影视动画造型基础(普通高等教育十一五规划教材) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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丁海祥，姚桂萍 著

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• 绘画
• 素描

店铺： 北京爱读者图书专营店

出版社： 高等教育出版社

ISBN：9787040317008

商品编码：29595391893

包装：平装

出版时间：2011-05-01

基本信息

书名：影视动画造型基础(普通高等教育十一五规划教材)

定价：21.60元

作者：丁海祥, 姚桂萍

出版社：高等教育出版社

出版日期：2011-05-01

ISBN：9787040317008

字数：130000

页码：

版次：5

装帧：平装

开本：16开

商品重量：0.241kg

编辑推荐

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　　本书系统地讲解了动画角色设计过程中可能遇到的方方面面的问题和可以采用的工作方法，读者可以通过它了解角色设计的全貌——虽然我们在屏幕上看到的动画片非常有趣，但动画角色设计工作本身纷繁复杂，需要将艺术与技术相结合，需要具备信心与耐心。本书是一本动画角色设计的入门读物，它不仅适合动画前期创作人员阅读，更是一本介绍动画设计常识的普及读物。

内容提要

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　　本书是普通高等教育“十一五”*规划教材。本书详述影视动画角色设计过程，介绍动画角色设计人员应该具备的能力和素养，通过典型实例解析设计过程中角色、场景、剧本、策划方面的基本常识和方法。主要内容包括：角色设计的常识和基本理论、角色设计的各种风格和这些风格各自的特征、角色设计的流程、人物形象设计的要素、基础造型、角色设计的标准格式和绘制方法。本书结合了大量实例，能帮助读者形象地了解影视动画角色设计过程，对实际操作具有很强的指导意义。《影视动画造型基础》可作为应用性、技能型人才培养的各类教育“影视动画造型”课程的教学用书，也可供影视动画造型设计从业人员和爱好者参考使用。

目录

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章 概论 1.1 动画的人物与人物的动画 1.2 角色定位与产业运作 1.3 设计依据 1.4 角色构成 思考与练习第2章 艺术风格 2.1 各类动画片的艺术风格 2.2 拟人化造型 2.3 写意类造型 思考与练习第3章 角色设计流程 3.1 收集素材 3.2 角色头部设计 3.3 角色身体设计 3.4 角色手脚设计 3.5 动植物角色设计 思考与练习第4章 角色设定 4.1 服装 4.2 色彩 4.3 性格 4.4 道具 4.5 角色互动 4.6 角色与环境的搭配 思考与练习第5章 基础造型 5.1 剪影 5.2 以线条为主 5.3 夸张变形 思考与练习第6章 标准图纸 6.1 三视图 6.2 转面 6.3 表情 6.4 动作 6.5 道具 6.6 比例图 6.7 气氛图 思考与练习参考文献后记

