欣德米特作曲技法2二声部写作罗忠镕上海音乐出版社正版教材9787552307252 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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【德】保罗·欣德米特著，罗忠镕译 著

图书标签:

• 欣德米特
• 作曲技法
• 二声部写作
• 罗忠镕
• 上海音乐出版社
• 教材
• 音乐理论
• 和声
• 复调
• 9787552307252

店铺： 佳期如梦图书专营店

出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787552307252

商品编码：29684813767

页数：194

图书基本信息
书名：	欣德米特作曲技法2二声部写作
作者/主编：	【德】保罗·欣德米特著 罗忠镕译
出版社：	上海音乐出版社
ISBN号：	9787552307252
出版年份：	2015年5月

版次：	第1版
总页数：	194页
开本：	1/16
图书定价：	38.00元
实际重量：	240 g
新旧程度：	正版全新

保罗·欣德米特编著的《欣德米特作曲技法(2二声部写作原版引进)》共分简单的单声部旋律模式构造初步的二声部写作旋律加工旋律的结构原则旋律加工(结束)调性旋律的调性旋律模调的加工自由二声部写作等十一章内容，这十一章中，每章都讲述了该章所需作业材料，还有作业方法的详细说明，以及一些范例。 

序章 简单的单声部旋律模式构造第二章 初步的二声部写作第三章 旋律加工(助音、经过音)第四章 旋律加工(续)(留音、先现音、邻音)第五章 旋律的结构原则(和声细胞与和声场，级进进行)第六章 旋律加工(结束)(由跳进到达的邻音与由跳进离开的邻音，重拍自由音)第七章 调性(音级进行)第八章 旋律的调性第九章 旋律模调的加工第十章 自由二声部写作：Ⅰ第十一章 自由二声部写作：Ⅱ

欣德米特是德国作曲家、音乐理论家。被誉为“20世纪的巴赫”，是20世纪西方现代音乐重要人物之一。他在创作中采用“线形对位”；坚持音乐的调性，其和声围绕中心音展开，有他自己的一套组织方法与体系。此系列共三本书，由浅入深，具有较高的音乐理论价值，是非常经典的“作曲技术理论系列”丛书。 

