复调艺术概论非作曲教材修订版林华上海音乐出版社正版9787807515821 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

林华，叶思敏 著

图书标签:

• 复调艺术
• 音乐理论
• 和声学
• 作曲
• 林华
• 上海音乐出版社
• 高等教育
• 教材
• 音乐教学
• 9787807515821

店铺： 佳期如梦图书专营店

出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787807515821

商品编码：29684813769

页数：442

图书基本信息
书名：	复调艺术概论非作曲教材·修订版
作者/主编：	林华 叶思敏
出版社：	上海音乐出版社
ISBN号：	9787807515821
出版年份：	2010年8月

版次：	第1版
总页数：	442页
开本：	1/16
图书定价：	58.00元
实际重量：	760 g
新旧程度：	正版全新

《复调艺术概论(修订版)》：非作曲教材

前言致老师上编一般写作技法章 绪言节 音乐作品中的织体第二节 复调音乐的风格分期第三节 复调音乐的一般概念第四节 复调音乐的表现作用 第二章 复调织体中的旋律节 多声织体中旋律的一般特性第二节 严格复调时期的旋律特征第三节 自由复调织体的旋律 第三章 对比复调节 对比复调的写作第二节 对比复调的织体第三节 可动对位第四节 反向对位第五节 繁复对位的应用 第四章 模仿节 一般概念第二节 模仿的运用 第五章 赋格节 赋格的一般概念第二节 呈示部第三节 中间部第四节 再现部第五节 赋格的诠释处理第六节 赋格的种类下编时代风格特征 第六章 文艺复兴时期的合唱音乐概述节 历史文化背景第二节 主要合唱复调音乐体裁及其发展沿革 第七章 巴洛克时期复调技法的运用概述节 历史文化背景第二节 巴洛克时期复调技法的运用 第八章 维也纳古典时期复调技法的运用概述节 历史文化背景第二节 复调运用的一般特征第三节 海顿和莫扎特的复调运用手法第四节 贝多芬的复调运用手法 第九章 浪漫主义时期复调技法的运用概述节 浪漫主义的产生第二节 浪漫主义复调技法的一般特征 第十章 现代音乐中复调技法的运用概述节 历史文化背景第二节 现代音乐中复调技法的运用第三节 我国音乐创作中复调技法的运用

《复调艺术概论（修订版）》以介绍复调知识为主，是专为我院表演而编写的教程，原名《复调音乐教程》，初版于1993年。成书后承蒙各方同仁错爱，全国各地不少音乐院校多有采用。1996年荣获文化部高教司教材一等奖。每每自忖，难免汗颜，由于当时写作条件较差，资料匮乏，誊写制谱全由本人在业余时间完成，再加上有关方面指定了由非音乐出版社编辑印刷，出版质量就很不能尽如人意了。

