，而能卓然成家。” 何绍基（一七九九—一八七二），字子贞，号东洲，晚号蝯叟，湖南道州人。他出身于书香门第，父何凌汉为一代名臣。何绍基八岁入京，自幼受到良好教育。道光十六年中进士，曾任翰林院编修，国史馆提调、福建和贵州等地乡试考官等。咸丰五年，五十七岁的何绍基在四川学政任上，因“肆意妄言”罪被免去官职。此后，他主讲济南濼源书院、长沙城南书院，在扬州书局等处任职，全身心投入文化教育和书法艺术创作中。 与何绍基多有交往的杨翰评说：“何贞老书，专从颜清臣问津，数十年功力，溯源篆隶，入神化境。”与何绍基有师生之宜的林昌等

《宋代山水画的演变与审美取向》 作者： 陈景和 出版社： 文渊阁出版社 出版日期： 2023年10月 定价： 168.00元 --- 内容简介 《宋代山水画的演变与审美取向》是一部深入剖析北宋至南宋近两百年间，中国山水画艺术发展脉络、技法革新以及其背后深刻文化哲思的学术专著。本书旨在超越传统画史的简单梳理，着重探讨在特定历史背景下，宋代士大夫阶层、宫廷画院以及民间艺术力量如何共同塑造了中国山水画的黄金时代，并确立了后世审视自然与艺术关系的基准。 全书分为七个章节，逻辑清晰，论证严谨，辅以大量高清的宋代绘画高清图版及细部解析，力求为读者呈现一个立体、多维的宋代山水艺术世界。 第一章：宋代山水画的文化土壤与时代背景 本章首先回顾了唐代山水画的成就，为理解宋代的突破奠定基础。随后，重点分析了宋代儒学复兴（理学）对艺术观念的渗透，以及“格物致知”的哲学思想如何转化为画家对自然形态的细致观察和对“理”的描摹追求。我们探讨了宋徽宗朝廷对绘画的推崇，以及这种自上而下的审美导向如何催生了注重法度与写实的画风。此外，中原的丧失（靖康之变）对南渡士人精神面貌和艺术表达的影响，被视为理解南宋“大景”与“小景”差异的关键所在。 第二章：北宋“巨碑式”山水：范宽、李成、关仝的北方气象 本章聚焦于北宋早期至中期的“北方山水”流派。范宽的《溪山行旅图》被置于核心位置进行剖析，研究其“雨点皴”的结构性作用及其表现出的雄浑、肃穆的宇宙观。李成所代表的“文人化”倾向，其对古木、云烟的独特处理方式，预示了后世士大夫山水的精神走向。本章强调，北宋早期的山水画，追求的是一种“可游、可居、可观”的理想化山川秩序，强调画面的结构感和纪念碑性。 第三章：院体画的精微与“画院”的体制化创作 详细考察了宋代宫廷画院的运作机制，包括其严格的考试制度和对特定主题（如“江山秋色”、“踏雪寻梅”等）的偏好。徽宗时期的院体画达到了写实技法的巅峰，本章通过对郭熙《早春图》的深入分析，阐释了“可行、可望、可游、可居”的四种观画境界的提出，揭示了院体画家如何在不失法度的前提下，追求视觉上的真实与诗意的结合。重点讨论了“墨分五色”在院体画中的具体运用，以及如何通过细微的笔墨变化来表现不同季节、不同天气下的空气感和光影效果。 第四章：文人写意山水的萌芽与苏轼的理论贡献 苏轼提出的“论画以形似，见与鄙夫之见”成为中国艺术史上的一个重要转折点。本章梳理了以苏轼、文同为代表的文人画派的崛起。他们将绘画视为“胸中之逸气”的抒发，强调“意在笔先”。文同的墨竹被作为山水画精神的参照系进行研究，探讨了如何通过“似与不似之间”的笔墨，寄托对现实政治的隐晦批判和对精神自由的向往。 第五章：南渡后的转折：对“存亡之痛”的艺术表达 靖康之变是宋代艺术的重大分水岭。本章分析了南渡后山水画的审美取向变化：北方山水画家的作品逐渐向“怀旧”和“追忆”倾斜，而新兴的南宋画家则更关注个体的情感体验和对江南烟雨迷蒙之景的描摹。马远、夏圭的“边角式”构图（一角、半边）是本章的核心议题，探讨这种极度简约和留白的技法如何映照出士大夫阶层在流亡中产生的疏离感和哲思的深沉。 第六章：笔墨语言的革命：皴法的演变与“水墨为上”的确认 本书细致对比了北宋与南宋在皴法上的主要差异。如“披麻皴”、“斧劈皴”的成熟运用，以及南宋对“笔墨趣味”的强调如何使得皴法从描绘对象形态的工具，逐渐演变为表达画家个性和情感的载体。探讨了水墨技法的解放，论证了在南宋时期，水墨画的地位彻底超越了青绿山水，成为主流表达形式的原因。 第七章：宋代山水画对元代及后世的影响 总结宋代山水画在技法、理论和审美三个层面上对后世产生的不可磨灭的影响。宋代确立了中国山水画的典范，元四家的创作便是在继承宋人笔墨的基础上，进一步将文人写意推向极致。本书最后指出，宋代对自然的尊重、对法度的严谨要求，以及对画家长久以来的哲学思考，共同构筑了中国绘画艺术“以形写神”的最高境界。 --- 读者对象 本书适合美术史专业学生、研究宋代艺术史的学者、资深艺术爱好者，以及希望深入了解中国古典山水画核心精神的读者。阅读本书需要具备一定的中国艺术史基础知识。 特色与价值 体系完整： 兼顾了院体与文人两大体系的并行发展与相互影响。 图版精良： 选取了大量博物馆级的原色高清图版，并附有详细的局部放大图解。 理论深入： 结合理学、禅宗等哲学思想，解释山水画“何以如此”的内在动因。 注重比较： 侧重于北宋与南宋在创作理念和笔墨手法上的对比分析，凸显历史变迁对艺术风格的决定性作用。

