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图书标签:

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店铺： 后浪出版公司官方旗舰店

出版社： 北京联合出版公司

ISBN：6201805140026

商品编码：28675668849

品牌：后浪

包装：平装

开本：16开

出版时间：2017-09-01

用纸：胶版纸

正文语种：中文

商品参数

 

内容介绍

镜头的语法(插图修订第2版)

前 言

第壹章 镜头及如何取景

第2章 构图的艺术

第三章 构图进阶

第四章 把镜头放在一起：预想剪辑过程

第五章 动态镜头：运动中的演员和摄影机

第六章 实际操作指南

第七章 总结

重要词汇 

译后记

出版后记

电影语言的语法(插图修订版) 

出版前言
推荐序
原编者的话
序言

作为一种视觉交流系统的电影语言
1.1 电影语言的起源 
1.2 电影创作者的类型
1.3 电影的表现形式
1.4 明确我们的目的

电影平行剪辑的重要性
2.1 两种基本类型 
2.2 动作和反应 
2.3 高峰瞬间和理解力 
2.4 怎样运用平行剪辑 
2.5 一个宽广的前景

基本手段的定义
3.1 新闻电影
3.2 纪录电影 
3.3 故事电影 
3.4 三种类型的场景 
3.5 电影语法诸元素 
3.6 镜头
3.7 运动
3.8 距离 
3.9 剪辑类型 
3.10 视觉分句法 
3.11 场景的匹配 
3.12 对视 
3.13 注意中心的交替

三角形原理
4.1 基本的身体位置 
4.2 关系线 
4.3 头部的重要性 
4.4 三角形原理的五个基本变化 
4.5 构图重点 
4.6 视觉重点的类型 
4.7 三角形原理：一个人

两个演员的对话
5.1 面对面 
5.2 数量对比 
5.3 演员肩并肩 
5.4 演员一前一后 
5.5 注意事项 
5.6 摄影机的距离 
5.7 摄影机和演员的高度
5.8 人物并排躺着 
5.9 电话里交谈 
5.10 相反的对角线 
5.11 半透明的遮板 
5.12 演员在面镜中的反映

三个演员的对话
6.1 常规的情况 
6.2 非常规的情况 
6.3 内／外反拍摄影机位 
6.4 内反拍摄影机位 
6.5 平行摄影机位 
6.6 枢轴 
6.7 注意中心的突出 
6.8 局部突出 
6.9 全部突出 
6.10 “北一南”变为“东一西” 
6.11 只用四个摄影机位 
6.12 引入内反拍镜头 
6.13 使用八个摄影机位 
6.14 采用三种摄影机位的简易方法 
6.15 使用枢轴镜头 
6.16 有意的舍弃 
6.17 小结

四人或更多人的对话场面
7.1 若干简单的情况 
7.2 围桌而坐的人群 
7.3 人群再细分为若干组 
7.4 几何图形 
7.5 几个相对立的区域 
7.6 处理一大群人 
7.7 一个演员面对观众 
7.8 关系线的交叉变化 
7.9 主要演员处于中心的人群 
7.10 作为枢轴的演员

静态对话场面的剪辑形式
8.1 接近与远离形式 
8.2 一场戏如何开始 
8.3 再交代镜头 
8.4 沉默的反应的重要性 
8.5 插入镜头与切出镜头 
8.6 数量对比 
8.7 主镜头的平行剪辑 
8.8 关系线变换轴侧 
8.9 对话之间的顿歇 
8.10 时间的压缩加速 
8.11 对白的节奏

画面动作的特性
9.1 运动的分割
9.2 随着运动变换视点 
9.3 切出镜头的使用 
9.4 中性方向
9.5 用演员表明方向的变换 
9.6 在同一半边画面的对立运动 
9.7 镜头切换的条件 
9.8 切换点 
9.9 在运动中切