好的，以下是一份关于不包含《复调艺术概论：非作曲教材修订版》（林华，上海音乐出版社，ISBN: 9787807515821）内容的详细图书简介。 --- 《和声的织体与色彩：西方音乐思维的深度探索》 一部超越基础理论，直抵音乐结构精髓的深度著作 本书并非传统意义上的初级和声教材，也完全不涉及二十世纪及以后复调写作的特定技术或理论框架。它聚焦于西方音乐体系自巴洛克早期至浪漫主义中期的“横向思维”的演变及其在音乐织体构建中的核心作用。本书旨在为音乐学习者、演奏家和研究者提供一个全新的视角，用以理解和剖析音乐作品在时间维度上如何通过和声功能、旋律线索和声部组合来形成其独特的“织体”（Texture）与“色彩”（Color）。 核心关注点：功能的演变而非技法的堆砌 本书将和声视为一种动态的、具有叙事性的语言，而不是一套僵硬的规则集合。我们着重探讨以下几个关键领域，这些领域均是建立在纯粹的、功能性和声（Tonal Harmony）的框架内，并着眼于声部独立性与整体统一性的关系： 第一部分：功能和声的建立与逻辑基础 本部分深入解析了调性系统如何从早期调式过渡到我们熟知的的大小调体系，重点阐释了主导功能（Tonic, Dominant, Subdominant）在构建乐句和段落中的基础作用。 1. 调式与调性的张力场： 探讨了中古调式在早期音乐中的残留影响，以及大小调划分确立后，音乐如何利用“稳定”与“不确定”之间的张力来驱动音乐的进行。我们详细分析了三和弦在不同功能区位上的具体音响效果，以及如何通过基础的和弦连接（Chord Progression）来建立明确的音乐方向感。 2. 节奏与和声的同步性： 研究了在特定时期（如古典主义早期），作曲家如何通过对节奏的精确控制来平衡各声部的运动，确保即便声部间保持一定的独立性，其和声功能也能够清晰地对齐。这并非关于对位法的技法，而是关于功能区隔（Functional Delineation）的实践。 3. 减七和弦的“色彩”作用： 重点剖析了减七和弦在调性音乐中作为功能性连接器的本质，而非仅仅是一种“紧张”的音响。分析了其在转调倾向性上的多义性，以及作曲家如何利用这种多义性来制造瞬时的“色彩变化”或“情感起伏”，但其基础仍牢固地根植于功能和声的轨道之内。 第二部分：织体的类型学与声部间的“对话” 本部分跳出了对位法（Counterpoint）的严格训练，转而从“织体分析”的角度，审视不同时代作曲家如何安排声部间的关系，以达到特定的听觉效果。 1. 旋律性织体的层次分析： 详细区分了主音音乐（Melody and Accompaniment）、均线织体（Homorhythmic Texture）和层叠式织体（Layered Texture）的听觉特征。分析了在没有严格对位规则约束下，如何通过“清晰的主题”与“背景支持”之间的动态平衡来塑造音乐的形态。例如，早期奏鸣曲式中，主题的呈现与伴奏的“填充”之间的关系。 2. 极简的声部进行与“呼吸感”： 探讨了在结构相对清晰的作品中，声部数量的增减（如从四部到三部）如何影响音乐的整体密度和听觉上的“呼吸空间”。重点关注声部“隐藏”或“浮现”时对听众感知的影响，这是一种基于听觉心理学的织体分析，而非对位法的规则遵循。 3. 调性色彩的“空间感”营造： 这一部分尤其关注如何通过对基础三和弦的转位（Inversion）来微妙地改变织体的高度位置和声部间的音程关系，从而在不改变功能的前提下，实现从“深沉”到“轻盈”的色彩转换。这是一种对和声“垂直堆叠”的非技术性解读。 第三部分：从古典到浪漫的“情感饱和度” 本部分考察了从海顿、莫扎特到早期贝多芬和舒伯特时期，功能和声在处理更复杂情感表达时所展现出的适应性和扩展性。 1. 序进与扩展的和声语言： 关注作曲家如何使用序列进行（Sequences）和离调（Modulation）技术来延长音乐的“进行感”。这里的离调被视为一种叙事工具，而非对位训练中的“远关系调”的机械应用。重点分析了如何通过持续的调性模糊来营造旅途感或悬念。 2. 装饰音与“音响泡沫”： 详细分析了装饰音（如颤音、回音或琶音）在不同时期，如何从“纠正不协和音”的角色，演变为增加织体密度和光泽度的独立元素。这与复调训练中对装饰音的严格书写规范不同，本书关注的是其在听觉上对背景织体的“饱和”作用。 3. 宽广的终止式与情感的收束： 分析了终止式（Cadences）如何从严格的“V-I”结束，演变为加入更多属和弦的变体（如V7/V、附属属和弦的引入），以及这些变化如何影响乐曲的终结感——是果断的肯定，还是带有回味与期待的柔和结束。 总结：聆听内在的结构 《和声的织体与色彩》旨在培养一种“倾听的能力”，这种能力要求学习者不仅要识别“这是什么和弦”，更要理解“这个和弦在当前声部关系中扮演了什么角色，并对整体织体产生了何种影响”。本书的重点是结构思维与听觉洞察力的结合，它提供了一个坚实、深入且专注于功能和声核心逻辑的分析框架，完全避开了特定流派的对位技法或现代和声的复杂结构。 本书适合对象： 希望深入理解古典至早期浪漫主义时期音乐的演奏家。 音乐史、音乐分析专业的进阶学生。 所有渴望从“技法学习”转向“结构聆听”的音乐爱好者。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧和排版设计也值得称赞，清晰的乐谱示例占据了大量篇幅，这对于学习音乐技术类书籍至关重要。我发现自己常常不需要频繁地翻阅前后章节来比对一个技巧的运用，因为相关的例子和解释都组织得井井有条。特别是关于如何构建一个可信的、有逻辑性的赋格主题，书中提供的分析工具和练习建议，具有极强的实践指导意义。我尝试按照书中的步骤去设计自己的对位练习，发现原本觉得晦涩难懂的概念，在实际操作中变得生动起来。它不是那种只停留在“是什么”的教科书，而更像一本“怎么做”的实用指南，尤其适合那些想要从被动接受转向主动构建音乐结构的学习者。

