柴可夫斯基曲四季作品37bis钱仁康编注上海音乐出版社正版书9787806670569 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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柴科夫斯基，钱仁康 著

图书标签:

• 柴可夫斯基
• 四季
• 作品37bis
• 钱仁康
• 编注
• 上海音乐出版社
• 钢琴曲
• 乐谱
• 古典音乐
• 俄罗斯音乐

店铺： 佳期如梦图书专营店

出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787806670569

商品编码：29684813973

页数：69

图书基本信息
书名：	柴可夫斯基曲 四季
出版社：	上海音乐出版社
ISBN号：	9787806670569
出版年份：	2002年4月

版次：	第1版
总页数：	69页
开本：	1/16
图书定价：	28.00元
实际重量：	220 g
新旧程度：	正版全新

 

《柴科夫斯基曲:四季》作者是十九世纪伟大的俄罗斯作曲家、音乐教育家，被誉为伟大的俄罗斯音乐大师。他的音乐是俄罗斯文化在艺术领域内的 成就之一。其风格直接和间接地影响了很多后来者。 

前言 一月：炉边 二月：狂欢节 三月：云雀之歌 四月：松雪草 五月：五月之歌 六月：船歌 七月：刈者之歌 八月：收获 九月： 十月：秋之歌 十一月：三驾马车 十二月：圣诞欢歌 《四季》曲式结构一览表

世界钢琴文献中的珍品、柴科夫斯基根据普希金等人诗作而写的脍炙人口的《四季》，十二支玲珑小曲，描绘十二个月的时令气节，《云雀》、《船歌》、《狂欢节》、《狞猎》、《雪橇》、《秋之歌》……曲曲精妙，月月出彩，演绎出浓郁俄罗斯风情。《柴科夫斯：四季》版《四季》为文、谱彩图版。 

