正版音樂織體學綱要徐源音樂學院齣版社考研大中專全新教材9787810968096 pdf epub mobi txt 電子書 下載 2025

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徐源 著

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齣版社： 中央音樂學院齣版社

ISBN：9787810968096

商品編碼：29684834978

頁數：119

圖書基本信息
書名：	音樂織體學綱要
叢書名：
作者/主編：	徐源
齣版社：	音樂學院齣版社
ISBN號：	9787810968096
齣版年份：	2017年4月1日

版次：	第1版
總頁數：	119頁
開本：	16
圖書定價：	18元
實際重量：	381g
新舊程度：	正版全新

一本有益的教科書

緒論
一、織體學是什麼
二、為什麼要研究音樂織體
三、材料和內容
章 織體的基本成份和音層
一、主調音樂織體的基本成份
二、音層
第二章 鏇律
一、鏇律
二、對位鏇律
第三章 和弦音的節奏化
一、和弦材料的方式
二、低音與和弦音分離
三、反復和弦
第四章 和弦音的鏇律化
一、分解和弦的一般特性
二、分解和弦音綫條運動的形狀
三、音型與和弦的關係
四、分解和弦裏的和聲外音
五、有附加和聲聲部的分解和弦
第五章 低音
第六章 織體的結構
一、織體的結構及其類型
二、同一音層結構
三、兩音層結構
四、三音層結構
五、四音層和多於四音層的結構
六、復調化的寫法
第七章 鋼琴音樂織體的聲部特點
一、華彩音型中的和聲聲部
二、聲部的增減
三、有關聲部進行的幾個特殊問題
附錄1 民間器樂閤奏的聲部結閤
附錄2 獨特的節奏音樂——中國打擊樂

 我國固有的民族音樂中，雖然有流傳久遠的多聲部民歌，戲麯音樂、說唱音樂、器樂閤奏與獨奏麯中也潛伏著多聲部結閤的因素，但我國民族音樂長期以來主要是以單一麯調的形式發展。本世紀初葉隨著西方包含多個聲部樂麯的輸入，從縱橫兩個方麵研究多個聲部結閤方法的和聲學、對位法教科書也相繼傳人我國。而“織體”一詞是在50年代以後纔廣為流傳。此前，還未見研究這一問題的教科書式的專著。

　　作為一個音樂創作刊物的編輯，我深感我國作麯傢創作包含多個聲部音樂作品的曆史不算很長，織體寫作的質量亟待提高。一些作品立意很好，而因織體欠妥而不宜發錶。已發錶的某些作品的織體也不能說是無懈可擊。織體不夠縝密，就不能完滿地錶達作品的內涵，作品處於半成熟狀態，錶現齣作麯傢寫作功力不足。在和聲學對位法教科書之外，有這樣一本闡述音樂作品織體寫作的教科書式的著作是很有益的。

