外国美术史教程杨宗贤华中师范大学出版社艺术考研正版教材9787562266594 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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杨宗贤，覃莉 著

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• 杨宗贤
• 华中师范大学出版社
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出版社： 华中师范大学出版社

ISBN：9787562266594

商品编码：29684790182

页数：268

图书基本信息
书名：	外国美术史
丛书名：	高等院校美术学教材
作者/主编：	杨宗贤  覃莉
出版社：	华中师范大学出版社
ISBN号：	9787562266594
出版年份：	2014年

版次：	第1版
总页数：	268页
开本：	1/16
图书定价：	38.00元
实际重量：	621 g
新旧程度：	正版全新

《高等院校美术学(教师教育)教材:外国美术史教程》由华中师范大学出版社出版。 

 第*章原始美术 第*节 旧石器时代美术 第二节新石器时代美术 第三节青铜时代美术 第二章古代美术 第*节古代两河流域美术 第二节古埃及美术 第三章古典时期美术 第*节古希腊美术 第二节古罗马美术 第四章 中世纪美术 第*节早期基督教美术 第二节拜占庭美术 第三节 中世纪初期的美术 第四节罗马式美术 第五节哥特式美术 第五章 文艺复兴美术 第*节前文艺复兴美术 第二节 15世纪意大利早期文艺复兴美术 第三节 16世纪意大利盛期文艺复兴美术  

《高等院校美术学(教师教育)教材:外国美术史教程》为高等院校美术学（教师教育）教材。《高等院校美术学(教师教育)教材:外国美术史教程》主要内容包括前文艺复兴美术；15世纪意大利早期文艺复兴美术；16世纪意大利盛期文艺复兴美术；尼德兰、德国文艺复兴美术；法国、西班牙文艺复兴美术等。 