音乐的四季流转：贝多芬钢琴奏鸣曲全集（某某出版社版） 一部跨越时空的音乐史诗，一次对人类情感的深度探索 丛书导语： 音乐，是人类精神世界最直接的语言。在西方古典音乐的浩瀚星河中，路德维希·凡·贝多芬无疑是最耀眼、最不容忽视的巨星之一。他以其革命性的创作手法和深刻的人文关怀，彻底改变了奏鸣曲这一体裁的面貌，使其从宫廷的娱乐品升华为对个体命运、社会变革乃至宇宙哲思的庄严宣告。本套《贝多芬钢琴奏鸣曲全集》，精选了钢琴文献中最具里程碑意义的三十五部奏鸣曲（含早期习作及增补作品），旨在为学习者、演奏家和所有热爱古典音乐的听众，提供一套权威、严谨且富有启发性的演奏与研究文本。 本套版本的特点在于，我们不仅注重乐谱的准确性与清晰度，更致力于通过详尽的演奏提示、历史背景阐述以及对乐曲结构的深度剖析，帮助读者跨越时空的界限，真正理解贝多芬在创作这些不朽杰作时所处的时代氛围与内心挣扎。 --- 第一卷：早期探索与古典主义的巅峰（1782-1798） 作品概述： 本卷收录了贝多芬早期创作的钢琴奏鸣曲，主要涵盖了从他还在波恩时期（约1782年开始）到定居维也纳初期（约1795年）的作品。此时的贝多芬深受海顿和莫扎特的影响，他的音乐语言在严格的古典主义框架内进行着大胆而富有创造性的尝试。 主要内容聚焦： 习作与早期风格的奠定： 我们收录了最早的几部奏鸣曲（如WoO 47三部曲的片段性引用或其早期风格的体现），这些作品虽然尚显稚嫩，但已展现出贝多芬日后标志性的力度对比和强烈的戏剧性动机。 维也纳初期的成熟（Op. 2至Op. 10）： 这一阶段的作品标志着贝多芬作为钢琴家和作曲家在维也纳的正式亮相。《C大调第一奏鸣曲，Op. 2 No. 1》和《A大调第三奏鸣曲，Op. 2 No. 3》以其精湛的技巧要求和清晰的结构布局，确立了他在“新星”中的地位。 情感的深度与冲突的初现： 著名的《c小调第八奏鸣曲“悲怆”》（Op. 13）是本卷的重中之重。我们详细分析了其引子部分如何打破了奏鸣曲传统，以及其深刻的悲剧性旋律如何预示着浪漫主义的来临。此外，《f小调第七奏鸣曲，Op. 10 No. 1》中那种突如其来的力度变化和情绪转换，也展现了作曲家对个体内心冲突的敏锐捕捉。 技术难点的解析： 本卷的演奏提示着重于如何平衡古典主义的清晰度与贝多芬日益增长的激情表达。例如，如何处理Op. 2中快速音阶的均匀度，以及在慢乐章中如何保持歌唱性而非仅仅停留在机械的重复。 编注特色： 本卷的乐谱校对严格参照了早期手稿和初版（如Artaria版），并特别对踏板使用作了历史性的考证与建议。我们避免了后世添加的过多浪漫派式样标注，力求还原贝多芬时代演奏实践的可能面貌。 --- 第二卷：英雄的赞歌与中期的辉煌（1799-1809） 作品概述： 中期是贝多芬艺术生命力最旺盛的时期，也是他个人生活遭遇耳聋危机，同时政治上受到法国大革命和拿破仑战争深刻影响的阶段。这一时期的奏鸣曲篇幅宏大、结构复杂，充满了英雄主义、抗争精神以及对崇高理想的追求，被誉为“英雄时代”的音乐宣言。 主要内容聚焦： “热情”与“革命”的碰撞（Op. 27, Op. 31）： 《c小调第四奏鸣曲，Op. 27 No. 1》（带有“幻想曲”意味的奏鸣曲）展示了贝多芬对曲式传统的解构。而《f小调第二十六奏鸣曲“告别”》（Op. 81a）则成为这一时期最清晰的“叙事”作品之一。本卷将深入解析“告别”三乐章中描绘的场景与情感转变的对应关系。 《d小调第十七奏鸣曲“暴风雨”》（Op. 31 No. 2）： 本曲被认为是贝多芬创作中“谜团”的代表。我们收录了关于此曲意境的多种历史解读，并着重分析其引子部分的德语术语“Largo—Allegro”，如何预示了后世音乐家对“自由形式”的探索。 与交响曲并肩的宏大（Op. 53, Op. 57）： 《C大调第二十一奏鸣曲“瓦尔德斯坦”》（Op. 53）以其令人炫目的速度和音域的扩展，挑战了钢琴演奏的极限；而《f小调第二十三奏鸣曲“热情”》（Op. 57）则以其近乎狂热的情感强度和单一的戏剧冲突贯穿全曲，是浪漫主义精神的先声。 演奏策略的调整： 中期奏鸣曲要求演奏者具备更强大的体力和更成熟的音乐处理能力。本卷详尽指导如何处理Op. 53中跨越八度的和弦连接，以及Op. 57中持续不断的高强度节奏驱动力，并探讨如何通过乐句的呼吸感来避免音乐的僵硬化。 编注特色： 本卷对比了不同时期指挥家和钢琴大师对这些“英雄”奏鸣曲的演奏版本，并特别标注了贝多芬在后期修订中加入的关键力度变化，以体现其创作思想的演进。 --- 第三卷：晚期沉思与哲学的回归（1810-1827） 作品概述： 贝多芬晚期的钢琴奏鸣曲（Op. 101至Op. 111）是其艺术成就的最高峰，也是古典音乐史上最深邃、最难以捉摸的精神遗嘱。此时的贝多芬几乎完全退出了公众视野，他的音乐不再迎合听众，而是转向对宇宙秩序、宗教冥想以及个体灵魂救赎的终极探讨。这些作品在结构、和声乃至对位法的运用上，都远远超出了同时代人的理解范畴。 主要内容聚焦： 观念的转变（Op. 101, Op. 106）： 《A大调第三十奏鸣曲，Op. 101》首次在奏鸣曲中融入了德文的速度标记，暗示了其强烈的个人化色彩。而巨作《降B大调第三十一奏鸣曲“槌子键”》（Op. 106），以其复杂的多乐章结构和深刻的赋格段落，展现了贝多芬对巴赫传统的继承与超越。 最后的告白：《c小调第三十二奏鸣曲》（Op. 111）： 本卷将用最大的篇幅解析这部“终结之作”。第一乐章的激烈冲突与第二乐章充满灵性的变奏曲（Arietta）形成了鲜明的对比。Arietta中那近乎玄学的、不断向上提升的音型，被视为贝多芬在肉体痛苦中对永恒之美的最终捕捉。我们探讨了其中三连音节奏的细微变化如何营造出一种“时间停止”的宗教体验。 对位法的复兴与革新： 晚期作品中大量运用赋格和复杂的对位技巧，并非简单的复古，而是将这些古老技法融入到严格的奏鸣曲结构中，用以表达更抽象、更形而上的主题。 演奏与研究价值： 演奏晚期奏鸣曲需要演奏者具备极高的精神自律性和对和声语言的深刻洞察力。本卷提供了针对Op. 111中踏板使用时机和触键的细致分析，强调“透明度”而非“力度”，旨在引导演奏者进入贝多芬内心最宁静也最激烈的交汇点。 结论： 本套《贝多芬钢琴奏鸣曲全集》，不仅是一套实用的乐谱，更是一份深入贝多芬思想世界的导览图。通过对这三十五部作品的系统梳理，读者将能完整体验一位音乐巨匠如何从古典的规范中挣脱，最终用钢琴这一媒介，宣告了个体精神的自由与不朽。学习和演奏这些作品，是对人类艺术遗产最真挚的致敬。