《西方音樂史論綱要：從文藝復興到20世紀》 （北京大學齣版社） 內容簡介 本書旨在為音樂學、音樂史學、音樂理論等專業的學生及研究者提供一套係統、深入且兼具批判性視角的西方音樂發展曆程概述。全書聚焦於自文藝復興盛期至20世紀中葉這一關鍵曆史階段，涵蓋瞭音樂風格、技術革新、社會語境與美學思想的深刻變革。本書不僅僅是曆史事件的羅列，更注重解析不同時期音樂觀念的內在邏輯與相互影響。 第一部分：文藝復興的成熟與巴洛剋的曙光（約1450-1680年） 本部分詳細考察瞭十五世紀末至十六世紀歐洲音樂的轉型。我們首先探討瞭弗蘭德斯樂派（如若斯坎）如何通過對位法的精湛運用，確立瞭人聲復調音樂的黃金標準。重點分析瞭宗教改革與反宗教改革對音樂形式（如聖詠、經文歌、彌撒麯）的影響，並引入瞭早期音樂世俗化進程中牧歌（Madrigal）的文本與音樂錶現張力。 隨後，焦點轉嚮巴洛剋音樂的早期奠基。這包括瞭歌劇（Opera）在佛羅倫薩的誕生及其早期發展（如濛特威爾第的創新），以及“新音樂”（Seconda Pratica）對情感錶達（Affetti）的追求。本書細緻剖析瞭早期調性體係的初步確立、數字低音（Basso Continuo）的實踐意義，以及奏鳴麯（Sonata）和協奏麯（Concerto）雛形的技術特徵。 第二部分：巴洛剋盛期與古典主義的結構（約1680-1820年） 巴洛剋盛期的分析將集中於巴赫與亨德爾的創作高峰。對於巴赫，我們深入研究瞭其賦格麯的結構嚴謹性、平均律體係的應用，以及鍵盤音樂、管弦樂與宗教音樂的集大成。對於亨德爾，則側重於清唱劇（Oratorio）在英國的成功及其戲劇性張力。 本部分還詳盡闡述瞭“風格轉換”（Style Galant）的齣現，以及它如何孕育瞭古典主義音樂的清晰、平衡與對稱性。海頓作為“交響樂之父”，其奏鳴麯式（Sonata Form）的成熟與規範化成為重點。莫紮特的音樂則被置於維也納古典樂派的語境下，分析其鏇律的精緻性、歌唱性與結構上的完美結閤。 第三部分：浪漫主義的激情與個性的綻放（約1820-1910年） 浪漫主義的開端被置於貝多芬對古典範式的突破之上，著重探討其如何將個人意誌和英雄主義敘事融入大型器樂體裁。 隨後，本書係統梳理瞭浪漫主義音樂的四大特徵：主觀情感的極端化、民族主義的興起、對文學與視覺藝術的融閤，以及和聲語言的日益擴張。舒伯特、肖邦、李斯特等人在藝術歌麯（Lied）和鋼琴獨奏麯中的創新被詳細考察。 管弦樂的擴展是浪漫主義的核心議題之一。柏遼茲、瓦格納、勃拉姆斯、馬勒等人的作品如何挑戰甚至顛覆瞭傳統的交響麯、協奏麯和歌劇結構，特彆是瓦格納的“總體藝術作品”（Gesamtkunstwerk）理念及其對調性語境的深刻影響，將作為本章的難點進行深度剖析。 第四部分：20世紀的破碎與重構（約1900-1950年） 進入20世紀，音樂進入瞭前所未有的多元化與探索期。本部分首先關注德彪西與拉威爾所代錶的印象主義（Impressionism）如何通過音色、和聲的模糊處理來“描繪”瞬間感受。 隨後，我們探討瞭“現代主義”在維也納學派的激進化。勛伯格的無調性（Atonality）探索，以及其後發展齣的十二音序列技術（Twelve-Tone Technique）的原理、應用與局限性，被嚴謹地介紹。 同時，本書也涵蓋瞭對新古典主義（Neoclassicism，以斯特拉文斯基為代錶）的迴歸傳統形態的分析，以及俄國和東歐地區音樂（如巴托剋、肖斯塔科維奇）中對民間音樂元素吸收與現代手法結閤的路徑。對拉赫瑪尼諾夫等晚期浪漫主義者的論述，則作為現代性衝擊下的堅守力量被提及。 結語與方法論 全書在每一章的末尾均設有“方法論反思”闆塊，鼓勵讀者不僅學習“是什麼”，更要思考“如何研究”。本書強調曆史語境、社會經濟背景對音樂創作的製約與推動作用，旨在培養讀者運用跨學科視角，對西方音樂傳統進行批判性閱讀和分析的能力。 適用對象： 音樂學院本科及研究生，音樂史、音樂理論方嚮的進修學者，以及對西方音樂經典時期有誌於深入學習的愛好者。本書結構嚴謹，論述翔實，是理解西方音樂思維演變的關鍵參考書目。

評分☆☆☆☆☆

我個人更關注的是將這些理論應用到現代音樂創作中的可能性，這本書在這方麵也給瞭我不少啓發。雖然它根植於古典和聲與對位法的傳統，但它所建立的對“聲部組織”和“空間感”的理解，是跨越時代的。書中有一部分討論瞭如何通過改變織體密度和聲部進行速度來營造戲劇張力，這讓我意識到，即便是在編寫電子音樂的音軌時，這些基於人類聽覺認知的基本原則依然有效。我嘗試將書中學到的關於如何打破傳統主導音調的織體技巧，應用到瞭我自己的配樂小樣中，結果發現音樂的層次感立刻提升瞭一個檔次，不再是平鋪直敘的綫性發展。這本書的價值在於，它教會我們如何“思考”聲音的組織，而不是簡單地“記憶”和弦名稱。它提供瞭一個堅實的基礎，讓你能更自信地去“打破”規則，因為你知道打破的邊界在哪裏，以及這種打破會帶來什麼樣的聽覺後果。這本書對於那些希望從“編麯者”成長為“音樂結構設計師”的人來說，絕對是一劑強心針。

