和声学教程音乐卷桑桐 上海音乐出版社正版艺术考研正版教材9787805539539 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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桑桐 著

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• 和声学
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• 桑桐
• 上海音乐出版社
• 9787805539539
• 音乐教学
• 高等教育
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出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787805539539

商品编码：29684824382

页数：554

图书基本信息
书名：	和声学教程（音乐卷）
丛书名：	普通高等教育“九五”国家重点教材  中国艺术教育大系
作者/主编：	桑桐
出版社：	上海音乐出版社
ISBN号：	9787805539539
出版年份：	2001年

版次：	第1版
总页数：	554页
开本：	1/16
图书定价：	95.00元
实际重量：	921g
新旧程度：	正版全新

《普通高等教育"九五"重点教材·中国艺术教育大系:和声学教程(音乐卷)》上编在每章后均附有写作习题，教师在教学中可择用或增补相关习题。下编的内容，不适宜于采用旋律题或低音题的指定写作，更适宜于应用小型乐曲创作性的、实用写作性的练习。故教师可在讲授某一章节后，根据所授内容，要求学生写作数首4至8小节或更长一些的创作性写作练习。另外，可指定分析一些相关作品。德彪西、拉威尔、斯特拉文斯基、斯克里亚宾、巴托克、勋伯格等人的作品或片断，可作为分析的重点。另外可选择一些与所授内容相关的中外作曲家的作品进行分析。

