现货曲式学基础教程谢功成编著人民音乐出版社正版课本9787103016121 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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谢功成 著

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出版社： 人民音乐出版社

ISBN：9787103016121

商品编码：29684824788

页数：357

图书基本信息 书名：   曲式学基础教程 丛书名：   音乐自学丛书·作曲卷 出版社：   人民音乐出版社 ISBN号：   9787103016121 出版年份：   1998年1月 版次：   第1版 总页数：   357页 开本：   1/32 图书定价：   25.00元 实际重量：   320 g 新旧程度：  正版全新

《音乐自学丛书·作曲卷:曲式学基础教程》既有一定的理论深度，又通俗易读。除作为音乐函授大学以及卫星电视大学音乐理论作曲学科的教材外，亦可作为音乐院校和音乐范院校师生的辅导教材和参考书。 

章绪论 1—1关于“曲式”的概念 1—2关于内容与形式 1—3关于曲式与风格 1—4方传统曲式与现代音乐及我国传统音乐 1—5关于曲式与体裁 1—6关于曲式学与其他作曲技术理论的关系 1—7关于学习方法 第二章乐段（一） 2—2“乐段”的概念 2—2乐段的细部结构 2—3重复、变奏、模进、再现 2—4乐汇与动机 2—5乐汇的构成 2—6动机的运用 2—7乐节与乐句 第三章乐段（二） 3—1句方正型乐段——重复型 3—2句方正型乐段——延伸型与对比型 3—3两句乐段的和声结构与终止式 3—4音乐的句式结构——扩充、缩短、补充 3—5音乐的句式结构——进行的周期性、综合与分解 3—6高潮 3—7两句不等长乐段 第四章乐段（三） 4—1三句乐段 4—2N句乐段 4—3不分句乐段 4—1复乐段 第五章一段曲式 5—1乐段结构与一段曲式 5—2实例分析一 5—3实例分析二 5—4实例分析三 5—5实例分析四 第六章二段曲式 6—1段曲式的结构原理 6—2带再现的二段式 6—3声乐曲与器乐曲曲式结构的异同 6—4二段式的歌曲——由分节歌和叠歌组成的二 段式歌曲 6—5二段式艺术歌曲 第七章三段曲式 7—1三段曲式的结构原理 7—2三段曲式的基本类型 7—3三段式的段和中段 7—4三段式的再现段 7—5三殷女的附加结构 7—6实例分析一 7—7实例分析二 7—8实例分析三 7—9实例分析四 7—10实例分析五 第八章多段结构 8—1关于“多段结构”的概念 8—2实例分析一 8—3实例分析二 第九章三部曲式 9—1曲式结构的层次划分 9—2三部曲式的概念与基本结构 9—3三部曲式中部对比的性质 9—4三部曲式各部简述 9—5“三声中部” 9—6以插部为中部 9—7实例分析 9—8二部曲式 第十章回旋曲式 10—1旋曲式的构成 10—2古回旋曲 10—3维也纳古典时期的回旋曲 10—4浪漫时期以后回旋曲式的发展 第十一章变奏曲（一） 11—1关于主题与变奏 11—2固定低音——帕萨卡利亚 11—3实例分析一 11—4实例分析二 11—5夏空（chaconne） 第十二章变奏曲（二） 12—1装饰变奏及其主题 12—2装饰变奏的常用手法 12—3实例分析 12—4自由变奏 12—5实例分析 第十三章奏鸣曲式（一） 13—1奏鸣曲与奏鸣曲式 13—2奏鸣曲式的构成 13—3呈示部中的正主题 13—4连接 13—5副主题 13—6结束 第十四章奏呜曲式（二） 14—1展示部 14—2主题材料的展开 14—3展开部的调性布局 14—4展开部的结构 14—5展开部范例分析 14—6再现部 14—7再现中的正主题 14—8再现中的副主题 14—9奏鸣曲式的引子与尾声 14—10再现部范例分析 第十五章奏呜曲式（三） 15—1奏鸣曲式的交体 15—2没有展开部的奏鸣曲式 15—3带插部的奏鸣曲式 15—4协奏曲乐章中的双呈示部 第十六章奏鸣回旋曲式 16—1奏鸣回旋曲式的构成 16—2奏鸣回旋曲式的呈示部 16—3中间插部与再现部 16—4实例分析 第十七章套曲——组曲 17—1套曲的定义及种类 17—2古组曲 17—3古二段（部）曲式 17—4古组曲实例简析 17—5新型组曲 17—6新型组曲实例分析 第十八章奏鸣（交响）套曲 18—1奏鸣（交响）套曲的运用范围 18—2奏鸣（交响）套曲的构成 18—3交响套曲实例分析 第十九章声乐套曲与大合唱 19—1声乐套曲 19—2舒柏特的《美丽的磨坊女》 19—3大合唱与清唱剧 19—4大合唱中的主导主题 19—5星海的《黄河大合唱》 

