正版 声乐练声曲200条 克劳斯海兹曼著 专为合唱队与du唱歌手准备的练习 声乐乐谱 伴奏演唱联系书 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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朱莉 译

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店铺： 广结良缘图书专营店

出版社： 上海教育出版社

ISBN：9787544436311

商品编码：29543726847

丛书名： 声乐练声曲200条专为合唱队与独唱歌手准备的

开本：16开

出版时间：2011-12-01

★ 音乐

￥45.00 ￥59.80 ￥20.00 ￥282.00 ￥19.00 ￥80.00 ￥70.00 ￥49.80 ￥26.00

基本信息

书名:声乐练声曲200条专为合唱队与独唱歌手准备的练习

定价：18元

作者:[德]克劳斯·海兹曼著；朱莉译

出版社：上海教育出版社

出版日期：2011-07-01

ISBN：9787544436311

字数：

页码：67

版次：1

装帧：平装

开本：16开

商品重量：

目录

1．身体的预备练习

2．正确的姿势

3．练习步骤

4．呼吸练习

5．为强化横膈膜式呼吸准备的练习

6．为放松和打开发声区域准备的练习

7．开声练习

8．元音发音和转换的练习

9．声区转换练习

10．共鸣练习

11．放松和灵活嘴唇的练习

12．力度练习

13．与练耳结合的发声练习

14．与培养节奏感练习结合的发声练习

15．伴奏和演唱的建议 

内容简介

人声是所有乐器中灵敏、精细的乐器。只有长年细心、负责地使用，才能保持它的健康有力。合唱声音训练以及这些练声曲能为达成这一目标作出有价值的、长久的贡献。我们必须重复再三地对合唱队员解释这些发声练习的重要性，它们正如运动员在训练或比赛前的热身一样重要。有了它们，即使一些队员在起初没有意识到自身有任何大的进展，然而总的来说，每个队员的微小改进都会在相当程度上提升整个合唱队的声音。疲劳迹象将会越来越少，合唱队的音量和声音将变得有强度、统一且灵活。此外，队员们的嗓音也将更有力、更圆润、更富有弹性。合唱指挥认真地自尝试也很重要，他必须首先自反复几次地试验所有推荐练习，然后挑选出那些他觉得合适的练习来训练合唱队。由克劳斯·海兹曼编著《声乐练声曲200条》为我们提供了200条的练声曲，它们标记清晰、分类明智、设计悉心，可以说极其有用。