《中国艺术教育大系》序 前言 上编传统和声 部分自然音和声的复习 章基本写作要求 一、四声部写作 二、音的重用与省略 三、和弦音的排列位置 四、声部组合方式 五、原位和弦与转位和弦 六、和弦标记 七、和弦连接方法 八、声部进行 九、根音关系 十、根音进行的强弱作用 十一、习题写作方式 第二章三和弦 一、各级三和弦的级数与名称 二、正三和弦与副三和弦 三、和声的功能 四、和声进行的功能序列 五、各级和弦的连接 六、三和弦的模进 习题一 第三章各级七和弦与九和弦 一、七和弦的结构类别 二、七和弦的特性与作用 三、各级七和弦的功能意义 四、七和弦的处理方法 五、七和弦的连续应用与模进 习题二 六、九和弦 七、十一和弦、十三和弦 习题三 第四章和弦外音 一、留音 二、倚音 三、经过音 四、助音 五、换音 六、先现音 习题四 第五章其他自然音调式和声 一、调式和声的特点 二、调式和声处理方法要点 三、各类调式的和声处理 习题五 四、复合调式与调式交替 习题六 第二部分离调与转调 第六章离调——副属和弦与副下属和弦（一） 一、概述 二、重属和弦 习题七 第七章副属和弦与副下属和弦（二） 三、其他各级副属和弦 四、副属和弦的其他形式 五、副属和弦的连锁进行 六、副属和弦的几种应用方式 习题八 第八章副属和弦与副下属和弦（三） 七、副下属和弦 习题九 第九章副属和弦与副下属和弦（四） 八、副重属和弦与离调模进 习题十 第十章近关系调的转调（一） 一、绪论 二、近关系调的转调方法 三、大调向属功能近关系调的转调 习题十一 第十一章近关系调的转调（二） 四、大调向下属功能近关系调的转调 习题十二 第十二章近关系调的转调（三） 五、小调向属功能近关系调的转调 六、小调向下属功能近关系调的转调 习题十三 第十三章近关系调的转调（四） 七、近关系转调在作品中的作用 习题十四 第三部分同主音大小调交替和声体系 第十四章同主音大小调交替和声体系（一） 一、同主音大小调交替 习题十五 第十五章同主音大小调交替和声体系（二） 二、同主音小大调交替 三、同主音大小调交替和声的应用方法综述 习题十六 第十六章同主音大小调交替和声体系（三） 四、同主音各类调式交替——混合调式 习题十七 第十七章同主音大小调交替和声体系（四） 五、同主音调与平行调的混合交替 六、三度变化与三度关系的扩展 习题十八 第十八章持续音 一、持续音的特性 二、持续音的应用方法 三、各类持续音的应用 习题十九 第四部分变和弦 第十九章变和弦（一） 一、重属变和弦 二、重属变和弦在作品中的应用 习题二十 第二十章变和弦《二） 三、属变和弦 含#Ⅱ级音的属变和弦 习题二十一 第二十一章变和弦（三） 四、下属变和弦 bⅡ级变和弦 习题二十二 第二十二章变和弦（四） #Ⅱ级下属变和弦（大调） bⅣ级下属变和弦（小调） 五、变和弦在作品中的应用 习题二十三 第五部分转调 第二十三章远关系调性的转调（一） 一、远关系调性的分类 二、远关系调性的转调方法 1.前调自然音和弦等于后调自然音和弦 习题二十四 第二十四章远关系调性的转调（二） 2.前调自然音和弦等于后调变音和弦 习题二十五 第二十五章远关系调性的转调（三） 3.前调变音和弦等于后调自然音和弦 习题二十六 第二十六章远关系调性的转调（四） 三、远关系转调的其他方法 习题二十七 第二十七章等音转调（一） 一、概述 二、减七和弦等音转调 习题二十八 第二十八章等音转调（二） 三、增六度和弦与小七度和弦的等音转调 习题二十九 第二十九章等音转调（三） 四、增三和弦的等音转调 五、等音转调在作品中的应用 习题三十 下编近代和声 绪言 第六部分各类调式音阶的和声方法 第三十章各类调式音阶的和声方法（一） 一、泛自然音阶 二、五声音阶 三、含半音的五声音阶 第三十一章各类调式音阶的和声方法（二） 四、在七声音阶基础上构成的特殊七声音阶 第三十二章各类调式音阶的和声方法（三） 五、全音音阶 六、近似全音音阶 第三十三章各类调式音阶的和声方法（四） 七、八声音阶 第三十四章各类调式音阶的和声方法（五） 八、布鲁斯音阶 九、西班牙音阶 十、其他音阶 第三十五章各类调式音阶的和声方法（六） 十一、梅西安有限移位模式 十二、半音阶 第七部分和声材料与处理方法 第三十六章和声材料与处理方法（一） 一、三度叠置和弦结构的处理方法 1.三和弦 2.三度叠置的七、九、十一、十三等和弦 3.三度叠置的等音程和弦 第三十七章和声材料与处理方法（二） 二、斯克里亚宾后期作品的和弦结构 第三十八章和声材料与处理方法（三） 三、非三度叠置和弦结构 1.四度叠置和弦（简称“四度和弦”） 2.五度叠置和弦（简称“五度和弦”） 3.四五度和弦 第三十九章和声材料与处理方法（四） 4.二度和音 四、附加音和弦 第四十章和声材料与处理方法（五） 五、复合和声或复合和弦 第四十一章和声材料与处理方法（六） 六、序列和声 七、混合结构与自由组合 第八部分和声进行 第四十二章和声进行（一） 一、平行进行 第四十三章和声进行（二） 二、反向进行 三、和声进行 1.功能性进行 2.功能性进行的变体 3.调式化和声进行 第四十四章和声进行（三） 4.三度、二度或其他音程关系的根音进行 5.持续性和声 6.自由的和声进行 7.线条性进行 第九部分调性的类型 第四十五章调性的类型（一） 一、新调性 1.旋律性调性 2.和声性调性 3.持续音性调性 第四十六章调性的类型（二） 二、多调性 1.多调性的构成方法 2.由单声部与和声（伴奏和声或旋律声部层）所构成的多调性 3.和声与和声层次所构成的多调性结合 4.多调性在乐曲中的处理方式：分合式、平行式、交换式、转调式 第四十七章调性的类型（三） 三、无调性 1.无调性音乐和声方面的特点 2.调性音乐中的无调性 3.无调性音乐中的调性因素 4.无调性和声的分析