《音乐自学丛书·作曲卷：曲式学基础教程》由谢功成所著，为“音乐自学丛书”之一。全书共分十九章，主要介绍了乐段、一段曲式、二段曲式、三段曲式、多段结构、回旋曲式、变奏曲、奏呜曲式、奏鸣回旋曲式、奏鸣(交响)套曲、声乐套曲与大合唱等知识。《音乐自学丛书·作曲卷：曲式学基础教程》既有一定的理论深度，又通俗易读。除作为音乐函授大学以及卫星电视大学音乐理论作曲学科的教材外，亦可作为音乐院校和音乐范院校师生的辅导教材和参考书。  

《西方音乐史纲：从古代到浪漫主义》 内容提要 本书旨在为音乐爱好者、学生及专业人士提供一份全面而深入的西方音乐发展历程的导览。我们聚焦于音乐本体的演变，细致梳理了从古希腊的音乐理论萌芽，到中世纪的宗教音乐主导，经由文艺复兴的复调艺术兴盛，巴洛克时期的精湛技巧与情感张力，古典主义的结构完美与清晰，直至浪漫主义的个性解放与情感的无限拓展。全书力求以清晰的脉络，结合重要的音乐作品、代表作曲家及其创新之处，勾勒出西方音乐思想与实践相互影响、不断迭代的历史图景。 第一部分：音乐的摇篮与童年——古代至中世纪 第一章 古希腊音乐的遗产与理论基石 西方音乐的源头可追溯至古希腊。本章将探讨古希腊人对音乐的哲学理解，即“慕西克”（Mousikē），它不仅仅是听觉艺术，更是数学、天文学和伦理学的综合体现。我们将详细介绍毕达哥拉斯对音程的数学发现及其在音阶构建上的影响。重点分析了古希腊调式（如多利安、弗里吉安调式）的特征，并解析了柏拉图和亚里士多德在《理想国》中对音乐“伦理效应”（Ethos）的论述。尽管留存的乐谱稀少，但其理论体系，特别是关于调性、和谐与韵律的思考，构成了西方音乐学不可磨灭的基础。 第二章 早期基督教音乐与格里高利圣咏的形成 随着罗马帝国的衰落与基督教的兴起，音乐的中心转向教会。本章详述了中世纪早期音乐生活的核心——礼拜仪式音乐。重点阐述了格里高利圣咏（Gregorian Chant）的特征：单音性（Monophonic）、无固定节拍、以及其作为教会官方音乐所经历的规范化过程。我们将分析这一时期记谱法的初步发展，特别是纽姆（Neumes）的出现，如何使口传心授的音乐得以初步记录，并探讨其在欧洲不同地区（如米兰的安布罗斯圣咏）的地方差异。 第三章 欧洲音乐的复调觉醒：奥尔加农到经文歌的探索 中世纪盛期的最大突破在于复调音乐的诞生与发展。本章深入探讨了对位法（Counterpoint）的早期实践。首先介绍的是圣加楼德修道院的莱奥宁（Léonin）和佩罗坦（Pérotin）所代表的巴黎圣母院乐派，他们如何发展出早期的奥尔加农（Organum），尤其是“自由奥尔加农”和“规律奥尔加农”。随后，我们将聚焦于“三声部”（Troparia）和“四声部”的复杂交织，以及重要的世俗音乐形式——法国的游吟诗人（Trouvères）和德国的吟游诗人（Minnesinger）的作品，这些作品为后来的世俗音乐体裁奠定了基础。 第二部分：结构与情感的精进——文艺复兴与巴洛克 第四章 文艺复兴的“人文主义之声”：均衡与情感的结合 文艺复兴时期（约1400-1600年）标志着对古典主义理想的回归以及人文主义思想对艺术的渗透。本章着重分析了复调音乐的成熟。重点研究法兰德斯乐派（如杜费、雅克·德佩）如何确立了均衡、清晰的五度音阶体系和成熟的模仿对位技法。我们将详细考察弥撒曲和经文歌的结构演变，特别是若斯坎·德普雷（Josquin des Prez）的作品，他以精妙的织体变化和对文本的深刻理解，将复调艺术推向了高峰。同时，本章也会涵盖世俗音乐的繁荣，如意大利的牧歌（Madrigal）如何通过“文字乐”（Word Painting）手法来描绘歌词意境。 第五章 巴洛克时代的辉煌：戏剧性、对比与狂热的激情 巴洛克时期（约1600-1750年）是西方音乐史上最具活力和装饰性的阶段之一。