音乐美学新论王次昭音乐学院出版社9787810960137 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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王次昭 著

图书标签:

• 音乐美学
• 音乐理论
• 王次昭
• 音乐学院出版社
• 9787810960137
• 美学
• 艺术理论
• 高等教育
• 学术著作
• 音乐研究

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出版社： 中央音乐学院出版社

ISBN：9787810960137

商品编码：29684813770

出版时间：2003-11-30

页数：281

图书基本信息
书名：	音乐美学新论
丛书名：
作者/主编：	王次昭
出版社：	音乐学院出版社
ISBN号：	9787810960137
出版年份：	2003年12月

版次：	第 1 版
总页数：	281页
开本：	16
图书定价：	28元
实际重量：	0.962kg
新旧程度：	正版全新

王次炤，1949年10月16日出生于浙江杭州，1983年毕业于音乐学院并留校任教。1986年任音乐学系音乐美学教研室副主任，1990年任音乐学系副主任、副教授，1992年任音乐学院副院长，主管教学与科研，1994年主持学院行政工作，1995年晋升教授，1998年任音乐学院院长。 　　 
1983年以来，先后在音乐学院开设《音乐美学基础》、《音乐美学》、《中国传统音乐与传统音乐思想》、《音乐与各门艺术比较》、《音乐与文学比较研究》等课程。主要论文有《音乐的结构和功能》、《价值论的音乐美学探讨》、《论音乐传统的多层结构》、《中国传统音乐文化中的人文精神》、《论音乐与文学》等四十余篇；发表音乐学其他各类文章及评论文章一百余篇；出版的著作（译著、文集）、教材有《音乐美学基础》（与张前合著）、《音乐美学》（主编）、《音乐美学新论》、《歌剧艺术的改革者》、《含着眼泪的歌唱》、《音乐家、文艺家、美学家论音乐与各门艺术之比较》（资料集、与他人合编）、《蒙特威尔牧歌》（与常罡合译）等。 　　 
1991年获北京市哲学社会科学中青年成果奖，1992年获北京市教学成果一等奖，1993年获全国教学成果一等奖，1994年获文化部专家称号，1995年获国务院颁发的有突出贡献专家政府特殊津贴，1996年获文化部第三届部属高等艺术学院教材二等奖，1998年获全国普通高校人文社会科学成果三等奖，1998年获国家有突出贡献中青年专家称号。 　　1990年至1998年多次应邀赴日本、香港、、澳门等地讲学和参加学术活动。先后赴奥地利维也纳国立音乐学院、萨尔斯堡音乐学院、格拉兹音乐学院，英国伦敦音乐学院、苏格兰音乐学院、法国巴黎国立高等音乐学院、日本东京艺术大学、京都艺术大学、大阪艺术大学、桐棚音乐大学、东京国立音乐大学、香港大学、香港中文大学、大学、师范大学等数十所音乐、艺术院校及综合大学音乐教育机构考察海外音乐教育。 　　 
现任中国音乐家协会副主席兼理论委员会主任，中国音乐美学学会副会长，肖友梅音乐教育促进会会长，中国学位及研究生教育学会理事，中国民族管弦乐学会常务理事，北京音乐家协会副主席等。

音乐的结构和功能
价值论的音乐美学探讨
略论音乐传统的多层结构
论音乐的感性材料
音乐形式的构成及其存在方式
论音乐性的内容
音乐创作的本质及其过程
论音乐创作过程中的想象
论音乐的表演
关于文学和音乐比较研究的设想
论音乐与文学
音乐与文学的艺术类同性
音乐与文学在媒介材料、表现对象及结构方面之比较
中国传统音乐文化中的人文精神
美善合一的审美观念及其对中国传统音乐实践的影响
论音乐欣赏
物我同一、情景相即的审美情趣对中国传统音乐实践的影响
原版后记

《音乐美学新论》收集了作者自1986年至1996年十年间撰写发表的十五篇论文，分别从结构主义和论的角度、价值哲学的角度，以及比较文学的角度，对有关音乐美学的问题作出研究探讨。