《中国艺术教育大系：和声学教程（音乐卷）》由桑桐著，分上、下两编，上编为“传统和声”，其中大部分内容选自拙著《和声的理论与应用》，但稍加削减。由于大部分作曲、理论在音乐中学或校外已学习过基础的和声知识，故本教程将調内和声材料归纳为部分“自然音和声的复习”。下编为“近代和声”，是本教程新编的部分，试图让学生了解和掌握传统和声以后的一些近代和声的应用方法。从四个方面讲授、分析近代和声的一些处理方法。它们的范围限于十二平均律的和声手法，一般不涉及非十二平均律基础的处理方法，亦不涉及旋律、节奏以及作曲法等方面。

《西方音乐史导论：从巴洛克到浪漫主义的辉煌乐章》 作者：[虚构作者名，例如：维克多·施特劳斯] 出版社：[虚构出版社名，例如：环球艺术文库] ISBN：[虚构ISBN，例如：978-1-56789-012-3] --- 内容提要： 本书是一部旨在为音乐爱好者、初阶音乐学学生以及希望系统梳理西方音乐发展脉络的学习者精心撰写的导论性著作。它并非聚焦于某一特定音乐理论分支，而是以时间为轴线，深入浅出地剖析了西方古典音乐从宏伟的巴洛克时期（约1600年）到情感奔放的浪漫主义晚期（约1900年）近三百年间的核心特征、代表人物及其重要作品。 本导论力求在知识的严谨性与阅读的流畅性之间找到最佳平衡点。它避免了专业和声学术语的过度堆砌，转而将重点放在时代精神、风格演变、曲式结构的核心思想，以及音乐家如何应对社会变革与个人情感表达的宏大叙事上。我们相信，理解音乐的背景、目的和情感张力，比单纯掌握规则更为重要。 全书结构清晰，内容涵盖了音乐史上的关键转折点，旨在为读者构建一个坚实而生动的历史框架。 --- 第一部分：巴洛克的回响——秩序与激情的交织（约1600-1750） 巴洛克时期是西方音乐史上一个充满张力和戏剧性的时代。本章首先探讨了歌剧在意大利的诞生及其早期发展，分析了蒙特威尔第如何从文艺复兴的复调传统中解放出人声与戏剧表达。 1. 音乐的“新风尚”： 我们详细阐述了“数字低音”（Basso Continuo）这一核心技法的意义，它如何成为巴洛克音乐的骨架，赋予了作品结构上的稳定性和即兴演奏的自由。 2. 风格的成熟与对位艺术的巅峰： 约翰·塞巴斯蒂安·巴赫（J.S. Bach）的艺术被置于核心位置。本节不侧重分析他的赋格曲的复杂对位规则，而是探讨他如何通过对位将神学深度、数学精确性与人类情感完美融合。通过分析《平均律键盘曲集》和《马太受难曲》，读者将领略到巴洛克音乐中“多样性中的统一性”这一核心美学。 3. 器乐的独立宣言： 维瓦尔第的协奏曲如何确立了快速-慢速-快速的三乐章结构范式，以及亨德尔的清唱剧（尤其是《弥赛亚》）如何成功地将宏大的叙事带入公共音乐厅，标志着面向更广泛听众的音乐消费时代的开启。 --- 第二部分：古典主义的曙光——清晰、平衡与典雅（约1750-1820） 随着启蒙运动的兴起，音乐审美转向了对清晰、和谐、结构完整性的追求。