本章首先探讨了“第二实践”的出现，即为追求戏剧性效果而打破纯粹复调规则的早期歌剧（如蒙泰威尔第的《奥尔费奥》）。我们将详细剖析巴赫和亨德尔等大师的成就。重点分析了以巴赫为代表的对位法集大成，包括赋格曲（Fugue）的精妙结构，以及他如何完善了大小调体系的调性功能。同时，对协奏曲（Concerto Grosso和独奏协奏曲）、清唱剧（Oratorio）等器乐和声乐新体裁的发展脉络进行了系统梳理。 第三部分：理性与典雅的巅峰——古典主义时期 第六章 维也纳古典乐派的形成与“形式的完善” 古典主义时期（约1730-1820年）强调清晰、平衡、清晰的旋律线条和严谨的结构。本章着重介绍这一时期音乐的理性精神。重点分析了奏鸣曲式（Sonata Form）的结构原理，它成为交响曲、奏鸣曲和室内乐的通用蓝图。我们将细致考察海顿如何被誉为“交响曲之父”，奠定四乐章结构；莫扎特如何将歌剧艺术推向人性的深度，并在协奏曲中展现出无与伦比的旋律天赋。 第七章 贝多芬：古典的终结者与浪漫的先驱 本章将贝多芬置于古典主义与浪漫主义的交汇点。他的早期作品遵循古典规范，但中期开始，通过对力度对比的极端运用、主题的动机性发展，以及对传统曲式的拉伸与改造，注入了前所未有的英雄主义和个人意志。重点分析了其晚期作品中对形式的突破以及对自由表达的追求，为十九世纪的音乐发展铺平了道路。 第四部分：情感的解放与个性的呐喊——浪漫主义时期 第八章 浪漫主义的浪潮：主观性、幻想与民族色彩 浪漫主义时期（约1820-1910年）的音乐家将情感、想象力和个体经验置于首位。本章探讨了这种转变如何体现在音乐语言上：和声变得更为复杂（增三和弦、减七和弦的广泛运用），旋律更加自由奔放，配器法更为丰富，以追求极致的音色变化。我们将分析舒伯特的艺术歌曲（Lied）如何将诗歌与音乐完美融合，以及肖邦如何将钢琴这种乐器推向了新的表现力极限。 第九章 民族乐派的兴起与管弦乐队的革新 随着民族意识的觉醒，许多作曲家开始从本国的民间音乐、历史传说和民族风俗中汲取灵感。本章将介绍俄国的“五人强力集团”、捷克的德沃夏克和斯美塔那，以及北欧的西贝柳斯等作曲家，他们如何将本民族的音乐元素融入到西方传统的曲式结构中，丰富了音乐的表现语汇。此外，本章还将审视十九世纪管弦乐队规模的空前扩大，以及李斯特等人在交响诗（Symphonic Poem）这一全新体裁中的开创性贡献，这种体裁彻底打破了传统交响曲的结构束缚，完全服务于叙事性内容。 第十章 晚期浪漫主义的戏剧化与瓦格纳的影响 晚期浪漫主义的特征是追求宏大叙事和极度的情感表达。本章重点分析理查·瓦格纳对音乐戏剧的彻底改造，包括“主导动机”（Leitmotif）的系统运用、调性色彩的模糊化，以及他对歌剧院体验的整体构建。同时，我们也考察了如布鲁克纳和马勒等作曲家如何通过近乎无穷尽的交响曲篇幅，探索人类生存的终极哲学命题，将这部西方音乐史的宏大叙事推向了古典体系的最后边界。

评分☆☆☆☆☆

我是在一个偶然的机会接触到《巴洛克时期键盘音乐风格分析》的，这本书的出现，彻底改变了我对巴赫和亨德尔作品的理解。它聚焦于一个相对狭窄但极其重要的时期，通过深入研究早期的演奏实践和音乐装饰法，来反推当时作曲家的真正意图。作者对“即兴创作”在巴洛克音乐中的核心地位的强调，给了我极大的震撼。以前我总觉得那些复杂的对位是“写死”的，但读完这本书，我才明白，很多华丽的音型和装饰音，其实是演奏者在尊重曲式框架下的二次创作。书中对“古钢琴（Clavichord）”和“羽管键琴（Harpsichord）”音色差异如何影响作曲的细微之处，也有精辟的论述。阅读过程需要极大的专注力，因为它要求你不仅要会看五线谱，还要能想象出那个时代乐器的真实音响效果。这本著作，更像是一把精密的考古铲，帮助我们将那些古老的乐谱从尘封的纸张中解放出来，还原其应有的生命力与光彩。