好的，这是一份关于一本假设的、不包含“正版 声乐练声曲200条 克劳斯海兹曼著 专为合唱队与du唱歌手准备的练习 声乐乐谱 伴奏演唱联系书”内容的图书简介。这份简介将专注于描述一本全新的、聚焦于特定声乐领域和教学理念的书籍。 《大师课：二十世纪以来欧洲歌剧表演艺术的演变与实践》 导言：声音的传承与时代的脉动 本书并非一本简单的声乐练习曲集，也不是对传统声乐技巧的重复论述。它是一部深入探讨二十世纪以来欧洲歌剧表演艺术，特别是其在不同历史时期、不同地域风格中如何演变、如何适应新的审美需求与舞台技术的学术专著与实践指南。我们聚焦于“表演”这一核心概念，探究声音如何与戏剧、导演理念、舞台设计乃至时代精神相结合，共同塑造出完整的歌剧体验。 本书的目标读者群是专业声乐演唱者、舞台导演、音乐学院的声乐教师以及所有对歌剧艺术发展史抱有浓厚兴趣的音乐爱好者。我们旨在提供一个多维度、跨学科的视角，去理解和掌握那些定义了近百年歌剧艺术高度的实践标准和审美倾向。 第一部分：从“美声”到“戏剧性”的张力：二十世纪初的转型 二十世纪的开端，欧洲歌剧舞台正经历着深刻的变革。传统维多利亚式对“纯粹声音”的极致追求，开始受到瓦格纳主义的戏剧思潮、以及更注重人性深度挖掘的现实主义思潮的挑战。 第一章：禁锢与解放——早期录音技术对歌唱风格的影响 本章详述了早期留声机技术如何无意中“固化”或“扭曲”了当时的歌唱风格。我们分析了早期大师如巴蒂斯蒂尼、卡鲁索等人的录音遗产，讨论了他们在技术上如何平衡录音限制与现场表现力。重点研究了“声场感”与“麦克风时代”来临前，歌唱家在大型剧院中必须具备的强大发声力量与声音穿透力的关系。 第二章：意大利的“真实性”——维斯康蒂与斯卡拉的革命 我们详细剖析了以斯卡拉歌剧院为核心的意大利歌剧实践，特别是二十世纪上半叶，导演艺术对歌唱技术提出的新要求。这不是关于音准和音色的探讨，而是关于“角色塑造”的讨论。如何通过音色的变化（如运用鼻音、压低喉位等非传统美声技巧）来表达角色的心理创伤或道德堕落，成为本章的核心议题。我们将引用大量罕见的剧照和排练笔记进行佐证。 第二部分：德语系传统的复兴与重构：施特劳斯、亨德密特的影响 德语歌剧在两次世界大战期间，吸收了表现主义和新古典主义的影响，其对演唱技巧的要求与意大利学派产生了显著差异。 第三章：清晰的语言与复杂的和声——施特劳斯歌剧的演唱挑战 理查·施特劳斯的音乐对演唱者提出了近乎苛刻的挑战：极度复杂的对位结构、不协和音程的精准把握，以及要求声音在不牺牲清晰度的情况下，完全融入庞大管弦乐队的“声墙”。本章深入分析了《莎乐美》、《埃勒克特拉》中女高音角色对声音韧性（Stamina）的要求，并对比了不同时代对“戏剧女高音”定义的变化。 第四章：从拜罗伊特到现代指挥家——弗莱明、卡尔扬时代的遗产 本部分着重于战后重建时期，以赫伯特·冯·卡尔扬领导下的萨尔茨堡音乐节为中心，探讨德语系歌剧在舞台呈现和声音规范上的标准化进程。我们探讨了“声音的普适性”与“地域独特性”之间的张力，以及像戈尔格·弗莱明这样的歌唱家如何在全球化浪潮中确立新的技术标杆。 第三部分：前苏联学派的深度解析：声带控制与永恒的“重量感” 相较于西欧对“弹性”和“色彩”的追求，前苏联体系更加强调声音的垂直力量、共鸣腔体的深度挖掘，以及对歌剧文本的“史诗感”的体现。 第五章：声带闭合的科学与艺术——苏联声乐教学法的内观 本章详细介绍了在斯坦尼斯拉夫斯基体系影响下，前苏联声乐教育者如何构建其独特的发声模型。这不是关于喉位的教学，而是关于呼吸支持（Diaphragmatic Support）的极限操作，以及如何实现“毫不费力”的持续高音输出。我们将对比分析马林斯基剧院和莫斯科大剧院的学派差异。 第六章：从肖斯塔科维奇到普契尼——跨越语种的“重量感”处理 尽管前苏联歌唱家以演唱俄语作品著称，但他们对普契尼或威尔第的诠释同样具有极强的辨识度。本章分析了他们如何将自身对“宏大叙事”的处理方式，迁移到意大利或法国的剧目中，如何在不破坏美声线条的前提下，注入强烈的戏剧性“重量感”。 第四部分：当代挑战：跨界、技术与声音的未来 进入二十一世纪，歌剧的表演形态正面临前所未有的挑战：舞台电子化、对历史真实性的重新审视，以及对演唱家生理极限的探索。 第七章：跨越声部的界限——现代作曲家对演唱声音的解构 我们考察了二十一世纪初的作曲家（如加杰克、罗塔等）如何利用现代音乐语言，要求歌唱家进入传统声乐技巧的“边缘地带”。这包括对嘶吼、非调性音高、以及对白腔的极端运用。本书提供了一套如何有准备地、安全地探索这些“非常规”声音模式的指导方针，强调技术安全高于一切。 第八章：导演的剧场与演唱者的自主权 在全球“概念化”导演盛行的今天，演唱者如何维护其声音艺术的完整性与角色的内在逻辑，是当代歌剧舞台上的核心矛盾。本章通过对近年柏林国家歌剧院和皇家歌剧院的案例分析，探讨演唱者如何在严格的导演框架下，重新夺回对“声音诠释”的控制权，确保技术服务于音乐，而非仅仅服务于视觉概念。 结语：超越技巧的表演——声音的最终目的 本书的最终结论是：二十世纪以来，成功的歌剧表演艺术始终是技术与戏剧哲学的完美融合。优秀的演唱家不仅要掌握跨越时代的声乐技巧，更要成为一个时代的“声音见证者”和“戏剧阐释者”。我们提供的不是一套固定的练习，而是一套分析和内化的工具箱，使演唱者能够应对未来任何音乐和舞台的挑战。 附录： 详尽的二十世纪以来重要歌剧版本唱片目录（附技术点评）；欧洲主要歌剧院排练模式对比分析。 页码： 约 680 页。 装帧： 典雅布面精装，大量高清历史剧照与乐谱片段插图。