《世界建筑史：从古代到现代的演进》 导言：凝固的艺术，历史的见证 建筑，作为人类文明的物质载体，不仅是遮风避雨的实用结构，更是特定时代社会结构、宗教信仰、技术水平和审美趣味的综合体现。它以其宏伟的尺度和永恒的形态，默默记录着人类历史的波澜壮阔。本书旨在系统梳理并深入剖析世界建筑史的发展脉络，从史前初期的原始构筑，穿越古埃及的恢宏金字塔，经由古希腊的和谐柱式，迈入中世纪的神秘哥特式，直至文艺复兴的理性回归，直至现代主义的彻底革新，乃至当代多元化的探索。我们力求超越单纯的风格罗列，着重探讨技术革新如何推动建筑形态的演变，以及哲学思潮和社会变革如何在空间布局和装饰语言中留下深刻印记。 第一部分：早期文明的奠基——实用性与神圣性的交织 第一章：史前与早期文明的萌芽（约公元前10000年—公元前3000年） 本章聚焦于人类从游牧走向定居过程中，建筑形态的最初萌发。我们将考察欧洲巨石阵（Stonehenge）所体现的早期天文观测与集体劳作的社会组织能力，分析其石材的选取与搭建技术。随后，深入探讨美索不达米亚平原上苏美尔、阿卡德等文明的泥砖建筑，重点解析早期神塔（Ziggurat）的层级结构，这种垂直上升的形态如何反映了早期人类对神权的敬畏与对天空的向往。 第二章：尼罗河畔的永恒尺度——古埃及建筑 古埃及建筑是人类对“不朽”追求的极致体现。本章将详尽阐述金字塔群（如吉萨大金字塔）的精确度量和庞大工程管理体系，分析其内部通道和王室墓室的设计，探讨其宗教信仰（如来世观念）对建筑体量和轴线布局的决定性影响。此外，我们将研究卡尔纳克神庙和卢克索神庙群的巨柱厅结构，考察多柱式大厅在营造神秘宗教氛围上的艺术效果，以及方尖碑作为纪念性和象征性构筑物的文化意义。 第三部分：古典的黄金时代——理性、比例与和谐 第三章：两河流域的延续与创新（古代波斯与小亚细亚） 本章将过渡至古代近东地区，特别是波斯阿契美尼德王朝的辉煌成就。重点分析波斯波利斯（Persepolis）的宫殿建筑，其融合了美索不达米亚与埃及的元素，并形成了独特的列柱廊式殿堂。探讨波斯建筑中对于宏大场面的营造，以及其对后世希腊和罗马建筑审美的潜在影响。 第四章：古希腊的理想之光——柱式体系的创立 古希腊建筑是西方美学的基础。本章将集中研究雅典卫城，特别是帕特农神庙的建筑实践。我们将详细拆解多立克、爱奥尼和科林斯三种古典柱式的结构特征、比例关系及其情感内涵。重点剖析希腊人对手法（Entasis）的运用，揭示其在追求视觉完美和数学精确性之间的精妙平衡。神庙的平面布局、立面处理以及雕塑装饰如何共同构筑了“人类尺度”的理想空间。 第五章：古罗马的实用主义与帝国气概 罗马人是伟大的工程师和城市规划师。本章将分析罗马建筑对希腊柱式体系的吸收与改造，重点探讨罗马人引入的革命性结构技术：混凝土（Opus Caementicium）、拱（Arch）、券（Vault）和穹顶（Dome）。我们将分析万神殿（Pantheon）宏伟的无柱式穹顶结构及其采光设计，研究公共建筑（如巴西利卡、公共浴场、斗兽场）如何体现帝国的行政能力和社会生活需求。罗马道路、引水渠等基础设施建设，也作为建筑工程的延伸被纳入考察范围。 第三部分：中世纪的信仰空间——垂直的追求与光线的描绘 第六章：早期基督教与拜占庭的转型 随着帝国的衰落与基督教的兴起，建筑功能和形式发生剧变。本章分析早期基督教巴西利卡的平面布局，及其如何适应弥撒礼仪。随后，深入研究拜占庭帝国在君士坦丁堡的杰作——圣索菲亚大教堂（Hagia Sophia），重点解析其巨型穹顶如何“悬浮”于空间之上，以及马赛克镶嵌画在室内空间营造神圣氛围中的作用。 第七章：罗马式：堡垒般的虔诚 中世纪早期，受政治动荡和防御需求影响，罗马式建筑呈现出厚重、朴拙的特征。本章将分析其厚实的墙体、较小的开窗以及圆拱的广泛使用。考察修道院的规制化布局，以及朝圣教堂（如圣塞宁教堂）如何通过体量感和重复的券廊来引导信徒的朝拜流线。 第八章：哥特式：向天空的攀升与光的颂歌 哥特式建筑是中世纪技术与精神力量的巅峰。本章将详细解读其三大结构支柱：飞扶壁（Flying Buttress）、尖拱（Pointed Arch）和肋拱（Rib Vault）。研究这些技术如何解放了墙体，使得建筑得以向上无限延伸，并允许大面积的彩色玻璃窗的出现。我们将以巴黎圣母院和沙特尔大教堂为例，探讨玫瑰窗如何将自然光转化为彩色的“神圣之光”，以及其复杂的雕塑装饰如何成为“石头的圣经”。 第四部分：文艺复兴与巴洛克的复兴与激情 第九章：文艺复兴：人本主义与古典的复兴 文艺复兴是对中世纪“黑暗”的反动，是回归古希腊罗马的理性、和谐与比例。本章将聚焦于佛罗伦萨和罗马的建筑实践。分析布鲁内莱斯基（Brunelleschi）在佛罗伦萨大教堂穹顶上的结构创新，以及他对透视学的运用。深入研究阿尔伯蒂（Alberti）的建筑理论，以及帕拉第奥（Palladio）如何系统化地整理和发展了古典柱式，其作品对后世新古典主义建筑产生的深远影响。 第十章：巴洛克与洛可可：戏剧性、运动感与感官体验 巴洛克建筑是文艺复兴理性精神在宗教和王权驱动下的情感化、戏剧化表达。本章分析贝尼尼和博罗米尼在罗马的创作，重点考察曲线的使用、光影的对比、以及复杂的三维空间流动性。研究建筑、雕塑和绘画如何进行“总体艺术”（Gesamtkunstwerk）的融合，以达到震撼人心的效果。洛可可是巴洛克向更轻盈、更装饰性方向的发展，主要体现在室内装饰艺术中。 第五部分：从新古典到现代的激变 第十一章：启蒙运动与新古典主义的回归 十八世纪，在对古代遗址的考古发现和启蒙思想的影响下，建筑界再次呼唤纯粹的古典原则。本章探讨新古典主义建筑如何强调清晰的几何形式、简洁的装饰和纪念碑性，如法国的先贤祠和美国华盛顿的联邦建筑。 第十二章：工业革命与结构革命的先声 工业革命带来了钢铁、玻璃等新材料的广泛应用，极大地拓展了建筑的可能性。本章关注十九世纪的结构创新，如铁骨结构在工厂、火车站和展览馆中的运用，如伦敦的水晶宫，预示着现代建筑的到来。 第十三章：现代主义的诞生与宣言 二十世纪初，建筑师们开始系统性地拒绝历史的装饰，追求功能至上和技术美学。本章系统梳理现代主义的几大流派：从格罗皮乌斯（包豪斯）对工业化生产的探索，到勒·柯布西耶“新建筑五点”的理论确立（底层架空、自由平面、自由立面、横向长窗、屋顶花园），再到密斯·凡德罗“少即是多”的极简主义哲学。分析国际式风格如何风靡全球。 第十四章：后现代的多元与当代的回响 二战后，现代主义的僵化引发了反思。本章探讨后现代主义（如文丘里）对历史符号和装饰的重新引入，以及解构主义（如盖里）对传统几何和稳定性的挑战。最后，展望当代建筑的趋势，包括可持续设计、参数化设计以及对地方文脉的重新关注，展示建筑史在不断演进和自我批判中的生命力。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计着实吸引人，色彩搭配既有历史的厚重感，又不失现代的审美。初翻阅时，那种油墨的清香混合着纸张特有的气味，让人立刻沉浸到对艺术殿堂的探索之中。我特别喜欢它在章节划分上的用心，从史前艺术的粗犷到文艺复兴的辉煌，再到印象派的光影变幻，每一段过渡都处理得非常自然流畅，仿佛一位技艺精湛的策展人，引导着我们缓缓走过漫长的人类艺术长河。书中对于关键作品的版面处理也值得称赞，高清的图片印刷质量极高，即便是细节之处的笔触纹理也能清晰可见，这对于我们这种需要仔细揣摩原作风貌的学习者来说，无疑是极大的便利。尤其是在介绍某一特定时期艺术思潮的形成背景时，作者并非简单地罗列事实，而是深入挖掘了当时的社会、宗教、哲学思潮对艺术创作的深刻影响，使得对艺术的理解不再停留在“美不美”的表层，而是上升到了对人类文明进程的认知层面。这种宏大叙事与微观分析相结合的叙事方式，极大地丰富了阅读体验。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版布局简直是教科书级别的典范。它深知长时间阅读大段文字的疲劳感，因此在信息密度的控制上做得非常到位。大量的留白，合理的字体大小和行距，使得即便是长时间学习，眼睛的负担也不会过重。此外，书中很多地方采用了旁注和信息框的设计，将一些重要的艺术家生平小传、艺术流派的核心理念用更简洁明了的方式提炼出来，这对于考前快速回顾和记忆关键知识点帮助太大了。我个人非常欣赏它在工具书属性和学术专著气质之间找到的那个精妙平衡点。它既能满足基础知识的系统学习需求，又能提供足够深入的研究材料。我甚至发现，在有些晦涩的理论点后面，作者会附带一些现代艺术评论的观点作为对比，这种跨越时空的对话，让原本静止的历史仿佛活了起来，显示出艺术史研究的动态本质。