评分☆☆☆☆☆

这本关于复调音乐的著作，真是打开了我理解音乐结构的一扇新窗户。作者对和声与对位法的阐述，细致入微，尤其是在分析巴赫作品时，那种深入骨髓的洞察力让人叹为观止。我之前总觉得复调音乐像一团缠绕不清的线条，但读完之后，那些独立的声部是如何互相支撑、交织出宏大织体，变得清晰可见。书中对“模仿”和“卡农”的讲解，从基础原理到复杂技巧，层层递进，即使是初学者也能找到清晰的路径。更难能可贵的是，作者并没有停留在理论的枯燥讲解上，而是巧妙地结合了大量实例，让你在阅读的同时就能“听”到那些音乐的内在逻辑。那种将复杂的音乐现象抽丝剥茧，还原成清晰、可操作的技法分析，对于希望提升自己写作能力的人来说，简直是宝典级别的存在。

评分☆☆☆☆☆

作为一个对音乐史颇感兴趣的业余爱好者，我总想知道那些伟大的作曲家是如何在技术层面上实现他们宏伟构思的。这本书在这方面给予了我极大的满足感。它不仅仅罗列了规则，更深入剖析了规则背后的哲学和美学意图。例如，在讨论如何处理不协和音时，它没有简单地给出解决公式，而是结合了当时教会对音乐的规范以及作曲家个人对情感表达的需求，来解释为什么某些处理方式被采纳，而另一些被摒弃。这种将技术分析与人文背景相结合的叙事方式，极大地拓宽了我的视野。读完之后，我再回听那些经典的复调作品，那种对作曲家智慧的敬畏感油然而生，不再是简单的旋律欣赏，而是一种结构层面的共鸣。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，我对这类专业教材通常抱有戒备心理，担心内容过于陈旧或晦涩难懂。然而，这本书的修订版成功地打破了我的预设。它的语言虽然专业，但逻辑严密且富有启发性。我最欣赏它在讨论不同声部独立性时所使用的类比手法，非常形象化，帮助读者抓住了复调音乐的核心矛盾——既要独立又要统一。书中的练习题设计得非常巧妙，从基础的二声部到复杂的四声部、五声部写作都有涉及，而且难度梯度设置合理，让人在不断挑战中获得进步的满足感。对于任何想要系统学习西方音乐“骨架”的学生来说，这本书提供的知识体系是扎实而全面的，绝对是案头必备的工具书。

评分☆☆☆☆☆

我是在一个偶然的机会接触到这本书的，当时正对十八世纪欧洲的音乐实践感到困惑，特别是那些被后世奉为圭臬的精妙对位技巧。这本书的修订版，在保留经典理论框架的同时，似乎注入了更多面向现代读者的思考。它的行文风格不像传统教材那样板着脸孔，反而带着一种鼓励探索的精神。书中对于不同历史时期复调风格差异的探讨，比如文艺复兴时期的严格对位与巴洛克时期自由对位之间的张力与演变，分析得极其到位。我特别欣赏其中关于“视唱练耳”与“和声分析”如何相互印证的部分，它强调了“听觉的训练”是理解复调的基石，这一点在很多纯理论书籍中容易被忽视。翻阅这本书，就像是有一位经验丰富的老教授，在耐心地为你梳理音乐的脉络，让你从“知道”走向“理解”，再到“创造”。