跨越时空的对话：从古希腊到数字时代的音乐哲学探微 导言：聆听无形之境 音乐，作为人类情感最直接、最抽象的载体之一，其美学意蕴与哲学思辨从未停歇。当我们沉浸于巴赫的严谨结构，或陶醉于德彪西的色彩斑斓时，我们所体验的，远不止于声波的物理振动，更是一场深层次的精神对话。本书试图搭建一座桥梁，连接起古老的哲学思辨与当下的音乐实践，探究音乐在不同历史阶段所承载的意义、结构与审美范式。 第一部分：源头活水——音乐哲学的古典基石 音乐美学的思考并非近代才兴起，其根源深植于西方文明的摇篮——古希腊。 一、毕达哥拉斯的宇宙和声与“天体音乐”的想象 本书首先回溯到毕达哥拉斯学派。他们不仅发现了音程的数学比例，更将音乐视为宇宙秩序的体现。“四一度、五度、八度”这些简洁的数字比例，被认为是构建和谐宇宙的蓝图。我们将详细分析“天体音乐”（Musica Universalis）这一概念的形成过程，探讨它如何将听觉经验提升至形而上学的层面，预示着音乐与数理、形而上学之间的深刻联系。这种将音乐视为“可数的秩序”的观念，对后世的音乐结构理论产生了持久的影响。 二、柏拉图的“摹仿论”与精神净化 柏拉图在《理想国》中对音乐的筛选与限定，是理解早期音乐伦理学的关键。他提出的“摹仿论”（Mimesis），认为音乐是对现实世界现象的模仿，而对摹仿对象的选择，直接关系到城邦公民的灵魂塑造。我们将深入剖析柏拉图对特定“音阶”（如利迪亚调式或多里安调式）的道德评判，探讨其背后的政治意图与对情感教育的重视。音乐，在柏拉图看来，是实现“善”的伦理工具。 三、亚里士多德的“情感宣泄”与审美愉悦 与柏拉图的严格规范相对，亚里士多德在《诗学》和《政治学》中提供了更为开放的视角。他强调“净化”（Catharsis）的功能，认为戏剧和音乐能够引导并宣泄观众的负面情绪，从而达到精神上的平衡与健康。本书将对比分析两位巨匠对音乐功用的不同界定，确立早期美学辩论的两个基本支点：秩序与情感。 第二部分：中世纪的圣咏与世俗的张力 从中世纪的修道院到城市的集市，音乐的功能发生了显著的转变。 一、格里高利圣咏的“神圣化” 中世纪早期，音乐主要服务于宗教仪式。格里高利圣咏的单音性、无伴奏性以及对词语清晰度的强调，体现了对“至高者”的专注。本书将探讨中世纪音乐理论如何将“形式”与“意义”紧密捆绑，反对任何可能分散信徒注意力的感官享乐。音乐的本质被定义为对上帝的赞美，其美学价值在于其纯粹性与服从性。 二、早期复调的诞生与“空间感”的引入 随着奥尔加农（Organum）等早期复调形式的出现，音乐结构开始变得复杂。两个或多个独立声部同时进行，这不仅是技术的进步，更带来了全新的听觉体验——音乐的空间感。这种空间感如何影响了听者对“和谐”的感知？我们考察早期对“纯净三度”的抗拒，以及对“不协和音”的审慎运用，这标志着听觉的复杂性开始挑战单一的神圣旨意。 三、世俗音乐的兴起与吟游诗人 同时，宫廷和民间流传的世俗歌曲，如游唱诗人的歌谣，开始关注爱情、英雄事迹和日常叙事。世俗音乐的美学关注点转向了叙事性、可听性和情感的直接表达。这种在神圣与世俗之间拉扯的张力，为后来的文艺复兴音乐的包容性埋下了伏笔。 第三部分：文艺复兴与巴洛克的“情感戏剧化” 从对古典的重新发掘到对强烈情感的表达，音乐美学进入了一个新的高峰期。 一、复兴与人本主义：文本与旋律的统一 文艺复兴时期，人本主义思潮推动了音乐对文本意义的回归。以雅各布斯·奥克冈（Josquin des Prez）为代表的作曲家，致力于使音乐的结构服务于歌词的清晰传达。本书分析了“模仿手法”（Imitatio）的成熟，它不再是简单的重复，而是对主题进行精妙的织体处理，体现出对人类智慧与创造力的赞颂。 二、巴洛克的情感“激情说”与对位法的巅峰 巴洛克时期，美学焦点转向了对强烈、单一情感的戏剧性表达，即“激情说”（Doctrine of the Affections）。巴赫、亨德尔的作品是这一理论的最佳例证。我们细致考察巴赫赋格曲中对位法的精妙布局，探讨其如何通过复杂的结构逻辑来“组织”和“引导”听众的情感体验。装饰音的运用、力度对比的戏剧性，共同构筑了一个充满张力和表现力的音乐世界。 三、歌剧的诞生：视听的综合艺术 歌剧的出现是美学史上的一个里程碑。它试图将诗歌、戏剧、音乐、舞台设计融为一体，探究“美”的多重维度。本书将讨论早期歌剧（如蒙特威尔第的作品）对“文字表情”（Text-Painting）的极致追求，以及咏叹调（Aria）如何成为表达人物内心独白的强大工具。 第四部分：古典主义的清晰秩序与浪漫主义的无限憧憬 从海顿的平衡到瓦格纳的“总体艺术作品”，音乐在结构与自由之间不断摇摆。 一、古典主义的“自然美”与形式的平衡 海顿与莫扎特确立了奏鸣曲式、交响曲等古典体裁的规范。这一时期的美学倾向于追求“清晰、平衡、克制”的“自然美”。本书分析了古典主义时期如何将复杂的情感通过严格的形式框架（如呈示部、再现部）进行有序的组织，展现了一种高度理性的审美趣味。 二、浪漫主义的“无限性”与音乐的语言学转向 随着个体意识的觉醒，浪漫主义音乐（如舒伯特、肖邦）打破了古典的藩篱。音乐开始被视为表达“不可言说之物”的唯一途径。我们将探讨浪漫主义美学对“暗示性”的偏爱，以及李斯特和瓦格纳对“交响诗”和“总体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）的探索，目标是超越传统歌剧和交响乐的界限，实现艺术的完全融合。 结论：步入二十世纪的审美裂变 二十世纪的音乐（如印象派、无调性音乐、序列主义）对传统的和谐、旋律和节奏进行了彻底的颠覆。本书将以简要的篇幅指出，这些看似混乱的探索，实则是对西方音乐美学传统在新的社会语境下，对“美”与“秩序”的重新定义的持续努力。从毕达哥拉斯的数字到十二音体系的等值，音乐哲学的核心追问始终未变：我们如何通过听觉理解世界与自我？ 本书旨在提供一个清晰的脉络，引导读者理解音乐美学思想的演变轨迹，从而在面对任何一首乐曲时，都能进行一次更为深刻和多维度的聆听与思考。