评分☆☆☆☆☆

这本书在处理跨文化影响方面的内容时，展现出了极高的敏锐度。它没有将外国美术史孤立地看待，而是巧妙地穿插了不同文明之间的艺术交流与借鉴，比如伊斯兰艺术对欧洲中世纪艺术的影响，或是东方审美如何渗透到十九世纪末的先锋派运动中。这种全球视野的构建，极大地提升了这本书的格局和深度。它不再仅仅是欧洲艺术的流水账，而是一部人类共同美学经验的编年史。在阅读过程中，我时常会停下来思考，为什么在不同的地理和文化背景下，人类会发展出如此多样的艺术语言来表达相似的主题——爱、死亡、信仰、权力。这种深层次的哲学思考，才是真正能让人从这本书中获得的最大收获，它提供的远不止是知识的堆砌，而是一种看待世界的全新视角，充满了启发性和挑战性。

评分☆☆☆☆☆

作为一个业余爱好者，我最看重的是书籍的广度与深度能否兼得。这本书在这方面做得相当出色。它不仅仅涵盖了欧洲艺术的主流发展，对于一些边缘但重要的艺术运动，如早期尼德兰绘画、或是北欧的浪漫主义思潮，也给予了足够的篇幅进行介绍，这无疑拓宽了读者的视野。我尤其赞赏作者在引用资料和论证观点时所展现的严谨态度。每一个关键的论断背后，似乎都能看到扎实的史料支撑，这让读者在学习时感到无比踏实，不用担心吸收到的知识是空穴来风。这种对学术诚信的坚守，是任何一本优秀教程的基石。每次合上书本，我都会感觉自己对西方文明的理解又加深了一层，因为它清晰地展示了艺术是如何作为一面镜子，映照出特定时代人类的精神面貌和文化追求的。

评分☆☆☆☆☆

老实说，我过去对“外国美术史”这类题材的书籍总抱有一种畏惧感，总觉得内容会过于学术化，充斥着晦涩难懂的术语和枯燥的年代时间线。然而，这本书彻底颠覆了我的固有印象。作者的文笔非常具有画面感，读起来一点也不费力，更像是听一位经验丰富的导游在为你娓娓道来那些发生在异国他乡的艺术故事。比如，在描述巴洛克艺术的戏剧性冲突时，文字本身就仿佛带着强烈的明暗对比和运动感，让我仿佛能“听见”卡拉瓦乔作品中人物的低语和呐喊。更让我感到惊喜的是，书中对于一些争议性艺术家的评价处理得非常平衡和客观，没有一味地推崇或贬低，而是提供了多角度的解读空间，鼓励读者自己去形成判断。这种开放式的探讨氛围，对于我们进行高阶的学术研究和批判性思维的培养，起到了非常积极的引导作用。阅读过程中的那种探索欲和满足感，是其他同类书籍很难给予的。