評分☆☆☆☆☆

作為一名音樂教育工作者，我深知教材的質量直接決定瞭學生的理解深度和學習效率。我對比瞭市麵上幾本主流的織體學教材，這本書的優勢在於其平衡性做得非常齣色。它既沒有為瞭追求學術前沿而忽略瞭基礎的紮實訓練，也沒有因為追求易懂而流於錶麵。書中關於不同曆史時期音樂織體風格演變的梳理，邏輯嚴密，時間綫索清晰。比如，書中對印象派音樂中“色彩和聲”的運用如何影響瞭傳統的功能和聲織體，以及序列主義音樂中“音色織體”的探索，都有著恰到好處的介紹和分析。這些內容對於拓寬學生的視野，讓他們理解音樂是如何隨著時代需求而不斷進化的，非常有幫助。我甚至發現瞭一些在我過去教學生涯中自己都沒有太注意到的細節，比如中世紀復調音樂中固定音高的處理方式，這本書用非常直觀的圖錶展示瞭其聲學基礎。總而言之，這是一本非常值得推薦給所有希望深入理解音樂結構，無論是教學還是研究的學生和教師的工具書。

評分☆☆☆☆☆

我花瞭相當長的時間尋找一本既有深度又不過於晦澀的音樂理論教材，尤其是在尋找那些能夠真正“解鎖”古典音樂復雜結構的鑰匙時。這本書在處理對位法和賦格結構時展現齣瞭非凡的洞察力。它沒有僅僅停留在介紹幾種傳統的對位規則上，而是深入剖析瞭這些規則背後隱藏的邏輯——為什麼某些音程在特定位置會産生緊張感，以及作麯傢如何通過控製這種緊張與釋放來推動音樂發展。書中對“織體”的定義和分類極其細緻，讓我明白瞭原來我們常說的“織體”遠不止是簡單的鏇律與伴奏疊加。我特彆欣賞作者在講解賦格主題的呈示部處理時所采用的分析方法，它把原本看起來像迷宮一樣的多聲部交織，用清晰的綫條圖和詳細的文字注釋一一梳理開來，使得“主題在不同聲部間的模仿與追逐”這個概念不再是抽象的口號。對於準備考研的學生來說，這種結構化的分析能力是至關重要的，這本書無疑提供瞭一個極佳的範本。讀完之後，我感覺自己看古典樂譜的“眼睛”都被擦亮瞭，能聽齣更多隱藏在錶層之下的精妙設計。

評分☆☆☆☆☆

這本書的排版和印刷質量令人印象深刻，這對於一本需要大量樂譜示例的專業書籍來說至關重要。紙張的質地很好，即便是長時間翻閱和在上麵做筆記，也不會輕易損壞，而且墨跡清晰，尤其是一些復雜的聲部進行圖錶，綫條分明，沒有齣現任何模糊不清的情況。這極大地方便瞭我在學習時進行批注和圈畫重點。更值得稱贊的是，書中對一些晦澀難懂的術語和概念，都提供瞭非常詳盡的注釋和曆史背景。我記得有一次在研究某種非常特殊的“卡農”結構時，書中的附注直接引用瞭早期理論傢的原文進行對比解釋，這種深度的挖掘，遠超齣瞭普通入門教材的水準。它讓我體會到，學習音樂理論不僅僅是學習一套規則，更是學習一套思想的傳承和發展脈絡。這種嚴謹治學的態度，使得這本書即使是作為參考工具書來使用，也顯得非常可靠和權威。對於那些對細節有強迫癥的“學究型”學習者來說，這本書絕對是視覺和智力上的雙重享受。

評分☆☆☆☆☆

這本關於音樂織體結構的書簡直是為我這種初學者量身定做的！我之前對和聲學和對位法的理解總是停留在零散的片段，總覺得理論知識很枯燥，難以與實際的音樂創作聯係起來。然而，這本書的編排邏輯非常清晰，從最基礎的音高關係講起，逐步深入到復雜的復調織體。作者的敘述方式非常親切，不是那種高高在上的學術腔調，而是像一位經驗豐富的老師在耐心地為你拆解復雜的樂理概念。比如，在講解如何構建一個穩定的四部和聲進行時，書中不僅有詳盡的規則說明，還配有大量不同風格的範例，從巴洛剋到浪漫主義，讓我能直觀地感受到不同時代作麯傢是如何運用這些“織體”來錶達情感的。更讓我驚喜的是，書裏對織體在不同樂器組閤中的應用也有探討，這對於我這個想嘗試為小型室內樂團配器的業餘愛好者來說，簡直是寶藏。讀完前幾章，我感覺自己對音樂的“骨架”有瞭全新的認識，不再是盲目地堆砌音符，而是能有意識地去塑造音樂的層次感和流動性。這本書真正做到瞭將“綱要”的精髓與實操相結閤，讀起來不僅漲知識，更充滿瞭實踐的樂趣，讓人迫不及待想拿起樂器或軟件去嘗試一下。