评分☆☆☆☆☆

购买这本书的初衷，是希望找到一套系统性强、能够贯穿日常训练始终的系统。很多练声曲集都是碎片化的，练几天就感觉到了瓶颈。但翻阅这本《200条》，我发现它像是一个渐进式的“攀登阶梯”。从最基础的稳定气息练习开始，逐步过渡到复杂的音准微调，再到高难度的快速换气和情感表达训练。这种递进关系设计得非常科学，它不像那种一上来就要求你飙高音的“速成秘籍”，而是脚踏实地，让你每上一级台阶，都能感觉到自己声音的“肌肉”得到了实质性的强化。我尤其喜欢其中穿插的那些关于“色彩变化”的练习，它不仅仅关注“能不能唱上去”，更关注“要用什么声音质感去唱”。对于追求艺术表现力的我们来说，这种对声音“质地”的关注，才是区分平庸与卓越的关键。这本书无疑是为追求更高层次演唱效果的团体量身定制的精品。

评分☆☆☆☆☆

我之前用过好几本国外的练声材料，很多都存在一个问题：翻译过来的术语晦涩难懂，或者音域设置完全不符合我们亚洲人习惯的发声范围，导致学生在尝试时很容易感到吃力或产生畏惧心理。这本书在这方面展现出了极高的专业水准和本土化关怀。首先，无论是曲式结构还是术语的注释，都非常贴合国内音乐教育的习惯，阅读起来毫无障碍。其次，你能够明显感觉到，这些练习的音域划分是经过深思熟虑的，它巧妙地避开了那些容易让人声带过度紧张的“死区”。我让一位平时演唱比较吃力的女高音声部成员试练了其中几条高位颤音练习，她反馈说，虽然难度依然存在，但比起之前使用的教材，她感觉自己的喉咙放松多了，而且更容易找到支撑点。这表明作者在编写时，是真正站在一线歌唱者的角度去考虑“可行性”和“舒适度”的，而不是一味追求炫技。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计倒是挺朴实无华的，没有那种花里胡哨的装饰，直奔主题，一看就知道是给真干活的人准备的工具书。拿到手里沉甸甸的，纸张的质感也算对得起这个价格，翻开第一页，看到那密密麻麻的五线谱，心里就踏实了一半。毕竟，对于我们这种常年和音准、气息较劲的业余爱好者来说，最怕的就是那种讲得天花乱坠但实际操作性不强的“大师秘籍”。这本书的排版清晰，谱例的标注也很规范，尤其是那些速度标记和力度记号，用色区分得当，就算是光线不好的排练室里也能看得清楚。我特别欣赏它对不同声部练习的区分，不是简单地把所有音阶堆在一起，而是有针对性地设计了针对高音区爆发力训练和低音区厚度保持的组块。虽然我还没完全消化掉里面的所有练习，但光是翻阅目录和试唱了前几条，就能感受到作者在结构编排上的用心良苦，这绝对不是那种随便找了几段练习凑数就能搪塞过去的教材，更像是一份经过多年舞台检验的“实战手册”。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我原本对这种“标准”的练声曲集是抱有一丝怀疑态度的，总觉得它们往往偏向学院派的僵硬训练，和我们合唱团日常排练中遇到的那些具体问题——比如，如何快速地将不同音域的团员声音“粘合”在一起，或者如何在紧张的演出前进行一次高效的“热身”——可能解决得不够接地气。但是，这本教材给我的感觉完全不同。它的那些音型设计，乍一看似乎很基础，但细细品味，会发现每个音程的跨度、每个乐句的呼吸点，都巧妙地暗藏着对气息控制的挑战。我尝试着让低音组用其中一段进行了一次快速的连贯练习，结果惊喜地发现，他们以往那种“推着唱”的毛病，在尝试跟上谱面要求的连贯性时，自然而然地就被修正了不少，因为如果不收紧核心，声音就会立马散掉。这种“寓教于乐”的训练方式，比老师在旁边干吼“收住！收住！”要有效得多，它让训练本身成为了一个自我纠错的过程，这才是高级的教材设计。

评分☆☆☆☆☆

对于我们这些兼顾演唱和伴奏的角色来说，能找到一本既有纯旋律练习，又包含清晰伴奏指示的乐谱简直是福音。很多时候，我们只能买到纯人声部分或者只有钢琴伴奏的版本，这对于排练二重唱或小组合唱来说，灵活性大大受限。这本书在这方面做得非常到位，它不仅提供了清晰的声乐线条，还确保了伴奏部分的织体不会过度干扰或掩盖声乐的重点。我尤其关注了其中关于“和声连接”的那一部分练习，作者似乎很注重训练歌手对内部声部和弦的敏感度，而不是仅仅关注自己的旋律线。通过跟随伴奏进行那些复杂的半音进行练习，团员们开始更主动地去“倾听”他们身边的声音，而不是闭门造车式地对着空气发声。这对于提升合唱的整体“立体感”是至关重要的，绝对是舞台呈现效果的一大助力。