运动结束后的剪接

第十一章 画面内的运动
11.1 转身 
11.2 起立
11.3 坐下和躺卧
11.4 行走和奔跑
11.5 穿过门洞
11.6 小结 
11.7 个人爱好

第十二章 入画和出画的动作
12.1 多片段 
12.2 三个片段运动

第十三章 演员A走向演员B
13.1 会聚运动 
13.2 摄影机直角位置 
13.3 反向摄影机角度 
13.4 平行摄影机位 
13.5 共同视轴 
13.6 A越过B

第十四章 用主镜头拍摄画面中的动作

第十五章 不规则的例子
15.1 若干人的视觉间歇 
15.2 省略间歇 
15.3 用相反的摄影机位 
15.4 分散运动 
15.5 一个演员在画面上的某一固定位置 
15.6 两个演员同时运动

第十六章 演员A离开演员B

第十七章 演员们一起运动
17.1 间断运动

第十八章 困难的剪辑情况的解决
18.1 摄影机和静态人物之间的运动 
18.2 第2个镜头开始时的动作 
18.3 在静态演员身后的动作 
18.4 运用90°角的摄影机位 
18.5 两个演员都在运动 
18.6 第壹个镜头中遮住一个运动的人物 
18.7 使用一个强烈的前景动作 
18.8 静态人物的替换 
18.9 重新转移注意力 
18.10 运用非人体的动作 
18.11 拉开帷幕的效果

第十九章 其他类型运动
19.1 环形运动 
19.2 垂直运动 
19.3 强烈的停顿

第2十章 运动镜头的二十条基本规律
20.1 运动和摄影机 
20.2 摄影机运动的基本准则 
20.3 有根据的戏剧动机

第2十一章 摇摄镜头
21.1 全景摇摄 
21.2 追逐场面 
21.3 间歇摇摄 
21.4 环形摇摄 
21.5 快速摇摄 
21.6 用两个方向 
21.7 垂直摇摄 
21.8 倾斜摇摄 
21.9 固定镜头和摇镜头的连接 
21.10 两个连贯的摇镜头的剪接 
21.11 杂耍式的摇镜头

第2十二章 移动摄影
22.1 用连续移动拍摄间歇动作 
22.2 把一个静止镜头和一个移动镜头连接起来 
22.3 摄影机的间歇移动 
22.4 运用轨道两侧的移动 
22.5 蜿蜒路线 
22.6 移动时摇摄 
22.7 摄影机和演员反方向移动 
22.8 单列纵队 
22.9 移动摄影的速度 
22.10 拍摄对象接近移动的摄影机 
22.11 剪辑连贯的移动镜头 
22.12 在一个移动的主镜头中切入静止镜头 
22.13 环形移动

第2十三章 摄影升降机和变焦距镜头
23.1 跟随动作 
23.2 前景道具强调高度 
23.3 把两个或更多的情节要点从视觉上加以结合 
23.4 把动作注入静态情境中 
23.5 以摇摄动作突出情节重点 
23.6 为动作中的剪接提供有力的运动 
23.7 变焦距 
23.8 变焦的速度 
23.9 变焦和摇摄相结合 
23.10 仰俯拍镜头使用变焦距效果 
23.11 摄影机在变焦距时移动 
23.12 穿过前景障碍物变焦

第2十四章 动作性场面
24.1 标准的公式 
24.2 主观视点 
24.3 加强视觉动作的五种方法 
24.4 推向视觉高潮 
24.5 把高潮动作分为若干镜头 
24.6 动作性场面中使用高速和慢动作 