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说起音乐教育的经典教材，我就想到那些关于曲式分析的论著。它们提供了一种框架，帮助我们将浩瀚的音乐海洋进行有逻辑的分类和理解。比如，如何清晰地分辨出奏鸣曲式的呈示部、发展部和再现部，以及它们各自承载的戏剧功能。这种分析能力，对于理解古典主义作曲家如莫扎特和海顿的精妙结构至关重要。他们的音乐，乍听之下似乎简单流畅，但一旦深入到乐句的布局、主题的变奏和和声的驱动力层面，就会发现其中蕴含的巨大智慧。我最近正在对比研究不同时期作曲家对同一曲式的处理方式，比如古典主义时期的严谨与后浪漫主义时期对曲式结构的极大自由化之间的差异。这种对比性的学习，能让人更深刻地体会到音乐语言是如何随着时代和思想的演进而变化的。拿到任何一本讲解古典曲式的书，我都会试着用最少的分析术语，去向一个从未接触过古典音乐的人解释清楚为什么某一段音乐听起来“恰到好处”，这本身就是一种挑战和乐趣。

评分☆☆☆☆☆

我前段时间花了很多时间去听和研究德彪西的钢琴前奏曲，特别是那些充满印象派色彩的作品。他对于音色本身的迷恋达到了一个前所未有的高度，那种模糊的、水墨画般的和声进行，简直是打破了传统调性的束缚。你听那些《大教堂在雨中》或者《亚麻色头发的少女》，它们不是在讲述一个具体的故事，而是在描绘一种瞬间的、转瞬即逝的心境和光影变化。这种对“氛围”的营造，与贝多芬晚期那种坚毅、明确的意志表达，形成了巨大的鸿沟。我常常在想，如果一个作曲家把所有的精力都放在探索声音的“质地”上，是否会牺牲叙事性？然而德彪西证明了，氛围本身也可以成为最深刻的叙事。现在我正在阅读一些关于20世纪和声学的书籍，试图理解德彪西是如何在不完全脱离传统框架的情况下，开辟出那条通往现代音乐的大门的。这种对音乐边界的探索精神，总是让人心潮澎湃，也让我对手头任何一本传统的乐谱都抱持着一种审视的态度。