评分☆☆☆☆☆

从装帧和印刷质量来看，出版社对这本书的投入是显而易见的，纸张的触感非常舒服，即便是长时间阅读也不会感到眼睛疲劳。但抛开物质层面，这本书的知识密度和学术野心才是最值得称道的。它展现了一种跨学科的宏大气魄，不仅仅局限于音乐理论本身，还大量引入了心理学、认知科学乃至语言学的视角来佐证观点。举例来说，作者在解释“和声的张力与释放”时，竟然巧妙地引用了叙事学的结构模型，将一段奏鸣曲的展开部比作一个精心设计的戏剧冲突，这视角之新颖，让我拍案叫绝。阅读过程中，我感觉自己就像是在跟随一位经验极其丰富的向导，穿梭在一个结构复杂但又无比壮丽的知识迷宫中。这本书的阅读门槛确实比一般的科普读物要高，它要求读者具备一定的基础乐理常识和对哲学思考的兴趣，但对于那些愿意投入时间和精力的求知者来说，它提供的回报是超乎想象的丰厚。每读完一章，我都需要花时间整理笔记，因为它提供的知识点密度实在太大了，稍不留神就会漏掉一个关键的逻辑跳跃点。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计就给我一种深邃而又充满活力的感觉，那种色彩的搭配和字体选择，仿佛预示着一场跨越时空的音乐思想之旅。我记得我是在一个安静的午后，阳光透过窗户洒在书页上，初次翻开它时，那种墨香混合着纸张特有的气味，让人心神为之一振。它不像那些过于学院派的教科书那样枯燥乏味，而是用一种近乎散文诗般的笔触，引导读者进入音乐的内心世界。作者在阐述那些复杂的理论时，总是能巧妙地穿插一些生活中的小片段或者艺术史上的精彩瞬间，让抽象的概念变得触手可及。特别是关于“听觉体验的建构”那一部分，我读得格外仔细，仿佛作者正在耳边低语，解析着每一次心跳和旋律交织时，大脑中发生的奇妙化学反应。这本书真的成功地将严肃的学术探讨与普通听众的情感共鸣结合了起来，让人读完后，再去听任何一段音乐，都会带着一种全新的、被点亮了的耳朵去感受。它不只是知识的传递，更像是一次心灵的洗礼，让我对“美”的理解提升到了一个新的维度。