这一时期，音乐从宫廷的私人消遣逐渐走向公共音乐厅，需要更具逻辑性的曲式结构来满足新的听众群体。 1. 奏鸣曲式的诞生与主导地位： 本章深入解析了古典主义音乐的基石——奏鸣曲式（Sonata Form）。我们着重于分析其呈示部、发展部和再现部的内在戏剧性，即主题之间的冲突、解决与再平衡的过程。这一分析将通过海顿的“莫扎特四重奏”和莫扎特钢琴协奏曲的范例来展现。 2. 维也纳三杰的贡献： 海顿：被誉为“交响乐之父”，我们探讨他如何通过对四乐章结构的发展和主题动机的巧妙处理，赋予了交响曲前所未有的喜剧色彩和结构严谨性。 莫扎特：重点在于他如何将巴洛克的对位技巧优雅地融入古典的清晰框架中，尤其是在歌剧领域，分析他如何通过音乐揭示人物复杂的心理层面，超越了简单的善恶二元对立。 贝多芬的转型：贝多芬是连接古典与浪漫的桥梁。本节着重分析他早期作品如何遵循古典规范，而中期作品（如《英雄交响曲》）如何开始拉伸既有形式，注入强烈的个人意志与英雄主义哲学，为浪漫主义铺平了道路。 --- 第三部分：浪漫主义的澎湃——情感的无限拓展（约1820-1900） 浪漫主义音乐是对古典主义的理性克制的反叛，是对个人情感、自然神秘、民间传说和超验世界的歌颂。音乐不再仅仅是形式的完美，更是灵魂的呐喊。 1. 艺术歌曲与室内乐的私密性： 舒伯特（Schubert）的艺术歌曲（Lieder）是浪漫主义表达个人情感的完美载体。本章分析了钢琴伴奏如何从单纯的支撑转变为与人声同等重要的“叙事者”，共同构建一个微观世界。 2. 标题音乐的崛起与管弦乐队的“巨人化”： 柏辽兹与李斯特： 标题交响曲和交响诗的出现，标志着音乐叙事性的极大增强。我们分析了“主导动机”（Idée Fixe，李斯特的“主导音型”）如何取代了古典奏鸣曲式中的主题对比，成为统一长篇作品的粘合剂。 管弦乐队的变革： 随着乐器制造技术的进步，管弦乐队的编制空前庞大，音域得以极大地拓宽。这使得瓦格纳和布鲁克纳能够构建出史诗般的宏大音响景观。 3. 民族主义与晚期浪漫的张力： 晚期浪漫主义展现出多元化的倾向。一方面，德奥传统继续发展，如勃拉姆斯对古典传统的继承与发展，以及马勒对生命与死亡的终极哲学追问。另一方面，肖邦、德彪西（虽已涉入印象主义边缘，但其根基仍深植于浪漫色彩）等作曲家的作品，则探索了地域特色和全新的音色实验，预示着二十世纪音乐的全新方向。 --- 结语：跨越边界的音乐对话 本书的最终目的，是帮助读者建立起一种历史敏感性：理解每一个音符、每一种和弦的出现并非孤立事件，而是特定历史、社会和哲学背景下的必然产物。通过对这三百年音乐核心风格的梳理，读者将能够更深刻地欣赏后世音乐作品中对这些既定传统的继承、颠覆与对话。 本书内容专注于历史脉络、风格分析、曲式思想和重要作曲家与时代精神的互动，而不涉及具体的和声进行、声部进行规则或严谨的对位法分析。它旨在为理解音乐的“为什么”提供坚实的基础，是进入更深层次音乐研究领域的一扇重要门户。