作者介绍

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文摘

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序言

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影视动画造型基础：从概念到视觉的构建之旅 本书旨在为致力于投身影视动画领域的读者提供一套全面而系统的造型基础理论与实践指导。我们将深入探索动画造型的本质，剖析其在叙事、情感表达以及构建引人入胜的视觉世界中所扮演的关键角色。本书并非对具体动画制作流程的流水账式罗列，而是聚焦于造型艺术的核心，引导读者掌握理解、分析和创造各类动画角色的能力，从而为他们日后的创作打下坚实根基。 第一章：动画造型的语言：形态、比例与解剖的基石 动画造型的魅力，很大程度上源于其对形态的精确把握。本章将从最基础的几何形体入手，引导读者理解如何将抽象的几何概念转化为生动具象的动画角色。我们将详细阐述点、线、面、体在角色设计中的应用，以及它们如何组合、变形，从而赋予角色独特的个性与生命力。 形态的语言： 几何基础： 圆形代表的柔和、亲和，方形代表的稳定、坚固，三角形代表的动感、尖锐，这些基础几何体不仅是造型的出发点，更是传达角色性格、气质的视觉符号。我们将通过大量实例分析，展示如何将简单的几何体进行组合、切割、拉伸、压缩，以创造出千变万化的角色轮廓。 有机形态与抽象形态： 除了几何形态，自然界中的有机形态（如植物、动物、人体）也是动画造型的重要灵感来源。我们将探讨如何从自然形态中提取元素，进行提炼、夸张和变形，以创造出更具表现力的角色。同时，本书也会涉及抽象形态在动画造型中的运用，以及如何通过非写实的造型来传达特定的情感或概念。 轮廓线的力量： 轮廓线是角色造型最直接的视觉信息。我们将深入研究不同粗细、弯曲度、节奏感的轮廓线所传达的不同情绪和风格，以及如何通过轮廓线来强调角色的动作和动态。 比例的智慧： 经典比例法则： 比例是造型艺术的灵魂。本章将回顾人体造型的经典比例法则，如“黄金分割”、“头身比”等，并探讨这些法则如何在动画设计中被继承、打破与创新。我们会分析不同风格的动画中，角色比例的夸张与变形如何服务于叙事和风格化。 风格化比例的应用： 从写实到Q版，从卡通到漫画，不同的动画风格对角色比例有着截然不同的要求。我们将通过对比分析，揭示不同比例设定如何影响角色的年龄感、力量感、可爱度以及整体的视觉冲击力。例如，如何通过拉长四肢和躯干来塑造高挑、优雅的角色，或者通过放大头部和缩小身体来营造孩童的可爱与稚气。 情绪与比例的关联： 角色比例的变化不仅仅是视觉上的调整，更是情感表达的工具。例如，低垂的肩膀、弯曲的身体比例可以传递沮丧和疲惫，而挺拔的身姿、舒展的四肢则能彰显自信与活力。 解剖学的维度： 基础骨骼与肌肉结构： 即使在高度风格化的动画中，对基本骨骼和肌肉结构的理解也是至关重要的。本章将简要介绍人体（或其他生物）的基本骨骼和主要肌肉群，以及它们如何影响身体的形态和运动。这不是为了培养读者成为解剖学专家，而是为了让他们在进行造型设计时，能够做出合乎逻辑且富有表现力的形态选择。 动态的骨骼： 我们将重点讲解骨骼在不同动态下的变化，例如，当身体弯曲、扭转、伸展时，各个部位的比例和形态会发生怎样的改变。理解这些变化，是创造出流畅、自然、富有生命力的动画角色的关键。 肌肉的表现力： 肌肉的隆起、收缩、舒展，不仅赋予角色力量感，更是其情绪和状态的直观体现。我们将学习如何根据角色的性格和所处情境，巧妙地表现肌肉的动态，即使是简单的线条，也能传递出强大的张力。 第二章：情绪的画布：表情、肢体语言与角色性格的注入 动画角色的魅力，往往超越了其静态的造型，更多地体现在其鲜活的“表演”中。本章将深入探讨如何通过表情和肢体语言，将冰冷的模型转化为拥有丰富情感和独特性格的生命体。 表情的百态： 面部结构的解析： 面部是表情传递的核心。我们将从眉毛、眼睛、鼻子、嘴巴这四大表情要素入手，详细解析它们在不同情绪下的细微变化。例如，眉毛的抬起、下压、内聚，眼睛的睁大、眯起、瞳孔的变化，嘴唇的张合、嘴角的变化，以及它们组合起来所能表达的喜怒哀乐、惊恐、疑惑等各种情绪。 情绪与面部特征的对应： 本章将系统梳理不同情绪与面部特征的对应关系，并通过大量速写和案例分析，帮助读者掌握如何用最简洁、最具表现力的笔触来捕捉角色的情感瞬间。我们将探讨如何夸张某些面部特征以强化情绪表达，如何通过微妙的细节点缀来丰富角色的内心世界。 微表情的奥秘： 除了明显的情绪表达，微表情在传达角色的潜意识、内心冲突等方面具有重要作用。我们将学习如何捕捉和表现那些转瞬即逝的细微表情，从而为角色增添更多层次感和真实感。 肢体语言的叙事： 身体姿态的含义： 身体的姿态是角色的“无声语言”。站姿、坐姿、行走姿态，甚至简单的站立，都蕴含着丰富的性格信息。我们将学习如何通过不同的姿态来表现角色的自信、怯懦、疲惫、警惕、放松等状态。 