復調藝術概論非作麯教材修訂版林華上海音樂齣版社正版9787807515821 pdf epub mobi txt 電子書 下載 2025

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林華，葉思敏 著

圖書標籤:

• 復調藝術
• 音樂理論
• 和聲學
• 作麯
• 林華
• 上海音樂齣版社
• 高等教育
• 教材
• 音樂教學
• 9787807515821

店鋪： 佳期如夢圖書專營店

齣版社： 上海音樂齣版社

ISBN：9787807515821

商品編碼：29684813769

頁數：442

圖書基本信息
書名：	復調藝術概論非作麯教材·修訂版
作者/主編：	林華 葉思敏
齣版社：	上海音樂齣版社
ISBN號：	9787807515821
齣版年份：	2010年8月

版次：	第1版
總頁數：	442頁
開本：	1/16
圖書定價：	58.00元
實際重量：	760 g
新舊程度：	正版全新

《復調藝術概論(修訂版)》：非作麯教材

前言緻老師上編一般寫作技法章 緒言節 音樂作品中的織體第二節 復調音樂的風格分期第三節 復調音樂的一般概念第四節 復調音樂的錶現作用 第二章 復調織體中的鏇律節 多聲織體中鏇律的一般特性第二節 嚴格復調時期的鏇律特徵第三節 自由復調織體的鏇律 第三章 對比復調節 對比復調的寫作第二節 對比復調的織體第三節 可動對位第四節 反嚮對位第五節 繁復對位的應用 第四章 模仿節 一般概念第二節 模仿的運用 第五章 賦格節 賦格的一般概念第二節 呈示部第三節 中間部第四節 再現部第五節 賦格的詮釋處理第六節 賦格的種類下編時代風格特徵 第六章 文藝復興時期的閤唱音樂概述節 曆史文化背景第二節 主要閤唱復調音樂體裁及其發展沿革 第七章 巴洛剋時期復調技法的運用概述節 曆史文化背景第二節 巴洛剋時期復調技法的運用 第八章 維也納古典時期復調技法的運用概述節 曆史文化背景第二節 復調運用的一般特徵第三節 海頓和莫紮特的復調運用手法第四節 貝多芬的復調運用手法 第九章 浪漫主義時期復調技法的運用概述節 浪漫主義的産生第二節 浪漫主義復調技法的一般特徵 第十章 現代音樂中復調技法的運用概述節 曆史文化背景第二節 現代音樂中復調技法的運用第三節 我國音樂創作中復調技法的運用

《復調藝術概論（修訂版）》以介紹復調知識為主，是專為我院錶演而編寫的教程，原名《復調音樂教程》，初版於1993年。成書後承濛各方同仁錯愛，全國各地不少音樂院校多有采用。1996年榮獲文化部高教司教材一等奬。每每自忖，難免汗顔，由於當時寫作條件較差，資料匱乏，謄寫製譜全由本人在業餘時間完成，再加上有關方麵指定瞭由非音樂齣版社編輯印刷，齣版質量就很不能盡如人意瞭。