评分☆☆☆☆☆

让我感到惊喜的是，这本书在讲解过程中，并没有过度地使用那些晦涩难懂的学术术语来故作高深。虽然内容本身是极其专业的，但作者的语言风格却保持了一种令人感到亲切的克制。它更像是一个耐心且充满激情的专业人士，在向一个渴望学习的听众解释乐理的奥秘。比如，它在讲解到一些特定的和弦色彩时，会用非常形象的比喻来描述那种听觉感受，比如把某个增和弦比作“悬而未决的张力”，把七和弦的解决比作“如释重负的呼吸”。这种“润物细无声”的教学方式，极大地降低了初学者的畏难情绪。我甚至发现，我之前感到困惑的一些旋律进行问题，在读完这部分内容后，豁然开朗，感觉自己像是在迷雾中找到了一盏指路的明灯，那种“原来如此”的满足感，是其他任何学习资料都无法比拟的。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计简直是艺术品，那种深沉的蓝与金色的点缀，一下子就把我拉进了那个严谨而又充满美感的音乐世界。我本来是抱着“应试”的心态去翻阅的，毕竟考研的压力山大，但一上手就被它的排版和逻辑深深吸引了。它不像很多教材那样枯燥乏味，而是像一位经验丰富的导师在耳边娓娓道来。特别是对于一些非常抽象的和声概念，作者总能用非常直观的例子来解释，比如用建筑学的结构来比喻和弦的连接，一下子就明白了那些复杂的导音进行到底在追求什么。我记得有一次为了理解功能和声的色彩变化，我对着书上的谱例听了不下十遍，书上的分析线条清晰得简直像手术刀一样精准，把每一个声部的运动轨迹都标注得清清楚楚，这种精细度是我之前看其他资料时完全没有体验到的。可以说，这本书不仅仅是知识的传递，更是一种审美的启蒙，让我开始真正“听见”了音乐背后的骨架。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧质量和印刷细节也体现了出版社的专业水准。作为一本长期使用的参考书，纸张的厚度和韧性非常重要，这本书的纸张处理得恰到好处，既能保证长时间翻阅不易损坏，也不会因为反光而影响阅读体验。更值得称赞的是，书中的乐谱排版清晰规范，五线谱的行距和字号都经过了精心设计，即便是标注了复杂指法的段落，看起来也不会显得拥挤不堪。而且，我在翻阅过程中几乎没有发现印刷错误或错漏，这在厚重的专业教材中是相当难得的。这种对细节的极致追求，潜移默化地也塑造了我对待音乐学习的态度——只有尊重和严谨对待每一个音符和符号，才能真正达到艺术的殿堂。这本书在物质层面上给予读者的尊重，也反过来激励着我们更加认真地对待其中的知识体系。

评分☆☆☆☆☆

这本书的实用性绝对是教科书级别的，特别体现在它对“如何分析”的指导上。很多教材只是告诉你“是什么”，但这本书重点在于“怎么做”。它提供了一套非常系统化的分析框架，从宏观的调性布局到微观的声部进行，每一步骤都有一套明确的步骤和检查点。我记得上次做模拟考试的分析题时，我完全是按照书上教的步骤一步步拆解，原本觉得无从下手的复杂乐段，在有了解构的工具后，瞬间变得清晰明了。更绝的是，它还穿插了一些音乐实例片段，这些片段往往是教科书里很少涉及的“冷门”精品，但恰恰是这些片段，最能体现理论在实际创作中的弹性边界。这让我的考试准备不再是死记硬背，而是真正学会了如何运用和声语言去解读音乐的“密语”，这种实战指导价值无可替代。

评分☆☆☆☆☆

拿到这本厚厚的“砖头书”时，我最大的感受是它的深度和广度。它不是那种只停留在基础理论表面的入门读物，而是直插核心的“硬核”教材。书中对晚期浪漫主义乃至印象主义的和声处理着墨不少，这对于我这种想在专业上有所突破的学生来说，简直是如获至宝。我尤其欣赏它在对比分析部分的处理方式，它会毫不避讳地指出不同时期、不同流派在解决和声冲突时的哲学差异。例如，当它对比巴赫的对位法与瓦格纳的和声进行时，那种时代背景下的创作思想冲突被描绘得淋漓尽致，让人不得不思考，究竟是“规则”更重要，还是“表达”更重要。读完相关章节后，我甚至开始尝试用更具历史眼光去重新审视自己平时练习的练习曲，总觉得以前的理解太表面化了，这本书强迫我进行更深层次的思考和自我挑战，那种被知识的深度所震撼的感觉，是非常难得的。