《和声的奥秘：从巴赫到德彪西的演进》 一部深入剖析西方音乐和声发展脉络的权威著作 作者：[虚构作者名称，例如：阿诺德·利文森] 出版社：[虚构出版社名称，例如：环球音乐学社] ISBN：[虚构ISBN，例如：978-1-5678-9012-3] --- 内容提要： 《和声的奥秘：从巴赫到德彪西的演进》并非仅仅是一本关于如何构建和弦的实用指南，它是一部宏大的历史叙事与严谨的理论分析相结合的里程碑式的著作。本书旨在带领读者穿越西方音乐数个世纪的演变历程，细致考察和声语言如何从其早期功能性的约束中解放出来，最终发展成为浪漫主义的极致与印象主义的革新。 本书以清晰、富有洞察力的笔触，系统梳理了从巴洛克早期确立的调性体系（Tonality）的根基，如何通过赋格、奏鸣曲式等范式得到巩固，直至19世纪末期，随着德彪西和拉威尔等人的出现，调性体系开始面临深刻的结构性挑战。 第一部分：调性的奠基与黄金时代（1600-1800） 本部分聚焦于调性音乐的成熟期。我们首先考察了四部和声的基本规则如何从巴赫时代的对位实践中抽象提炼出来。详细分析了功能和声（Functional Harmony）的核心概念——主、属、下属三和弦之间的张力与解决，以及导音（Leading Tone）在维持调性中心中的关键作用。 书中对巴赫、亨德尔等大师的作品进行了细致的案例分析，重点剖析了他们如何运用序进（Sequences）、转调（Modulation）技巧，构建起宏大而逻辑严密的乐章结构。特别值得一提的是，本书对巴洛克时期“通奏低音”（Basso Continuo）实践在和声思维形成中的基础性贡献，进行了翔实的文献回顾与乐谱解读。 进入古典主义时期，本书深入探讨了海顿与莫扎特如何将和声语言与奏鸣曲式（Sonata Form）的戏剧性结构紧密结合。和声不再仅仅是线条的垂直堆叠，而是推动呈示部、展开部和再现部发展的核心驱动力。对减七和弦（Diminished Seventh Chords）的巧妙运用，以及在古典时期对模糊色彩和弦的克制，构成了对这一时期和声哲学的深刻理解。 第二部分：浪漫主义的扩张与情感的极限（1800-1900） 随着贝多芬的脚步，和声的疆界开始被勇敢地拓宽。本部分的核心在于探讨色彩（Color）在浪漫主义和声中的崛起。 李斯特和瓦格纳的探索是本部分的关键。我们详细解析了瓦格纳歌剧《特里斯坦与伊索尔德》中著名的“特里斯坦和弦”，并将其置于和声发展史的语境中：这是一个如何挑战传统功能性，如何通过半音进行不断地悬置张力，直至几乎使调性体系崩溃的典范。本书主张，瓦格纳的实践标志着西方和声在“不解决的和弦”上的艺术性探索达到了前所未有的高度。 肖邦的作品被用作展示钢琴特性和声的绝佳范例。书中分析了肖邦如何利用丰富的装饰音、非功能性的和弦连接（如平行五度/八度的选择性使用）以及复杂的和弦内音，营造出细腻而私密的个人情感景观。 此外，本书也涵盖了勃拉姆斯、布鲁克纳等“新日耳曼学派”在继承传统和声结构的同时，如何通过更长的乐句、更复杂的和弦扩展（Chord Extensions）（如九和弦、十一和弦的常规化使用）来深化情感表达。 第三部分：调性的瓦解与色彩的觉醒（1900年以后） 进入20世纪，传统的功能和声体系遭遇了结构性的危机。本部分关注的是如何从既有的基础上实现“超越”或“解构”。 德彪西的音乐被视为本部分的核心转折点。本书详细剖析了德彪西如何系统性地引入全音阶（Whole-Tone Scale）、五声音阶（Pentatonic Scale）以及九和弦、十一和弦的并行使用（Parallelism）。这些手法的作用在于“固定”和弦的色彩，而非驱动其向下一个和弦功能性地解决。这标志着音乐焦点从“过程”（Process）转向了“状态”（State）。 本书对德彪西在和声上的革新进行了审慎评估，认为这并非是对调性的简单抛弃，而是一种“去功能化的调性”（Non-Functional Tonality）的尝试，为后来的印象主义和现代主义铺平了道路。 本书的独特价值： 本书的叙事结构严谨，避免了简单罗列规则，而是通过历史语境和作曲家个人创作哲学的角度，阐释了每一次和声变革的“必然性”。读者将获得对以下核心问题的深入理解： 1. 和声如何反映时代精神？ 从巴洛克的秩序感，到浪漫主义的激情，再到印象主义的朦胧感。 2. 功能性与色彩性的辩证关系。 调性是如何一步步从结构支柱沦为色彩工具的？ 3. 理论与实践的互动。 书中大量引用了原始乐谱片段，辅以清晰的图示，帮助读者直观感受和声进行带来的听觉体验，而非仅仅停留在枯燥的理论层面。 《和声的奥秘》是所有音乐学院学生、专业作曲家、指挥家，以及对西方音乐历史演进有浓厚兴趣的严肃乐迷不可或缺的案头参考书。它不仅教授“如何写”，更深刻揭示了“为何如此写”的深层原因。