好的，以下是一份關於不包含《復調藝術概論：非作麯教材修訂版》（林華，上海音樂齣版社，ISBN: 9787807515821）內容的詳細圖書簡介。 --- 《和聲的織體與色彩：西方音樂思維的深度探索》 一部超越基礎理論，直抵音樂結構精髓的深度著作 本書並非傳統意義上的初級和聲教材，也完全不涉及二十世紀及以後復調寫作的特定技術或理論框架。它聚焦於西方音樂體係自巴洛剋早期至浪漫主義中期的“橫嚮思維”的演變及其在音樂織體構建中的核心作用。本書旨在為音樂學習者、演奏傢和研究者提供一個全新的視角，用以理解和剖析音樂作品在時間維度上如何通過和聲功能、鏇律綫索和聲部組閤來形成其獨特的“織體”（Texture）與“色彩”（Color）。 核心關注點：功能的演變而非技法的堆砌 本書將和聲視為一種動態的、具有敘事性的語言，而不是一套僵硬的規則集閤。我們著重探討以下幾個關鍵領域，這些領域均是建立在純粹的、功能性和聲（Tonal Harmony）的框架內，並著眼於聲部獨立性與整體統一性的關係： 第一部分：功能和聲的建立與邏輯基礎 本部分深入解析瞭調性係統如何從早期調式過渡到我們熟知的的大小調體係，重點闡釋瞭主導功能（Tonic, Dominant, Subdominant）在構建樂句和段落中的基礎作用。 1. 調式與調性的張力場： 探討瞭中古調式在早期音樂中的殘留影響，以及大小調劃分確立後，音樂如何利用“穩定”與“不確定”之間的張力來驅動音樂的進行。我們詳細分析瞭三和弦在不同功能區位上的具體音響效果，以及如何通過基礎的和弦連接（Chord Progression）來建立明確的音樂方嚮感。 2. 節奏與和聲的同步性： 研究瞭在特定時期（如古典主義早期），作麯傢如何通過對節奏的精確控製來平衡各聲部的運動，確保即便聲部間保持一定的獨立性，其和聲功能也能夠清晰地對齊。這並非關於對位法的技法，而是關於功能區隔（Functional Delineation）的實踐。 3. 減七和弦的“色彩”作用： 重點剖析瞭減七和弦在調性音樂中作為功能性連接器的本質，而非僅僅是一種“緊張”的音響。分析瞭其在轉調傾嚮性上的多義性，以及作麯傢如何利用這種多義性來製造瞬時的“色彩變化”或“情感起伏”，但其基礎仍牢固地根植於功能和聲的軌道之內。 第二部分：織體的類型學與聲部間的“對話” 本部分跳齣瞭對位法（Counterpoint）的嚴格訓練，轉而從“織體分析”的角度，審視不同時代作麯傢如何安排聲部間的關係，以達到特定的聽覺效果。 1. 鏇律性織體的層次分析： 詳細區分瞭主音音樂（Melody and Accompaniment）、均綫織體（Homorhythmic Texture）和層疊式織體（Layered Texture）的聽覺特徵。分析瞭在沒有嚴格對位規則約束下，如何通過“清晰的主題”與“背景支持”之間的動態平衡來塑造音樂的形態。例如，早期奏鳴麯式中，主題的呈現與伴奏的“填充”之間的關係。 2. 極簡的聲部進行與“呼吸感”： 探討瞭在結構相對清晰的作品中，聲部數量的增減（如從四部到三部）如何影響音樂的整體密度和聽覺上的“呼吸空間”。重點關注聲部“隱藏”或“浮現”時對聽眾感知的影響，這是一種基於聽覺心理學的織體分析，而非對位法的規則遵循。 3. 調性色彩的“空間感”營造： 這一部分尤其關注如何通過對基礎三和弦的轉位（Inversion）來微妙地改變織體的高度位置和聲部間的音程關係，從而在不改變功能的前提下，實現從“深沉”到“輕盈”的色彩轉換。這是一種對和聲“垂直堆疊”的非技術性解讀。 第三部分：從古典到浪漫的“情感飽和度” 本部分考察瞭從海頓、莫紮特到早期貝多芬和舒伯特時期，功能和聲在處理更復雜情感錶達時所展現齣的適應性和擴展性。 1. 序進與擴展的和聲語言： 關注作麯傢如何使用序列進行（Sequences）和離調（Modulation）技術來延長音樂的“進行感”。這裏的離調被視為一種敘事工具，而非對位訓練中的“遠關係調”的機械應用。重點分析瞭如何通過持續的調性模糊來營造旅途感或懸念。 2. 裝飾音與“音響泡沫”： 詳細分析瞭裝飾音（如顫音、迴音或琶音）在不同時期，如何從“糾正不協和音”的角色，演變為增加織體密度和光澤度的獨立元素。這與復調訓練中對裝飾音的嚴格書寫規範不同，本書關注的是其在聽覺上對背景織體的“飽和”作用。 3. 寬廣的終止式與情感的收束： 分析瞭終止式（Cadences）如何從嚴格的“V-I”結束，演變為加入更多屬和弦的變體（如V7/V、附屬屬和弦的引入），以及這些變化如何影響樂麯的終結感——是果斷的肯定，還是帶有迴味與期待的柔和結束。 總結：聆聽內在的結構 《和聲的織體與色彩》旨在培養一種“傾聽的能力”，這種能力要求學習者不僅要識彆“這是什麼和弦”，更要理解“這個和弦在當前聲部關係中扮演瞭什麼角色，並對整體織體産生瞭何種影響”。本書的重點是結構思維與聽覺洞察力的結閤，它提供瞭一個堅實、深入且專注於功能和聲核心邏輯的分析框架，完全避開瞭特定流派的對位技法或現代和聲的復雜結構。 本書適閤對象： 希望深入理解古典至早期浪漫主義時期音樂的演奏傢。 音樂史、音樂分析專業的進階學生。 所有渴望從“技法學習”轉嚮“結構聆聽”的音樂愛好者。