评分☆☆☆☆☆

最近在研究肖邦的练习曲，尤其是那些技术难度极高的作品。他的音乐虽然充满了浪漫的抒情，但其技术要求之苛刻，几乎可以媲美任何一首炫技作品。我发现，很多演奏者在处理这些曲目时，往往会陷入技术堆砌的误区，而忽略了肖邦音乐中那种潜藏的波兰民族气质和内在的悲剧感。那些快速的琶音和复杂的双手交错，绝不仅仅是为了展示指法的敏捷，它们是情感冲击的外化形式。我最近在阅读一本关于钢琴演奏技巧的书籍，里面详细分析了如何通过不同的触键力度和速度控制，来区分“炫技”和“歌唱性”。比如，在某些段落，你需要用手臂的力量去支撑宏大的和弦，而在另一些需要极度细腻的旋律线条时，又必须完全依赖手指的独立性。这种对身体和音乐的精妙结合，是浪漫主义音乐家留给后世最宝贵的财富之一。手头拿着的任何一本乐谱，在经过这样的分析后，都仿佛被赋予了新的生命和更深的层次。

评分☆☆☆☆☆

最近沉迷于巴赫的《平均律键盘曲集》的演奏研究，那种结构上的严谨和逻辑上的无懈可击，简直是音乐建筑学的典范。每一个赋格的展开、每一个声部的独立叙事，都体现了一种近乎数学般的美感。当我手指在键盘上摸索那些复杂的对位线条时，我常常会思考，这种对“秩序”的极致追求，与那些强调情感自由奔放的作曲家的创作理念，究竟是怎样一种关系？比如，肖邦的夜曲，那种自由的、即兴的旋律处理，与巴赫的精确性形成了鲜明的反差，但它们都在各自的领域内达到了艺术的顶峰。我正在尝试将巴赫的某些清晰的织体概念，应用到我对浪漫主义作品的处理上，试图在狂热的情感表达之下，挖掘出隐藏在结构深处的骨架，让演奏听起来既有激情又不失清醒。这样的练习过程，让我对音乐的理解更加立体了，不再仅仅是感性的接收，更是一种理性的建构。手里拿着的那些乐理书籍，此刻都像是通往更深层次理解的地图，指引着我如何去真正“雕刻”出声音的形态。

评分☆☆☆☆☆

这本钢琴曲集，虽然我手里拿的不是它，但我最近在研究一位与柴可夫斯基同属俄罗斯浪漫主义时期的作曲家，斯克里亚宾。他的音乐里那种对色彩和情绪的极度敏感，那种不断向更高精神境界攀升的渴望，简直让人着迷。尤其是他晚期的奏鸣曲，简直就是通往宇宙奥秘的钥匙，和声的构建方式前所未有，充满了神秘主义的色彩。阅读那些关于他生平和创作理念的评论时，我常常会联想到，如果柴可夫斯基生活在那个更晚的时代，他的交响诗或者芭蕾舞剧会不会也朝着那种更内省、更形而上的方向发展？毕竟，柴翁的旋律天赋是毋庸置疑的，但其作品中蕴含的戏剧张力与深刻的内心挣扎，与斯克里亚宾那种纯粹的“神圣之光”追求，又形成了有趣的对照。我特别喜欢看那些分析他如何运用对位法来支撑宏大结构的研究，即便只是在脑海中想象，那种音乐的逻辑和情感的喷薄而出的结合，都让人感到震撼。手里拿着其他音乐资料时，总会时不时地被某种特定的和弦走向牵引，让我忍不住想回到那些经典旋律中，去寻找音乐家是如何平衡形式与激情的。