评分☆☆☆☆☆

阅读本书的过程，更像是一场与不同时代作曲家进行的心灵对话。它的编排结构非常富有层次感，并非简单的章节递进，而是通过一系列精心设计的案例分析，将不同的历史时期和风格特点串联起来。那些引用进来的范例，选取得极为精妙，既有古典主义的典范之作，也有浪漫主义后期对和声极限的探索。作者的讲解语言极其精准，没有过多冗余的形容词，而是用一种近乎科学的精确性来剖析复杂的音乐现象。对于乐谱的分析，图文并茂的处理方式非常到位，关键的转折点或难点都会被单独提炼出来进行深度剖析，配以简练的注解，使得原本晦涩难懂的段落瞬间变得清晰明了。这种由表及里、层层剥开的分析方法，极大地提升了我的视听转换能力。

评分☆☆☆☆☆

对于一个已经学习过基础和声学知识的进阶学习者来说，这本书的价值在于它提供了一个坚实的桥梁，连接了理论知识与高阶的音乐思维模式。它没有浪费篇幅在那些基础概念的重复上，而是迅速地将学习的焦点引向了对音乐结构、声部进行有效组织和控制的层面。它鼓励读者跳出线性思维，从宏观的篇章结构去审视局部声部的关系，探讨声音的密度、运动轨迹以及如何在不同密度之间进行平滑的过渡。读完后，我感觉自己对如何构建一个完整、逻辑自洽的音乐段落有了更深刻的认识，不再满足于单个和弦或旋律线的正确性，而是开始关注整体织体在时间维度上的呼吸与张力，这无疑是迈向更成熟的作曲家思维的关键一步。

评分☆☆☆☆☆

这本书最让我感到震撼的地方，在于它对“限制中的创造力”这一核心命题的深入探讨。音乐创作往往需要在既定的规则和个人表达之间找到一个动态的平衡点，而本书恰恰着重于如何在这种看似束缚的框架内，最大化地激发个体的声音。作者并没有将写作技巧描述成一套不可逾越的教条，而是将其视为一套工具箱，教导读者如何根据不同的情感需求，灵活地选择和运用这些工具。例如，在讨论到某些特定对位法的处理时，书中不仅展示了“应该怎么写”，更深入探讨了“为什么在那个特定的历史背景下，作曲家会选择这样写”，这种深层次的语境分析，帮助我理解了技法背后的艺术意图，远超出了单纯的技术层面。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计真是让人眼前一亮，封面选用的那种略带纹理的纸张，摸上去手感非常舒服，而且那种深沉的墨绿色调，配上烫金的字体，显得既古典又不失现代感，透露出一种严谨的学术气息。内页的纸张质量也值得称赞，白度适中，不会过于刺眼，油墨的印刷清晰锐利，即便是那些复杂的五线谱符号，看起来也毫不费力。装订方面，它采用了精装加固的形式，翻页的时候非常平整，可以完全摊开，这对于像我这样需要长时间伏案研究乐谱的人来说，简直是福音，不用担心书页会合拢遮住需要仔细观察的部分。总的来说，从拿到书的那一刻起，就能感受到出版方在细节上所下的功夫，这不仅仅是一本教材，更像是一件值得收藏的艺术品。翻开扉页，那句扉词也很有韵味，似乎已经预示了接下来的学习旅程将是既充满挑战又令人回味的。

评分☆☆☆☆☆

初次接触到这本书的教学理念，我最大的感受是其极强的实践导向性。很多早期的音乐理论教材往往将理论知识堆砌得过于抽象和脱离实际，学生学完后总感觉像是空中楼阁，难以在实际创作中应用。但这本书不同，它巧妙地将历史发展的脉络与具体的写作练习紧密结合起来，让你在学习每一个新的写作规则时，都能立即看到它在真实音乐语境中的体现。作者似乎非常懂得初学者的困惑，总能在最关键的地方设置过渡性的练习，确保知识点的消化是循序渐进的，而不是一口气灌输的。我尤其欣赏其中关于“织体平衡”的论述，它没有停留在机械的规则层面，而是引导读者去理解声音线条之间相互支撑、制衡的美学逻辑，这对于培养真正的音乐感至关重要，让人感觉不再是僵硬地“写”音乐，而是在“塑造”音乐。