评分☆☆☆☆☆

这本《音乐理论基础精讲》真是让我茅塞顿开！作者的讲解方式非常生活化，不像有些教材那样晦涩难懂，而是能让人很快抓住核心概念。特别是关于和声进行的推导过程，他用了很多生活中的例子来类比，比如把大小调的色彩比作不同天气下的心境变化，这种细腻的描述一下子就拉近了我们和枯燥理论之间的距离。我尤其欣赏的是，书中不仅讲了“是什么”，更深入地探讨了“为什么”，比如为什么某些音程听起来和谐，某些又显得紧张，这些背后的物理学和心理学原理都被梳理得井井有条。这本书对于我这种零基础入门者来说，简直是量身定做，它没有上来就堆砌专业的术语，而是循序渐进地搭建知识框架，每学完一个章节都感觉自己离真正的音乐家又近了一步。而且，书中的习题设计得非常巧妙，它们不是简单的机械重复，而是需要你真正运用所学知识去分析和解决实际的音乐片段，这极大地锻炼了我的乐感和分析能力。这本书的装帧设计也很考究，纸张的质感很好，长时间阅读也不会感到疲劳，看得出来出版社在细节上也是下足了功夫。

评分☆☆☆☆☆

我最近在研读这本《二十世纪作曲技法前沿探索》，说实话，读完之后感觉自己的音乐视野被彻底拓宽了。这本书的深度和广度都超乎我的想象，它没有停留在传统的调性体系内打转，而是大胆地将无调性音乐、十二音体系，乃至微分音、噪音音乐等多种现代作曲手法进行了系统性的梳理和介绍。作者在阐述像“序列主义”或“随机音乐”这些前卫概念时，并没有采用高高在上的学术腔调，而是非常务实地分析了每一流派的逻辑基础和表现力意图。我特别喜欢其中关于“音色作为结构元素”的章节，它让我意识到音乐不仅仅是音高的排列组合，声音的质感本身也可以成为组织音乐的骨架。这本书的参考文献部分也做得极为扎实，提供了大量德文、法文的原著索引，对于想要深挖历史背景和理论源头的学习者来说，无疑是一座宝库。它更像是一部研究报告，而不是简单的教程，非常适合已经有一定基础，想要向专业作曲研究方向迈进的读者。

评分☆☆☆☆☆

拿到这本《管弦乐配器大师手记》时，我其实有点担心它会变成一本干巴巴的乐器介绍大全，但事实证明我的担忧是多余的。这本书的魅力在于它的“实战性”。作者似乎是直接将自己几十年的乐队指挥和配器经验倾囊相授，书中大量的配器实例分析，都是从最顶尖的交响乐作品中截取的，配有清晰的五线谱段落和作者的批注。最让我受益匪浅的是关于“乐器间的平衡和层次感”的探讨。他详细讲解了不同乐器组（比如木管组、铜管组）在不同力度下如何相互交织而不互相掩盖，以及如何利用和声的织体密度来营造空间感。比如，书中对比了理查·施特劳斯和马勒在处理小提琴高音区时的不同策略，这种对比分析的力度极强。这本书更像是我的“配器顾问”，每当我对着总谱发愁时，翻开它，总能找到立竿见影的启发。对于希望快速提升配器水平，特别是想让自己的作品听起来“丰满”而不是“拥挤”的音乐工作者来说，这本书的价值无可估量。

评分☆☆☆☆☆

最近为准备一个关于民族音乐学的课题，我购买了这本《世界传统音乐的符号学解读》。坦白说，它挑战了我固有的“西方中心”的音乐观。这本书的视角非常独特，它不关注旋律、和声这些“可量化”的元素，而是将不同地域的音乐——从非洲的鼓语，到亚洲的五声音阶叙事——视为一种完整的文化符号系统进行剖析。作者运用了大量的符号学理论，来解释为什么某些节奏型在特定文化中具有神圣或世俗的意义，以及它们是如何与社会结构、宗教仪式紧密联系在一起的。我印象最深的是它对“口头传统”的记录和分析方法，这对于习惯了书面乐谱的我们来说，提供了一种全新的记录和思考框架。这本书的文字密度很高，需要反复咀嚼才能体会其深意，它更像是一本思想启发的读物，而非技能传授手册。它成功地让我意识到，音乐的本质远比我们想象的要宏大和复杂，它关乎人类文明的深层表达。