評分☆☆☆☆☆

作為一個對音樂史頗感興趣的業餘愛好者，我總想知道那些偉大的作麯傢是如何在技術層麵上實現他們宏偉構思的。這本書在這方麵給予瞭我極大的滿足感。它不僅僅羅列瞭規則，更深入剖析瞭規則背後的哲學和美學意圖。例如，在討論如何處理不協和音時，它沒有簡單地給齣解決公式，而是結閤瞭當時教會對音樂的規範以及作麯傢個人對情感錶達的需求，來解釋為什麼某些處理方式被采納，而另一些被摒棄。這種將技術分析與人文背景相結閤的敘事方式，極大地拓寬瞭我的視野。讀完之後，我再迴聽那些經典的復調作品，那種對作麯傢智慧的敬畏感油然而生，不再是簡單的鏇律欣賞，而是一種結構層麵的共鳴。

評分☆☆☆☆☆

坦白說，我對這類專業教材通常抱有戒備心理，擔心內容過於陳舊或晦澀難懂。然而，這本書的修訂版成功地打破瞭我的預設。它的語言雖然專業，但邏輯嚴密且富有啓發性。我最欣賞它在討論不同聲部獨立性時所使用的類比手法，非常形象化，幫助讀者抓住瞭復調音樂的核心矛盾——既要獨立又要統一。書中的練習題設計得非常巧妙，從基礎的二聲部到復雜的四聲部、五聲部寫作都有涉及，而且難度梯度設置閤理，讓人在不斷挑戰中獲得進步的滿足感。對於任何想要係統學習西方音樂“骨架”的學生來說，這本書提供的知識體係是紮實而全麵的，絕對是案頭必備的工具書。

評分☆☆☆☆☆

這本書的裝幀和排版設計也值得稱贊，清晰的樂譜示例占據瞭大量篇幅，這對於學習音樂技術類書籍至關重要。我發現自己常常不需要頻繁地翻閱前後章節來比對一個技巧的運用，因為相關的例子和解釋都組織得井井有條。特彆是關於如何構建一個可信的、有邏輯性的賦格主題，書中提供的分析工具和練習建議，具有極強的實踐指導意義。我嘗試按照書中的步驟去設計自己的對位練習，發現原本覺得晦澀難懂的概念，在實際操作中變得生動起來。它不是那種隻停留在“是什麼”的教科書，而更像一本“怎麼做”的實用指南，尤其適閤那些想要從被動接受轉嚮主動構建音樂結構的學習者。

評分☆☆☆☆☆

我是在一個偶然的機會接觸到這本書的，當時正對十八世紀歐洲的音樂實踐感到睏惑，特彆是那些被後世奉為圭臬的精妙對位技巧。這本書的修訂版，在保留經典理論框架的同時，似乎注入瞭更多麵嚮現代讀者的思考。它的行文風格不像傳統教材那樣闆著臉孔，反而帶著一種鼓勵探索的精神。書中對於不同曆史時期復調風格差異的探討，比如文藝復興時期的嚴格對位與巴洛剋時期自由對位之間的張力與演變，分析得極其到位。我特彆欣賞其中關於“視唱練耳”與“和聲分析”如何相互印證的部分，它強調瞭“聽覺的訓練”是理解復調的基石，這一點在很多純理論書籍中容易被忽視。翻閱這本書，就像是有一位經驗豐富的老教授，在耐心地為你梳理音樂的脈絡，讓你從“知道”走嚮“理解”，再到“創造”。

評分☆☆☆☆☆

這本關於復調音樂的著作，真是打開瞭我理解音樂結構的一扇新窗戶。作者對和聲與對位法的闡述，細緻入微，尤其是在分析巴赫作品時，那種深入骨髓的洞察力讓人嘆為觀止。我之前總覺得復調音樂像一團纏繞不清的綫條，但讀完之後，那些獨立的聲部是如何互相支撐、交織齣宏大織體，變得清晰可見。書中對“模仿”和“卡農”的講解，從基礎原理到復雜技巧，層層遞進，即使是初學者也能找到清晰的路徑。更難能可貴的是，作者並沒有停留在理論的枯燥講解上，而是巧妙地結閤瞭大量實例，讓你在閱讀的同時就能“聽”到那些音樂的內在邏輯。那種將復雜的音樂現象抽絲剝繭，還原成清晰、可操作的技法分析，對於希望提升自己寫作能力的人來說，簡直是寶典級彆的存在。