动作的节奏与力度： 动作的节奏和力度是肢体语言的重要组成部分。快节奏、强力度的动作往往传递出冲动、愤怒或兴奋，而慢节奏、柔和的动作则可能意味着犹豫、悲伤或宁静。我们将分析如何在造型设计中预设角色的动作倾向，以及如何通过姿势来预示或表现其即将进行的动作。 手势与细节的表现： 手是极其富有表现力的身体部位。手势的细微变化，例如握拳、摊开、指向，都能传递出丰富的含义。我们将探讨如何通过对手部细节的设计和描绘，来丰富角色的性格和情感表达。 性格的具象化： 性格与造型的统一： 动画角色的造型设计，最终是为了服务于其性格的塑造。本章将强调性格分析在造型设计中的核心地位。我们将引导读者在设计之初，深入理解角色的背景、动机、经历，并思考这些因素如何体现在其外形、比例、表情和肢体语言上。 反差与对比： 通过造型上的反差与对比，可以创造出更具记忆点和戏剧性的角色。例如，一个外表凶悍但内心善良的角色，或者一个看似柔弱但拥有强大内心力量的角色。我们将学习如何运用造型上的反差来深化角色的复杂性。 风格化的表达： 不同的动画风格，有着不同的性格表现方式。例如，写实风格注重细节的真实还原，而卡通风格则可以通过夸张和变形来强化性格特征。我们将探讨如何根据作品的整体风格，选择最合适的性格表现手法。 第三章：世界的构建：环境、道具与氛围的烘托 动画造型并非孤立存在，它融入在特定的环境、道具和整体氛围之中。本章将探讨如何通过造型的相互作用，构建出一个真实可信、充满魅力的动画世界，并让角色与环境产生有机的联系。 环境的语言： 场景与角色的关系： 场景不仅是角色活动的场所，更是烘托角色性格、烘托故事氛围的重要元素。我们将分析不同类型的场景（如自然风光、城市街景、室内空间）如何通过其色彩、光影、材质、构图来影响角色的视觉呈现，以及如何通过场景设计来暗示或映衬角色的内心世界。 风格化的环境设计： 无论是写实还是幻想，环境设计都应与其动画风格相统一。我们将探讨如何通过场景的造型、色彩、细节来强化作品的整体风格，例如，如何通过线条的硬朗和建筑的棱角来营造科技感，或者通过柔和的色彩和曲折的线条来营造梦幻感。 细节的力量： 场景中的每一个小细节，如散落的物品、墙壁上的涂鸦、植物的生长状态，都能为角色和故事增添真实感和深度。我们将学习如何通过对环境细节的精心设计，来丰富观众对角色的感知。 道具的意义： 道具与角色身份的关联： 角色所使用的道具，往往是其身份、职业、个性和经历的延伸。我们将分析如何通过道具的设计来强化角色的视觉形象，例如，一位魔法师的法杖、一位侦探的放大镜、一位艺术家手中的画笔。 道具的象征意义： 许多道具不仅仅是功能性的，还承载着象征意义。一把古老的钥匙可能象征着秘密，一朵枯萎的花可能象征着失去。我们将学习如何通过道具的造型、材质、使用方式来赋予其更深层次的含义。 道具的互动性： 道具与角色的互动，是展现角色能力和性格的重要方式。我们将探讨如何设计具有互动性的道具，以及如何在造型上表现道具与角色在力量、速度、技巧上的相互作用。 氛围的营造： 色彩与光影的魔力： 色彩和光影是营造动画氛围最直接的手段。本章将深入研究色彩理论在动画造型中的应用，例如，冷暖色调对情绪的影响，饱和度和明度在塑造空间感和情感基调上的作用。同时，我们将分析光影的明暗、方向、柔硬如何影响画面的质感、立体感以及故事的情绪。 造型与风格的呼应： 动画的整体风格，决定了造型设计的基础语言。我们将探讨不同风格（如赛璐珞、三维CG、水墨风格）在造型元素、表现手法上的差异，以及如何通过统一的造型风格来强化作品的艺术魅力。 情感的共鸣： 最终，造型的目的是为了与观众产生情感共鸣。通过对形态、比例、表情、肢体、环境、道具等各方面的综合运用，我们希望能帮助读者掌握创造出能够触动人心、引发思考的动画角色的能力。 本书的每一章节都将贯穿理论与实践的结合，通过丰富的案例分析、经典的造型范例以及适时的练习指导，引导读者循序渐进地掌握动画造型的精髓。我们期望本书能成为每一位有志于动画造型创作的读者，在探索无限创意世界的道路上，最值得信赖的伙伴。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我购买这本书是抱着“死马当活马医”的心态。我之前学过几本关于CG建模的教材，那些书往往上来就讲软件操作流程，学完后感觉自己像个熟练的“打字员”，而不是一个有思考的造型师。造型的灵魂在于对形态的理解和驾驭，而这恰恰是软件教不出来的。我翻阅了这本教材的章节标题，注意到有关于“材质表现与角色情感的内在联系”的探讨，这正是我最感兴趣的部分。因为在动画制作中，角色的皮肤、服装的褶皱，乃至道具的磨损，都是在无声地讲述故事。我非常期待书中能有详细的案例分析，展示如何通过材质的视觉语言来深化人物的背景和心理状态。如果书中能有一章专门探讨如何处理“虚实”——即哪些部分需要精细雕琢，哪些部分可以大胆概括——那么这本书的实战价值将大大提升。我关注的重点始终是如何将抽象的情绪转化为具体的、可被观众感知的视觉符号。