评分☆☆☆☆☆

这部书的装帧设计着实令人眼前一亮，纸张的质感上乘，印刷的清晰度更是没得说，每一个细节都透露出对阅读体验的尊重。尤其是内页的排版，疏密有致，字体的选择也颇具匠心，让人在长时间阅读时也不会感到视觉疲劳。光是翻阅这本书的过程，本身就是一种享受。作者在内容的组织上显然下了大功夫，逻辑脉络清晰可见，使得原本可能显得有些晦涩难懂的题材，也变得平易近人。对于我们这些初涉这个领域的人来说，这种清晰的引导简直是雪中送炭。我尤其欣赏作者在叙述过程中那种不急不躁、娓娓道来的节奏感，仿佛一位经验丰富的老师在身边循循善诱，让人心甘情愿地沉浸其中，跟随其思绪起伏。整本书的开本大小也设计得非常人性化，既方便携带，又保证了阅读的舒适度，体现了出版方在细节处理上的专业水准。

评分☆☆☆☆☆

从内容结构上看，这本书的编排简直是教科书级别的典范。它不是简单地将资料堆砌在一起，而是构建了一个清晰的知识框架。从宏观的背景介绍到微观的具体分析，层层递进，过渡自然得如同水到渠成。每一章的布局都经过了深思熟虑，既有理论高度，又不乏实践案例的支持，形成了一个完整的闭环。这种结构设计极大地帮助了读者消化吸收信息，避免了信息过载带来的困惑。我发现自己可以很容易地在不同章节之间建立起联系，这得益于作者在章节衔接处所下的功夫，那些微妙的过渡句和总结陈词，起到了画龙点睛的作用。对于希望系统性学习某一领域的读者来说，这本书的结构完整性和逻辑严密性，是其价值的基石所在。

评分☆☆☆☆☆

这本书带来的价值远超其售价本身，它更像是一次思想的深度对话。作者在探讨问题时，展现出一种极高的批判性思维和独立见解，敢于挑战既有的定论，并提出了许多令人耳目一新的观点。阅读过程中，我常常需要停下来反复琢磨那些精辟的论断，甚至会引发我对自己原有认知的反思和修正。这种被“敲醒”的感觉非常宝贵，它促使读者从被动的接受信息，转变为主动的思考和质疑。它不是简单地告诉你“是什么”，而是引导你去探究“为什么会是这样”，以及“还可以怎样”。这种激发思考的深度，才是真正衡量一部优秀著作的标尺。它教会我的，不仅是知识本身，更是一种看待世界的方式。

评分☆☆☆☆☆

这本书的叙事风格极其流畅自然，一点也不像某些学术著作那样板着面孔，让人望而却步。作者很懂得如何用富有感染力的语言去描绘那些抽象的概念，使得原本枯燥的理论分析变得鲜活起来，充满了生命力。我特别喜欢他偶尔穿插的一些个人化的感悟和观察，这些点缀恰到好处，如同在平整的画布上洒下的几笔亮色，瞬间点亮了整个画面，也拉近了与读者的心理距离。这种“在不失严谨性的前提下，追求可读性”的平衡把握得非常到位。说实话，我过去对这类题材常常敬而远之，但这本书却像一块磁铁一样，牢牢地吸引着我的注意力，让我迫不及待地想要知道下一页会揭示些什么。这种阅读的愉悦感，是很多同类书籍所无法提供的。

评分☆☆☆☆☆

读完这册书，我最大的感受是作者的知识储备之广博与深厚，简直可以用“令人叹为观止”来形容。他似乎对每一个相关的历史背景、文化渊源都进行了细致入微的考证，绝非泛泛而谈的表面功夫。书中引用的许多旁征博引的材料，都经过了精心的筛选和恰当的运用，极大地丰富了读者的认知边界。更难得的是，作者在驾驭如此庞杂信息的同时，依然能够保持笔锋的犀利与洞察力，总能一针见血地指出问题的核心所在。这种将深奥理论融于生动叙述之中的能力，非一般作者所能企及。每一次翻阅，都能从中汲取到新的养分，仿佛打开了一个通往更广阔知识殿堂的大门。这种层层递进的阅读体验，让我对作者本人产生了由衷的敬佩之情，这绝对是一部值得反复研读的佳作。