好的，这是一份关于不包含您提到的那套书籍内容的图书简介，重点放在其他相关的电影制作、叙事技巧和视觉传达领域。 --- 电影叙事与视觉构建：从概念到银幕的转化 图书简介 在光影交织的电影艺术中，故事的讲述远不止于文字的堆砌和画面的堆叠。一部引人入胜的作品，需要对叙事节奏、视觉语言和情感传达进行精妙的掌控。本书旨在为电影制作人、编剧、剪辑师以及所有对视觉叙事怀有热忱的创作者提供一套系统而深入的理论框架与实践指南，聚焦于如何在创作的各个环节中构建一个完整、有力的电影世界。 第一部分：叙事架构与剧本的骨架 电影的灵魂在于其故事结构。本部分深入探讨经典叙事理论，如英雄之旅、三幕结构、以及当代叙事中的碎片化和非线性叙事手法。我们不探讨具体的剪辑语法，而是着重于如何将故事的“骨架”搭建得坚实可靠。 1. 故事的内在逻辑与驱动力： 角色动机的深度挖掘，冲突的层层递进，以及如何设计高潮和转折点，确保故事的内在逻辑能够自然地牵引观众的情绪。我们会分析不同类型片（如惊悚片、剧情片、科幻片）在基础结构上的差异与共性。 2. 场景设计与功能性： 每个场景都必须服务于整体叙事。本章细致剖析场景的功能——是推进情节、揭示人物性格，还是烘托氛围？我们将通过大量案例研究，展示如何通过场景的布局和信息的精准投放，来构建悬念和预期。 3. 剧本语言的张力： 优秀的剧本不仅是对话的集合，更是行动的蓝图。我们将探讨如何用简洁、有力的动作描述来代替冗余的对白，让画面本身成为叙事的主体。 第二部分：视觉语言的构建：构图、光影与空间 电影是一门视觉的艺术。本部分将带领读者超越单纯的技术参数，进入到如何利用视觉元素来表达主题和情感的深层领域。 1. 视觉的符号学与心理学： 探讨色彩、线条、形状在不同文化语境下的潜在含义。我们将分析导演如何利用特定的色彩调性（如冷色调的疏离感或暖色调的亲密感）来潜移默化地影响观众的情绪认知，而非仅仅停留在“好看”的层面。 2. 空间感的营造与控制： 镜头与场域的关系至关重要。本书详述如何通过广角镜头拉伸空间感，或使用长焦镜头压缩景深，以达到特定的心理效果。重点在于理解“空间”在电影中不仅是背景，更是角色的延伸和情感的容器。 3. 光影的戏剧性运用： 光线是塑造画面的核心要素。我们将深入研究自然光、人工光的特性，特别是伦勃朗光、蝴蝶光、逆光等经典布光模式在叙事中的作用。如何利用高反差的光影来凸显人物的内心挣扎，是本章的重点探讨方向。 第三部分：节奏的掌控与叙事的流动性 节奏是电影的脉搏，它决定了观众体验的舒适度与刺激性。本部分关注的是如何通过场面调度和时间感的设计来调节观众的呼吸。 1. 场面调度与群戏的编排： 在一个固定的镜头框架内，如何安排演员的走位、动作和焦点转移，以引导观众的视线流向，并同步传达多重信息。这要求创作者对演员调度有极强的预见性和控制力。 2. 叙事时间与感知时间的张力： 电影中的时间是主观的。通过慢镜头（拉长瞬间）或快速蒙太奇（压缩历史），导演可以操纵观众对时间流逝的感知。本书将分析在不同叙事情境下，如何精确地选择时间处理的手法以最大化情感冲击力。 3. 声音设计在节奏中的隐形作用： 声音并非仅仅是画面的附属品。环境音、拟音和音乐的介入点，极大地影响着画面的节奏感。我们将探讨如何利用声音的“缺失”或“突兀”来制造紧张或释放压力，从而建立起一种更立体的叙事节奏感。 第四部分：风格的确立与导演意图的表达 一个成熟的导演必须拥有清晰的个人风格，这种风格是技术运用与哲学思考的统一。 1. 视听语言的统一性： 如何确保你在剧本、布景、摄影选择和后期处理上所做的每一个决定，都指向同一个核心主题和导演意图？本书强调风格的连贯性，避免技术炫技对故事表达的干扰。 2. 对经典的反思与创新： 电影史是不断对话和反叛的过程。本章鼓励读者在学习经典手法的同时，批判性地思考现有范式，并尝试在构图、运动和叙事结构上找到属于自己的独特表达方式。 3. 观众的代入感与共情机制： 最终，电影是关于连接。如何设计镜头语言，让观众感觉自己不是在“观看”故事，而是“置身”于故事之中？这涉及对主观镜头、过肩镜头以及景深运用的深层理解。 本书旨在提供一个广阔的视野，让学习者明白，无论是选择固定长镜头还是快速剪辑，所有技术选择的最终落脚点，永远是清晰、有力地传达故事的核心信息与情感共鸣。它提供的是构建电影世界观的底层逻辑，而非单纯的工具书手册。