评分☆☆☆☆☆

我必须承认，一开始我对这本书抱持着一种审慎的期待，毕竟“新论”这个词往往意味着对既有框架的颠覆，但这种颠覆往往伴随着晦涩难懂的术语堆砌。然而，这本书真正吸引我的地方在于其独特的论证结构。作者似乎遵循着一种螺旋上升的叙事逻辑，从最基础的听觉生理学出发，逐步攀升到宏大的文化哲学层面。每一次的理论推进都建立在前文坚实的基础之上，即便是涉及深奥的现象学分析，作者也能用清晰的逻辑链条将我牢牢锁住，不至于迷失在概念的迷宫里。我特别欣赏其中对于“时间性”在音乐美学中的作用的探讨，那种对瞬间与永恒的辩证思考，让人不禁反思我们是如何度过生命中的每一秒钟，而音乐又如何为这些时间赋予了重量和色彩。这本书的文字密度非常高，我不得不经常停下来，合上书本，走到窗边，让自己的思绪沉淀一下，才能真正消化掉作者抛出的每一个论点。它不是那种可以一口气读完的小说，更像是一坛需要细细品味的陈年老酒，每一次的品尝都有新的回甘。

评分☆☆☆☆☆

这本书最让我感到惊喜的是，它并没有将音乐美学变成一套僵硬的、不可侵犯的教条，而是把它呈现为一个持续演进、充满辩论和可能性的开放场域。作者的语气是谦逊而又坚定的，他提出自己的新见解，但同时也毫不保留地展现了对前人研究成果的尊重和批判性继承。这种平衡感在学术著作中是极其难得的。我特别关注到其中对于“技术进步对音乐感知的影响”的探讨，从留声机到数字流媒体，技术迭代是如何潜移默化地重塑了我们对“完美录音”的定义，进而影响了我们对音乐本体的理解，这部分内容让我深思了很久。它迫使我重新审视自己日常的听歌习惯，思考那些被压缩的音质是否也带走了音乐中本应存在的“呼吸感”。这本书的价值在于，它不仅解释了“美是什么”，更重要的是，它引导我们去思考“我们如何被教导去理解美”，并且鼓励我们重新夺回定义自身审美体验的权利。读完它，我感觉自己不再是一个被动接受声音的容器，而是一个积极参与声音构建过程的思考者。

评分☆☆☆☆☆

这本书带给我的最大震撼，在于它打破了传统美学中对“客观标准”的执着。作者似乎在温柔地鼓励我们，不必过于拘泥于那些历史遗留下来的审美教条，而应该更勇敢地去探索和拥抱个体差异化的聆听经验。书中大量的案例分析，并非只是枯燥地罗列作品名录，而是深入到特定时代背景下，音乐如何回应社会思潮，以及作曲家个体心理如何投射到音符之中的过程。我尤其喜欢其中关于“沉默的意义”的章节，在那个篇幅里，作者成功地将“无声”提升到了与“有声”同等重要的哲学地位。这让我回想起有一次在音乐厅里，当最后的一个音符消散后，那短暂却又仿佛永恒的寂静，原来那片刻的空无，才是音乐真正完成闭环的关键。这本书教会我，聆听不仅仅是接收声音，更是一种主动的、充满创造性的行为。它极大地解放了我的审美态度，让我敢于承认自己对某些传统上被推崇的作品的疏离感，同时也让我更深地爱上那些曾经被我忽略的、更贴近我内心深处的旋律。