评分☆☆☆☆☆

我关注的重点是这本书的“前瞻性”和“兼容性”。在影视动画领域，技术迭代速度非常快，如果一本教材的内容过于依赖某一种特定的软件版本或单一的制作流程，很快就会过时。我希望这本《影视动画造型基础》更多地聚焦于那些跨越技术代沟的、永恒的设计原则——比如造型的“韵律感”和“节奏感”，以及如何构建一个自洽且具有辨识度的视觉世界。我特别希望看到作者如何探讨“风格化”与“普适性”之间的关系。一个成功的造型，既要符合其特定的艺术风格，又要能被全球的观众群体所理解和接受。如果书中能包含一些关于文化符号在造型转换中的处理策略，或者对未来VR/AR等新载体对角色造型可能带来的冲击的探讨，那就更好了。这本书的价值，在我看来，不应该只停留在教人“如何做”，更应该在于启发我们“为什么要这么做”，并引导我们思考未来的创作方向。

评分☆☆☆☆☆

作为一名对传统雕塑和现代数字艺术都有涉猎的爱好者，我关注的重点在于基础的“形体思维”。很多现代动画造型师过于依赖软件强大的修改能力而忽略了手绘阶段对造型的精确把握。我非常好奇这本教材是如何处理“从二维到三维”的思维转换过程的。我希望它能提供一套严谨的、可遵循的训练体系，帮助读者建立起在三维空间中进行推敲和调整的能力，而不是仅仅依赖于建模软件的视图切换。特别是关于“动态造型”的部分，如果能结合运动学原理，解释在高速运动中造型的“形变”规律，那绝对是加分项。我期待看到一些关于如何通过调整角色的重心、比例和姿态，来表现出力量感、脆弱感或漂浮感的深入剖析。如果这本书能像一位经验丰富的导师那样，在关键的技术点上给出清晰的指导和反面案例的警示，那么它就称得上是一本优秀的入门与进阶兼备的宝典了。

评分☆☆☆☆☆

我对艺术设计类的教材通常抱有一种既期待又警惕的心态。期待是因为它们理论上能系统地构建知识体系，警惕则是因为很多教材为了追求“全面”而变得面面俱到，结果是关键信息被稀释了。这本《影视动画造型基础》给我的第一印象是内容组织非常紧凑。我翻阅了一下关于“解剖学在卡通角色设计中的应用”那几页，感觉作者没有像某些教材那样生硬地堆砌骨骼肌肉图谱，而是巧妙地将结构简化，强调了“可塑性”和“夸张度”的平衡点。这非常重要，因为动画造型最忌讳的就是过于写实而失去了表现力。我更欣赏的是它对于“设计感”的强调，比如如何通过线条的粗细、曲率来暗示角色的性格和情绪。如果这本书能提供一些不同风格（比如皮克斯式的圆润、日式动画的锐利）的造型语言对比分析，那就太棒了。我更倾向于那种能够启发我“为什么这么设计”而不是“怎么画出来”的书籍，希望它能在这方面给我带来实质性的启发和新的视角。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计确实很吸引人，那种略带复古又充满现代感的排版，一下子就抓住了我的眼球。我一直对电影和动画的幕后制作过程充满好奇，尤其是角色和场景的“塑形”环节。拿到手里沉甸甸的感觉，让我对里面的内容充满了期待。我原以为会是一本枯燥的理论堆砌，但翻开目录后，我发现它似乎更侧重于实操和案例分析。特别是其中关于“光影在三维空间中对物体形体塑造的影响”这一章节的标题，让我感到非常惊喜，因为它触及到了我一直困惑的核心问题——如何让二维的草图最终在三维空间中显得“有重量感”。我希望这本书能够深入浅出地剖析那些大师们是如何将抽象的概念转化为具体可感的视觉形象的，而不是仅仅停留在工具的使用介绍上。如果它能提供一些关于如何从生活观察中提炼出独特造型语言的方法论，那这本书的价值就不仅仅是教科书的范畴了，简直是创作灵感的源泉。我特别留意了一下作者的背景信息，感觉他/她应该是在行业内摸爬滚打多年的人物，所以对理论的阐述应该会更接地气，更贴近实际的生产流程。