评分☆☆☆☆☆

这本书的后半部分，关于“电影语言的语法”的探讨，显示出了作者极高的格局和视野。它不再局限于单个镜头的技术实现，而是将焦点拉高到整体叙事结构和观众体验的层面。作者对“信息密度”和“情感留白”的权衡分析，极具启发性。我感觉自己通过阅读，学会了一种新的观察世界的方式——不再是单纯地看一部电影，而是开始像一个“解构者”一样去拆解导演的每一个决策背后的意图。这种能力的提升，对于任何想从事影像创作的人来说，都是无价的。这本书与其说是一本技术手册，不如说是一本帮助创作者建立成熟电影观的“内功心法”。

评分☆☆☆☆☆

坦率地说，我购买这本书原本是抱着试试看的心态，因为市面上关于剪辑技巧的书籍多如牛毛，真正有价值的凤毛麟角。但这本书在“镜头语法”部分的阐述，彻底颠覆了我的固有认知。它没有陷入传统运镜方式的窠臼，而是强调了情境驱动下的镜头选择。比如，它对“主观镜头”在不同情绪下的微妙变化，以及如何通过景深来控制观众的注意力焦点，做了非常细致的对比说明。我尤其喜欢其中关于“节奏的物理学”那一部分论述，它把时间流逝的主观感受与剪辑点的精确计算关联起来，这种跨学科的思维碰撞，让原本枯燥的数学计算瞬间变得充满艺术张力，感觉自己像是在阅读一本高级的作曲手册。

评分☆☆☆☆☆

这本书的内容结构简直是教科书级别的典范，逻辑链条设置得极其严密，从基础的“语法”概念引入，到具体的“镜头”实践，再到宏观的“电影语言”运用，层层递进，毫不拖沓。我特别留意了它讲解复杂剪辑原理时的叙述方式，作者似乎非常擅长将抽象的理论转化为读者易于理解的口语化表达，但同时又保持了足够的专业深度。读完前几章，我感觉自己对蒙太奇的理解上升到了一个新的维度，不再是停留在简单的“画面A接画面B”这种肤浅认知，而是开始思考每个转场背后蕴含的情感驱动和叙事意图。这种由浅入深、由点及面的编排方式，极大地节省了我的摸索时间，让我能够快速掌握电影制作的核心思维模式。

评分☆☆☆☆☆

市面上很多电影理论书籍都倾向于堆砌晦涩难懂的专业术语，读起来非常枯燥，但这本让我感受到了完全不同的体验。它在讲解过程中穿插了大量非常贴合当下电影趋势的实例分析，那些例子都选取得极有代表性，几乎都能立刻在脑海中构建出那个画面。更难得的是，作者在分析这些案例时，不仅仅是简单地描述“这里用了推轨镜头”或者“那里做了跳切”，而是深入剖析了运用这些技巧时导演想要达成的具体心理效果，这种“知其然更知其所以然”的讲解方式，真正培养了读者的鉴赏力和创作敏感度。感觉作者真的是一位经验丰富的实战派导师，用最接地气的方式传授最核心的诀窍。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版简直是视觉享受，每一个章节的标题设计都充满了设计感，用色和字体选择都非常考究，让人在阅读的过程中心情非常愉悦。虽然内容本身已经足够干货满满，但这种精心打磨过的视觉呈现，真的让学习过程变成了一种享受。特别是那些理论概念的图示和案例分析的截图，清晰度极高，即使是初学者也能迅速捕捉到重点。我个人特别欣赏它在章节过渡时采用的那种柔和的色彩渐变，非常符合电影叙事的节奏感，从视觉上就开始引导读者进入“语法”的学习状态。这本书的纸质感和装帧质量也让人爱不释手，拿在手里沉甸甸的，一看就知道是下了成本的用心之作，完全符合它“后浪”出版的定位，让人觉得物超所值。